IRÈNE SCHWEIZER. WILDE SEÑORITAS/HEXENSABBAT. PIANO SOLOS. INTAKT DOUBLE CD 071

At this Chicago solo concert from 2000, Swiss pianist Schweizer runneth over with her quirky inventions and inspirations. A taste of stride here, a hint of boogie-woogie there, walking bass now and swing riffing then - all of it placed like furniture on the dance floor of her post-modern brain. Then enter the wacky cat 'n' mouse pursuits, the wind-up toys running down, the inside-the-piano antics, the Braxtonesque angles and Monkish clusters and Cecil Taylor runs - all are essentials of her musical language and cohere for a delighfully wry and potent performance. Also of note are Schweizer's first two solo piano albums, recorded in 1976 and 1977 and just rereleased by Intakt as a two-disc set. "Wilde Senoritas/Hexensabbat," most of it recorded in concert, is a brilliant kaleidoscope of free improvisation. The influence of Taylor and, to a lesser degree, Abdullah Ibrahim are more overt than in recent years, but it's nonetheless the distinctive work of an individualist. These reissues merit an even higher mark than the primary album under consideration here. Grade: A-
Martin Wisckol/The Orange County Register, San Francisco, USA, 5/9/02

This incredible reissue features two long out-of-print solo piano albums from the great FMP label, one live at the annual Total Music Meeting in Berlin (actually taking place this week) in November of 1976 and the other disc, part live/part studio, recorded in October of 1977. Ms. Schweizer has long been the premiere avant/jazz European pianist, whose career reaches back to the mid-sixties, when she had two incredible trios - one with Uli Trepte (future Faust) and Mani Neumeiere (future Guru Guru), as well as a trio with Peter Kowald, Pierre Favre and occasionally adding Evan Parker. This is Irène's fifth solo piano cd, she has also done amazing duo cds with five of the best modern drummers, her ongoing trio with Maggie Nichols & Joelle Leandre, plus a couple of incredible releases with the London Jazz Composers Orchestra. These two discs are her first solo recordings and they are marvelous. 'Wilde Senoritas' contains two long works which are filled with passion and flames, fury and waves, intensity and reflection, cascading free spirits and some warm, lyrical and enchanting sections. These long pieces move through different dynamic sections which tell a story as they evolve and include a touching tribute to Dudu Pukwana. The shorter pieces which make up the other disc are also filled with a variety of further out approaches, including placing objects inside the piano, provocative percussive excursions, free-flowing waves to dense flashes of volcanic activity. Too marvelous for words? No, just extraordinary enough.
New Music Gallery, New York, November 2002

This newly issued 2-CD set by the great Swiss modern/free-jazz pianist Irène Schweizer represents the original 1977 (Wilde Senoritas ) and 1979 (Hexensabbat) ÒFMPÓ LPs. Also included is Patrik LandoltÕs recent interview with a pianist who has released a significant body of work for this wonderful Switzerland-based record label. Ms Schweizer injects rhythmic elements into an all-embracing scope of manipulations, such as jagged free-style chord clusters and multifarious harmonic structures. Nonetheless, sheÕs a modern jazz treasure who deserves a bit more recognition here in the States.
