Jazz is an art form fueled by a dichotomy: an equal dependence upon ensemble
interaction and individual sensibility. Regardless of the size of the group, simultaneous
input from multiple sources creates a web of intensity and tension that
ideally inspires – but does not necessarily define – the role of the individual,
which is why we place so much emphasis on “the art of the improviser.” The
choices made by one affect all, and the music reflects the quality of the conceptual
give-and-take.
So jazz musicians are oftentimes judged by the company they keep. In the case of
Jump!, the third release on the Intakt label by Swiss saxophonist Jürg Wickihalder,
the presence of Irène Schweizer, one of the most consistently provocative and
imaginative pianists to emerge from the revolutionary period of the late ‘60s, says
a great deal about his willingness to explore new avenues of improvisation, while
maintaining a healthy, still creative relationship with established jazz traditions. In
so doing, he’s taking advantage of the best of both worlds.
Not that this is a new facet of Wickihalder’s burgeoning career. The time he spent
in Boston, from 1992 to ’95, attending the Berklee College of Music, brought him
into contact with such stylistically uncategorizable saxophonists as Steve Lacy
and George Garzone, and enabled him to develop a broad, open-minded perspective
on modern jazz. His previous recordings exhibit the curiosity and casual informality
underlining his relationship with the past. His first Intakt release, A
Feeling for Someone, was a rhythm section-less duo with pianist Chris Wiesendanger,
where Wickihalder could focus on the singing qualities of his horn,
and display a restrained lyricism tempered with a hint of melancholy. Tellingly,
the follow-up, Furioso, adopted a completely different format. Wickihalder was
partnered on the front line by the excitable Italian reedman Achille Succi, and
working in counterpoint and in tandem atop a variety of swing strategies allowed
spectacular voicings or odd harmonies or even surprising melodies! With her everything
rotates around rhythm. I like her energy, her drive, she really swings and pushes
me forward – and you’d better be prepared for some strong fights.”
It’s not surprising, then, that rhythm is at the heart of the cleverly designed compositions
Wickihalder supplied for Jump! – romping escapades, shifting grooves, contrasting
patterns, and acrobatic feats. His titles – like Lacy’s One Fell Swoop and Jimmy
Giuffre’s Free Fall – symbolize the uncertain and sometimes dangerous positions the
musicians must negotiate. “Triple Rittberger Exercise” is a reference to a difficult ice
skating leap, and “6243D (armstand back double somersault 1.5 twists free position)”
is, as it sounds, a complicated high dive. “High Wire Dancer” calls to mind the similarities
between the poet (or improviser) and the circus high wire performer which Lawrence
Ferlinghetti characterized in a poem from his book A Coney Island of the Mind:
“Constantly risking absurdity / and death / whenever he performs / above the heads /
of his audience / … / For he’s the super realist / who must perforce perceive / taut
truth / before the taking of each stance or step / in his supposed advance / toward
that still higher perch / where Beauty stands and waits / with gravity / to start her
death-defying leap / And he / … / who may or may not catch / her fair eternal form /
spreadeagled in the empty air / of existence.”
Ferlinghetti’s existential imagery is closely echoed by Wickihalder’s own description
of his compositional inspiration: “The compositional material should function as a
‘rich musical spring-board’ for the quartet’s playing. Once the composition puts everybody
in the air, we are drawn by a shared energy, going in one direction, creating
movements influenced by unpredictable and chaotic circumstances (like the wind, or
hitting partners), but still from time to time managing some perfectly synchronized
figures. But nobody knows exactly where and how we will land. We just know we will
them to exploit paired reed maneuvers dating back beyond, for example, those of
Steve Lacy and Steve Potts, to interplay reminiscent of such combinations as Bob
Wilber and Kenny Davern, or even earlier, Jimmy Noone and Joe Poston, without
sounding antiquated in the least.