Glen Astarita, All About Jazz, USA, February 2003 ( http://www.allaboutjazz.com)

Wiederveröffentlichung zweier Meilensteine genuin europäischer Impro-Spielweise aus den Jahren 1977 & 78, einst bei FMP erschienen, jetzt sinnvoller Weise bei Intakt, dem Züricher Label, das sich dem Oevre der Pianistin so stark verschrieben hat. Man findet dort nicht weniger als 19 CDs dieser Pionierin des Freien Spiels: ihre Piano-Solos, ihre Drum-Duos (mit Moholo, Sommer, Cyrille, Favre & Bennink), ihre Les Diaboliques-Scheiben (w/ Maggie Nicols & Joëlle Léandre), ihre Arbeiten mit The London Jazz Composers Orchestra, ihre Kollaborationen mit Urs Voerkel und Co Streiff sowie das preisgekrönte "The Storming of the Winter Palace"-Projekt. Schweizers Anfänge reichen zurück bis 1963, als sie zuerst mit ihrem Trio mit Mani Neumeier & Uli Trepte, den späteren Guru Gurus, den afroamerikanischen New Wave of Jazz adaptierte (dokumentiert auf "Early Tapes", FMP). Ab '66/67 kam dann erstmals, nachdem sie - als einschneidendes Schlüsselerlebnis - ein Cecil-Taylor-Konzert in Stuttgart erlebt hatte, das völlige Freie Improvisieren zusammen mit Pierre Favre & Peter Kowald (später als "Santana" herausgegeben, natürlich von FMP) und daneben mit ihrem Huus-Trio mit den Wohngemeinschaftsgenossen Urs Voerkel und Peter K. Frey. Mit dem Favre-Projekt gab es den ersten grossen Auftritt 1967 in Donaueschingen, es folgten Konzerte mit Peter Brötzmanns Machine Gun und der ganze wilde Aufbruch mit FMP, der Berlin zum Zentrum der Freien Musik auf dem Kontinent machte. Mit Rüdiger Carl formierte die Schweizer dann ein neues (Quartett-) Projekt (eingefangen auf "Goose Pannée", FMP, '74), das dann zum Trio mit dem südafrikanischen Drummer Louis Moholo kondensierte (zu hören auf "Messer", FMP, '75 & "Tuned Boots", FMP, '78). Die Berührung mit der Kolonie der Apartheids-Exilanten um Chris McGregor und die Blue Notes wurde zum zweiten prägenden Einfluss. Zur Energie und dem Tempo von Taylor trat der liedhafte Groove des Downships-Jazz. Dazwischen, 1972, dann das Ereignis Monk auf dem Jazzfestival Berlin, im direkten Vergleich mit Taylor, und daraus abgelesen das Gespür für Substanz und Tiefe durch Weglassen. Erstmals solo war die Schweizer 1976 - damals Mitte Dreissig - in Willisau zu hören und bald danach, am 4.11. auf dem Total Music Meeting in Berlin, mitgeschnitten als "Wilde Señoritas", ein ungeheuer kraftvolles Statement mit einer tiefen Verbeugung vor Dudu Pukwana, indem sie dessen Song 'Angel' in ihrem Spiel anklingen liess. Die 'A-Seite' von "Hexensabbat" entstand ebenfalls live, am 8.10.77 in der Stadthalle Charlottenburg, wo sie mit ausgiebigem, noisigem Insidespiel ein klangliches Feuerwerk zündete, ergänzt mit Studioeinspielungen vom 10.10. Im Rückblick sagt die Schweizer, mit nicht unberechtigter Genugtuung im Unterton, über diese nun ein Vierteljahrhundert alte Musiken: «Als ich die Aufnahme ... wieder hörte, war ich erstaunt, wie ich doch manches ganz präzise auf den Punkt gebracht habe und wie nahe mir diese Musik ist. Ich höre auch einige musikalische Muster, Themen, Zitate, die ich heute noch anklingen lasse - wenn auch ganz anders ausgeführt.»
BAD ALCHEMY, Würzburg, Deutschland, 40/2002

Lodevole iniziativa da parte della casa discografica Intakt Records che ristampa due lavori realizzati sul finire degli anni '70 dalla pianista Irène Schweizer - Wilde Senoritas e Hexensabbat - integrandoli con una lunga conversazione/intervista con la pianista stessa, che spazia dall'atmosfera musicale di quegli anni ad impressioni su Cecil Taylor, Thelonious Monk ed altri.