Jump! places Wickihalder in yet another ambitious stylistic setting, revealing further
aspects of his improvisational and compositional character, and challenging him with
adventurous new collaborators. The first and foremost connection came when he met
Irène Schweizer in 2001. And the bridge between them was the music of Thelonious
Monk. As Wickihalder relates, “I started to play Monk’s music for myself at the age
of 13. I was just a kid and liked it, pure instinct. So I learned many of his tunes back
in the ‘90s in the Swiss mountains. A couple of years later, a friend gave me Steve
Lacy’s CD Reflections. This almost drove me crazy – I tried so hard to play Steve’s
solos on that record.” Not long after, Jürg had the opportunity to study informally with
Lacy himself, but was determined to separate his ideas from those early influences.
“Sometimes it happens that strong musical influences get very counterproductive and
start to slow down your own musical development. I guess this happened to me at a
certain point with Monk’s music and Steve’s playing.”
After Wickihalder returned to Zürich, he was performing at a charity concert in his old
neighborhood, where he met Schweizer. “I played solo – some Monk – and she liked
it. We got to know each other and we started to play some duo sessions practicing
Monk’s music. Before long we were playing duo concerts in the Zürich area.” One
might anticipate the saxophonist’s attraction to Schweizer’s experienced harmonic
ingenuity and melodic resourcefulness – it’s all there in the introductory solo she
plays on “Red Light Jumping Friends,” a brilliant soliloquy of alternately intuitive and
controlled statements. But he was ultimately seduced by another aspect of her playing.
“Irène is my favorite ‘drummer’ on the piano. For me, it is not so much about
land for sure and so we better prepare that landing well. This is about responsibility –
life and death are very close.” As improvisers, every sound, every gesture, every movement,
is both a commitment and a jump into the void. Each member of the quartet
contributes to the drama embedded in the moment of action. Michael Griener varies
the tonalities of his drum beats with rim rattles and cymbal colors, and often attacks
from an oblique rhythmic perspective. Bassist Fabian Gisler’s undemonstrative, unshakeable
support is the band’s safety net. Schweizer uncoils skeins of melody and a
jolting rhythmic impetus. Wickihalder’s free-spirited phrasing, no longer under the
shadow of Lacy, suggests a different persona in each piece.
Don’t be confused by those moments when the music turns, unintentionally, spontaneously,
amusingly, most Monkish – the off-kilter swing, descending line a la “Skippy”
and Irène’s allusions to “Jackie-ing” and “Thelonious” in “6243D,” and the nearly
“Criss-Cross” theme and sudden interjection of “I Mean You” in “Triple Rittberger
Exercise.” These playful interjections are only a fragment of the true nature of
Wickihalder’s achievement; when he takes us to surprising new places, the past coexists
with the present, nothing is lost, experience is rewarded, and the music lives.
Art Lange, Chicago, August 2011
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Jazz ist eine Kunstform, die aus einem Zwiespalt gespeist wird – sie ist gleichermassen
abhängig von der Interaktion im Ensemble wie von der individuellen Sensibilität.
Ungeachtet der Grösse der Gruppe, wird durch das Zusammenspiel verschiedener
Quellen ein Netz aus Intensität und Dichte gewebt, das im Idealfall die Rolle jedes
Einzelnen inspiriert – aber nicht notwendigerweise definiert. Deswegen wird auch
immer die «Kunst des Improvisators» so stark betont. Jede Entscheidung des Einzelnen
hat Auswirkungen auf alle, und die Musik reflektiert die Qualität des konzeptuellen
Nehmens und Gebens.
So kommt es, dass Jazzmusiker oft auch daran gemessen werden, mit wem sie sich
umgeben. Im Fall von «Jump!», der dritten CD des Schweizer Saxofonisten Jürg
Wickihalder beim Label Intakt, sagt die Präsenz von Irène Schweizer einiges über
seine Bereitschaft aus, neue Wege der Improvisation zu erforschen und dabei eine
gesunde, sehr kreative Beziehung zu den etablierten Jazztraditionen zu erhalten.
Irène Schweizer ist eine der gleichbleibend provokativsten und imaginativsten Pianistinnen,
die aus der Periode der revolutionären späten Sechzigerjahre hervorgegangen
ist.