Il primo album (Wilde Senoritas) raccoglie due lunghe composizioni/improvvisazioni realizzate dal vivo al Total Music Meeting di Berlino nel 1976. Vi troviamo una Schweizer ai suoi massimi livelli, fautrice di un'improvvisazione libera e sofferta che si muove tra borbottii magmatici, scatti nervosi, meditazioni eurocolte, aperture sinceramente blues e qualche inatteso accento jarrettiano. Nell'anno precedente era stato infatti pubblicato il mitico Koln Concert, capolavoro del genio di Allentown e benchè nelle note di copertina la Schweizer confessi di non aver acquistato l'album, ma di averne semplicemente assorbito le sonorità attraverso l'ascolto radiofonico o presso amici, è comunque rilevante l'impatto del "manifesto" jarrettiano sulla musica di questo album, su cui, inoltre, aleggia una fortissima tensione melodica che indirizza e fornisce un percorso anche ai momenti più nervosi della registrazione.
Di diverso tenore (anche nel titolo: Hexensabbat è il sabba delle streghe) il secondo CD, che documenta una registrazione successiva (siamo alla fine del 1977). L'album è più sofferto, tormentato, meno "solare" (ammesso che del pianismo della Schweizer si possa dire questo). C'è più ricerca timbrica che melodica (la pianista usa anche uno strumento "preparato"). La musica è introspettiva, si mostra nel suo processo di sviluppo. è arte in fieri, forse non perfettamente compiuta, ma che conquista proprio in quanto nuda nel suo svolgersi.
L'insieme dei due album è un piccolo gioiello, indispensabile per chi vuole approfondire il jazz europeo di quegli anni.
Valutazione: * * * *
Paolo Peviani . All About Jazz, Italiy. (http://www.allaboutjazz.com/italy/reviews/R1002_003_it.htm)

«Man kann nicht das Leben lang improvisieren»
Die Pianistin Irène Schweizer über die wilden 60er-Jahre, die Wiederveröffentlichung alter Soloaufnahmen und den Respekt für die Jazztradition. Am Sonntag ist Schweizer im Duo mit Omri Ziegele in Bern zu hören.
In der «éducation sentimentale» der 1941 in Schaffhausen geborenen, seit 1963 in Zürich lebenden Pianistin Irène Schweizer kommt den Sechzigerjahren eine herausragende Bedeutung zu, sie selbst spricht von einer «wahnsinnig reichen» Zeit: «Heute ist dagegen alles irgendwie verwässert oder akademisiert.» Damals packte sie den Rucksack mit dem Proviant voll, den sie für den Aufstieg auf den Gipfel benötigte. Heute ist sie eine weitherum respektierte Persönlichkeit des europäischen Jazz.
Die Sechzigerjahre waren für Schweizer zuerst intensive Lehr- und Wanderjahre, schliesslich eine Zeit der Suche nach einer eigenen Sprache - der Bruch mit der Jazztradition war bei ihr allerdings nie so radikal wie bei anderen Vertretern der europäischen Free-Szene. Schweizer saugt eine Menge ästhetischer Impulse auf, die es zu sortieren und zu verarbeiten gilt - dabei lässt sie sich in erster Linie von ihrem Gehör und ihrer Intuition leiten. In London hört sie Joe Harriott, der als erster in Europa Wege ins Freie aufzeigt. Aus den USA kommen die Platten von John Coltrane und Ornette Coleman und etlichen anderen Aufwieglern, die sich entweder mit aggressiver Energie oder liedhafter Grazie aus dem Bop-Korsett befreien. Im legendären Zürcher Club «Africana» wird sie von der Spontaneität, der Freude und der Kraft der südafrikanischen Jazzexilanten (Dudu Pukwana, Chris McGregor usw.) mitgerissen. 1966 besucht Schweizer ein Konzert von Cecil Taylor in Stuttgart: Die schier übermenschlichen Kräfte des entfesselten Pianisten, der Cluster auf Cluster türmt, erschüttern sie. Sechs Jahre später erlebt sie bei einem Solorezital den konzis-verschrobenen Minimalismus von Thelonious Monk und wird davon mehr berührt als von Taylors Powerplay.