Nein, das ist keine neue Facette von Wickihalders sich entwickelnder Karriere. Die
Zeit, die er in Boston verbracht hat – 1992 bis 1995 als Student am Berklee College
of Music –, hat ihn mit stilistisch nicht klassifizierbaren Saxophonisten wie Steve
Lacy und George Garzone in Kontakt gebracht und ihm erlaubt, eine breitgefächerte
und aufgeschlossene Sicht des Modern Jazz zu entwickeln. Seine früheren Einspielungen
zeigen Neugier und lässige Zwanglosigkeit, sie unterstreichen seine Bindung
zur Vergangenheit. Seine erste Intakt-CD «A Feeling for Someone» war ein Duo ohne
Rhythmusgruppe mit dem Pianisten Chris Wiesendanger, in dem Wickihalder sich auf
die gesanglichen Qualitäten seines Instrumentes konzentrieren konnte, mit dezent
lyrischer Qualität, eingefärbt von einem Hauch Melancholie.
Vielsagenderweise war die darauffolgende CD «Furioso» von komplett anderem Format.
Wickihalder teilte sich die Frontline mit dem agilen italienischen Holzbläser
Achille Succi, und diese kontrapunktische Tandemarbeit über vielerlei Swingstrategien
erlaubte ihnen, vergangene Duo-Holzbläser zu erforschen, zum Beispiel Steve Lacy
tiven und kontrollierten Statements. Aber es war ein anderer Aspekt ihres Spiel, der
ihn endgültig verführt hat: «Irène ist meine Lieblings-‹Schlagzeugerin› am Piano. In
ihrem Spiel sind meiner Ansicht nach nicht spektakuläre Voicings oder schräge Harmonien
von primärer Bedeutung, auch nicht überraschende Melodien. Bei ihr dreht
sich alles um Rhythmus. Ich liebe ihre Energie, sie swingt einfach und treibt mich
an – man sollte also besser auf so manchen Schlagabtausch vorbereitet sein.»
Es überrascht also nicht, dass Rhythmus die Grundlage der raffinierten Kompositionen
ist, die Wickihalder für «Jump!»« liefert – tobende Eskapaden, wechselnde Grooves,
kontrastierende Muster und akrobatische Kunststücke. Seine Titel – wie Lacys «One
Fell Swoop» und Jimmy Giuffres «Free Fall» – symbolisieren die unsicheren und
manchmal gefährlichen Positionen, mit denen die Musiker zu tun haben. «Tripple Rittberger
Exercise» ist eine Referenz an einen komplizierten Eiskunstlauf-Sprung und
«6243D armstand back double somersault 1,5 twists free» ist, wie der Name sagt, ein
komplizierter Sprung beim Turmspringen. «High Wire Dancer» erinnert an die Gemeinsamkeiten
zwischen dem Dichter (oder Improvisator) und dem Hochseiltänzer im Zirkus,
die Lawrence Ferlinghetti in dem Band «A Coney Island of the Mind» in einem
Gedicht charakterisiert:
«Constantly risking absurdity / and death / whenever he performs / above the heads /
of his audience / … / For he’s the super realist / who must perforce perceive / taut
truth / before the taking of each stance or step / in his supposed advance / toward
that still higher perch / where Beauty stands and waits / with gravity / to start her
death-defying leap / And he / … / who may or may not catch / her fair eternal form /
spreadeagled in the empty air / of existence.»
Ferlinghettis existentielle Metaphorik ist nah an Wickihalders eigener Beschreibung
seiner kompositorischen Inspiration: «Das kompositorische Material sollte für das
und Steve Potts; sowie gemeinsam die Erinnerung an Kombinationen wie Bob Wilber
und Kenny Davern wachzurufen, oder noch früher Jimmy Noone und Joe Poston, jedoch
ohne auch nur im Ansatz antiquiert zu klingen.
Mit «Jump!» hat sich Wickihalder in einen ganz anderen stilistischen Kontext begeben,
und dabei noch weitere Aspekte seines improvisatorischen und kompositorischen
Könnens gezeigt, auch in der Herausforderung durch abenteuerlustige neue Mitspieler.