Grossfamilie und Solo
Im Übergang zu den Siebzigerjahren begann sich das herauszubilden, was Schweizer im Nachhinein als Grossfamilie des europäischen Free Jazz bezeichnet: «Für uns war es damals kein Problem, im Ausland spielen zu können.» In der Schweiz war Schweizer u.a. regelmässig in Willisau zu hören. Beim ersten Festival 1975 begeisterte sie das Publikum mit einer gemeinsam mit dem Altsaxofonisten John Tchicai geleiteten Gruppe. Danach überredete sie der Veranstalter Niklaus Troxler zu einem Soloauftritt beim zweiten Festival: «Das war eine riesige Herausforderung. Ich hatte Angst und habe mich gefragt: Auf was habe ich mich da bloss eingelassen. Das Publikum hat mir dann sehr geholfen und das Konzert wurde ein Erfolg.»
Kurze Zeit darauf entstehen bei Auftritten in Berlin die Soloplatten «Wilde Señoritas» (November 1976) und «Hexensabbat» (Oktober 1977), die nun vom Zürcher Label Intakt, das sich seit vielen Jahren auf vorbildliche Weise um Schweizers Schaffen kümmert, auf einer Doppel-CD greifbar gemacht werden (damit liegt Schweizers 6 Alben umfassendes Solo-Oeuvre nun komplett auf Intakt vor). Die Musikerin Lindsay Cooper charakterisierte damals Schweizers Solospiel sowohl als experimentell als auch als warm und kommunikativ - ein Urteil, das den Nagel auf den Kopf trifft. Als exemplarisch für Schweizers imposantes Ausdrucksspektrum sei hier das Stück «Saitengebilde» genannt, das mit einem ausgedehnten Ausflug in die Innereien des Flügels beginnt und mit einer aufwühlenden Hommage an Dudu Pukwana endet. Das Spiel im Innern des Flügels («das Klavier ist ein Möbel, das man auf ganz unterschiedliche Arten zum Klingen bringen kann») hat auch mit Schweizers Auseinandersetzung mit der Neuen Musik zu tun: «Es hat mich allerdings nie interessiert, den Flügel zu präparieren. Das würde der Spontaneität zu sehr im Weg stehen.»
In den letzten Jahren tritt Schweizer, die ihre Meriten fast ausschliesslich als magistrale Stilistin der freien Improvisation gesammelt hat, vermehrt als Interpretin von Fremdkompositionen in Erscheinung. Sie selbst will dies nicht als Rückwärtssalto verstanden wissen: «Ich habe immer gerne Stücke gespielt, aber halt nicht so öffentlich. Man kann nicht das Leben lang nur improvisieren, das Interpretieren ist auch ein Teil des Musikmachens. Ich habe grossen Respekt vor der Jazztradition.»
Tom Gsteiger. © Bund, Bern, 27. September 2002

Listening intently to Irène Schweizer's first two solo piano session a quarter century after they were recorded should put to rest the canard that's she's the "female Cecil Taylor" once and for all. Certainly she plays speedy, non-mainstream piano with unmatched ferocity. But that's how she evolved her conception of a non-impressionistic keyboard style. Besides that, her rhythmic sense and inside-the-piano intrusions seem to have little in common with Taylor's American sensibility. They're more in line with what was then contemporary European new music. More to the point, isn't it about time to stop describing women in any profession as the "female" anything? Maybe the correct way to view this two-CD set is to hear it as a major statement by the female Irène Schweizer.
Wilde Señoritas and Hexensabbat ("Witches' Sabbath") released at the height of flowering feminism, had titles that were profoundly symbolic at the time as well. Politically active women cheered the pianist's musical audacity during the 1976 Berlin concert that makes up the first disc. Schweizer, who had already gone (wo) mano-a-mano with tough improvisers like saxophonists Evan Parker and John Tchicai, was definitely committed to the Women's Movement, but was an improviser first and foremost. She had already been politically active in a musicians' co-op, and was no feminist separatist. Most of her playing partners were men, and she admits she was influenced by the harmonies, tonal quality and phrasing of pianist Paul Bley, who it must be admitted often featured compositions by Carla Bley and Annette Peacock. Behind the keyboard, Schweizer was her own woman however.
On the first disc's title track, for instance, she highlights individual notes as well as pleasant sub themes, leavens the presentation with some repeated European arpeggios and stride piano suggestions. Yet her gospelly chord clusters aren't there to show off inhuman speed or brute strength. "Saitengebilde (Last Part to Dudu)", which translates as "Swing Structure" is even more illustrative. Unlike Taylor, she consecrates part of the tune to distilling sounds from inside the instrument with mallets and balls on the strings, creating some harp-like glissandos. She alternates her distinctive rubato inside-piano-percussion with linear playing on the keys, featuring circular note clusters and plenty of wide intervals in the treble clef. Here, if anyone, she sounds like Thelonious Monk, expanding on the mechanics of one of his own compositions. The swing structure comes in the last five or so minutes as she salutes the late South African alto saxophonist Dudu Pukwana, by quoting his tune "Angel." Having seen improvisers like Pukwana and pianist Dollar Brand (now Abdullah Ibrahim), perform their mixture of jazz and Township jive early on in Zürich, she demonstrates here how its beat and song-like quality gave her a difference reference point than American jazz.
A combination of live and studio pieces from 1977, Hexensabbat, which like its companion CD was initially released on FMP, but has been out-of-print for about a decade, finds her able to express her individuality in the six shorter pieces in the later part of the disc. Greeted with (radical feminist-led?) cheers and screams when she appears on stage, the pianist again rotates her presentation between sections of flowering European classicism to periods when it sounds as if she's panning for gold inside the instrument. At times it appears as if we're hearing a duet between keyboard expression on one side and crashing cymbals and balls percussively flung onto the copper and steel strings on the other. "Rapunzel... Rapunzel...!" with its double title, is perfect for a tune where she appears to be playing a four-handed duet with herself from either size of the keyboard, and which ends with a speedy syncopated ragtime feel. These duets take an even more unique form on the shorter "Monkey Woman" and "Baba-Rum." But here the pairing is for what sounds like a mini-concerto of keyboard moves and clog dancing. Clinks and runs characterize the piano playing, while lid banging or floor stomps take the other roles. Once it even appears as if doorstopper vibrations have been added to the presentation. Earlier, on "Chabis," she seems to be stretching out glissandos with her right hand while her left plays a sort of eight to the bar boogie woogie. Folks looking for the roots of Schweizer's mature style as well as some fine music will easily find it on this set. --
Ken Waxman, Jazz Weekly, Canada, October 2002 http.//www.jazzweekly.com

Seit Mitte der 70er Jahre zählt Irène Schweizer zu den «wilden Senoritas» des avancierten Jazz, die manchen «Hexensabbat» anrichtete. Die ersten Solo-Konzerte und Platten der Schweizer Pianistin waren damals einzigartig und galten als wegweisend. Als erste europäische Jazzmusikerin überhaupt hat sie Solo-Konzerte gegeben und Platten gemacht. Die beiden ersten, 1976 und 1978 teils live eingespielt und auf FMP veröffentlicht, sind jetzt auf dem Schweizer Label Intakt neu als Doppel-CD herausgekommen. Wie sehr diese Wiederveröffentlichung einen Glücksfall darstellt, machen die Aufnahmen in ihrer Klarheit, Transparenz und Präzision deutlich. Auch