Zuallererst in jeder Hinsicht kam die Begegnung mit Irène Schweizer im Jahre
2001. Die Brücke zwischen den beiden war die Musik von Thelonious Monk. Wickihalder
erzählt das so: «Ich begann mit 13 Jahren die Musik von Monk zu spielen, nur
für mich. Ich war ein Kind und die Musik gefiel mir, purer Instinkt. So kam es, dass ich
in den Neunzigerjahren in den Schweizer Bergen viele seiner Stücke gelernt habe. Ein
paar Jahre später gab mir ein Freund Steve Lacys CD «Reflections». Da bin ich beinahe
ausgeflippt – ich habe mich sehr bemüht, Steves Solos auf der Platte nachzuspielen.
» Nicht viel später hatte Jürg die Chance, informell bei Lacy selbst zu lernen, aber
er war entschlossen, seine Ideen von den früheren Einflüssen zu trennen. «Es passiert
manchmal, dass starke musikalische Einflüsse kontraproduktiv werden und deine eigene
musikalische Entwicklung verlangsamen. Ich vermute, das ist zu einem bestimmten
Zeitpunkt auch mit mir passiert, durch Monks Musik und Steves Spiel.»
Nachdem Wickihalder wieder in Zürich war, spielte er bei einem Wohltätigkeitskonzert
in seinem alten Stadtviertel – da traf er Schweizer. «Ich spielte solo – etwas von
Monk –, und es gefiel ihr. Wir haben uns kennengelernt und begannen im Duo Sessions
zu spielen und Monks Musik zu üben. Nicht viel später spielten wir Duo-Konzerte
im Züricher Raum.» Die Anziehungskraft, die Schweizers erfahrene harmonische
Erfindungsgabe und ihr melodischer Erfahrungsschatz auf den Saxofonisten ausüben,
sind leicht nachzuvollziehen – sie sind unüberhörbar in dem einleitenden Solo von ihr
auf «Red Light Jumping Friends», einem brillanten Monolog von abwechselnd intuiSpiel
im Quartett wie ein ergiebiges musikalisches Sprungbrett funktionieren. Sobald
die Komposition jeden von uns in die Lüfte gebracht hat, werden wir von einer gemeinsamen
Energie geleitet, in eine Richtung, es werden Bewegungen geschaffen,
die von unvorhersehbaren und chaotischen Umständen beeinflusst sind (dem Wind
oder rempelnden Kollegen), und dennoch gelingen uns von Zeit zu Zeit perfekt synchronisierte
Figuren. Aber niemand weiß genau, wann und wie wir landen werden.
Wir wissen nur, dass wir auf jeden Fall landen werden, und deswegen sollten wir gut
vorbereitet sein für die Landung. Da geht es um Verantwortung – Leben und Tod sind
sehr nahe beieinander.» Als Improvisator ist jeder Ton, jede Geste, jede Bewegung
zugleich ein Versprechen und ein Sprung ins Leere. Jedes Mitglied des Quartetts trägt
zu dem Drama bei, das dem Handlungsmoment zugrunde liegt. Michael Griener variiert
die Klangfarben seines Schlagzeugs mit Spiel auf den Spannreifen und Becken
und greift oft aus einer schrägen rhythmischen Perspektive ein. Der Bassist Fabian
Gisler ist mit seinem unaufdringlichen und unerschütterlichen Spiel das Sicherheitsnetz
der Band. Schweizer liefert Melodienstränge und einen ruckelnden rhythmischen
Impetus. Wickihalders freigeistige Phrasierung, überhaupt nicht mehr überschattet
von Lacy, lässt in jedem Stück eine andere Person vermuten.
Seien Sie also nicht verwirrt in den Momenten, wenn die Musik kippt, unabsichtlich,
spontan, unterhaltsam, sehr monkisch – der umwerfende Swing, die absteigende Linie
à la «Skippy» und Irènes Anspielung auf «Jackie-ing» und «Thelonious» in «6243D»,
und das angedeutete «Criss-Cross»-Thema und der plötzliche Einwurf von «I Mean
You» im «Triple Rittberger Exercise». Diese spielerischen Einlagen sind nur ein Fragment
dessen, was Wickihalder in Wahrheit erreicht hat: Er bringt uns zu überraschend
neuen Orten, die Vergangenheit koexistiert mit der Gegenwart, nichts ist verloren,
Erfahrung wird belohnt und die Musik lebt.
Art Lange, Chicago, August 2011 / Übersetzung: Sigrun Andree