ein Vierteljahrhundert nach ihrem Entstehen sind sie symptomatisch nicht nur für die damalige Zeit, sondern für Irène Schweizers Solo-Spiel überhaupt. Es war damals schon in wesentlichen Zügen konzeptionell angelegt: freie Assoziationsketten, jazztypische Phrasierung, repetitive, sich verändernde Figuren, kaum Cluster, die Möglichkeit des Flügelinnern auslotend. Sie verdeutlichen zudem die Einflüsse, denen die Pianistin unterliegt. Sie ist Klangexperimenten nicht abgeneigt, ohne sie krampfhaft herbeizuführen. Sie gebraucht den Flügel als Geräuschinstrument, indem sie die Möglichkeiten des Inside-Spiels für sich nutzt, mit kleinen Becken die Saiten bearbeitet. Das Holz des Flügels wird rhythmisch traktiert wie überhaupt Irène Schweizer stets verschiedene Rhythmusakzente setzt und sie auch wechselt. (Nicht von ungefährt ist das Schlagzeug ihr Zweitinstrument.) Wie sehr sie in ihrem Spiel in der europäischen Tradition verankert ist, wird immer wieder in Akkordfolgen und Läufen deutlich, die auf die Romantik verweisen. Selbstredend steht auch eine andere Tradition auf dem Programm, dies bis heute. Die Pianistin verweist auf ihre südafrikanischen Einflüsse, die sich hier in einer Reminiszenz an die frühen 60er Jahre wiederspiegeln, als südafrikanische Musiker wie Dollar Brand, Chris Mc Gregor oder Dudu Pukwana auf ihrem Weg ins Exil Station in Zürich machten. Die beiden Live-Platten sind wichtige und unverzichtbare Dokumente des emanzipierten europäischen Jazz, zu dem Irène Schweizer einen enormen Beitrag geleistet hat. Mit stark ausgeprägtem Formbewusstsein und kommunikativem Spiel hat sie neue Klangwelten entdeckt. Sie ist wilde Senorita geblieben.
Reiner Kobe, Jazzpodium, 11/02


jazz
Wilde Irène
Die Pianistin Irène Schweizer zählt - trotz ihrer kreativen Wildheit und ihres unkonventionellen Ansatzes, oder gerade deshalb - zu den «Klassikerinnen» der Schweizer, der europäischen Jazzszene. Das Zürcher Label «Intakt» gibt nun zwei längst vergriffene Alben von Schweizer als Doppel-CD neu heraus und stopft damit ein klaffendes Loch. «Wilde Señoritas» (1977) und «Hexensabbat» (1978) wurden auf Bühnen und Studios in Berlin aufgenommen als erste Solo-Schalplatten eines europäischen Jazzpianisten überhaupt. Das Echo war entsprechend euphorisch. Die Musikerin Lindsay Cooper etwa schwärmte von Schweizers Piano, das «sowohl experimentell als auch warm und kommunikativ» sei. Aus heutiger Sicht müsste man ergänzen: Schweizers Alben klingen wie gestern erst augfenommen. Die meisterhaft produzierte CD samt informativem, mit dokumentarischem Eifer gestaltetem Booklet darf deshalb in keiner Schweizer Jazzsammlung fehlen.
(fn) © Aargauer Zeitung / MLZ; 13. September 2002

Irène Schweizer
Frühe Prägnanz
mbz. Das Erscheinen Irène Schweizers an der Klaviatur hat schon früh Erstaunen ausgelöst Ð nicht unbedingt auch Verständnis. Zu radikal, zu frei, zu «unstrukturiert» erschien vielen die entfesselte Behandlung des Pianos. Sie sahen darin den Abschied vom Jazz und jeglichem Klangideal. Die von Schweizer aus den Saiten geholten Töne ergaben in ihren abgeschliffenen Gehörgängen keinen Sinn. Was sie unter Jazz verstanden, war längst Konvention geworden. Die Neuauflage von Irène Schweizers ersten beiden Soloalben («Wilde Señoritas» und «Hexensabbat», aufgenommen 1976 und 1977 in Berlin) als CDs geben jetzt Gelegenheit zum Wiederhören Ð mit einem Hörbewusstsein, das vor Free Jazz und Noise und Rock nicht mehr zurückschreckt und sich schon Radikaleres anhören musste. Erstaunlich ist, dass das Erstaunen bleibt. Schweizer beweist hier eine Prägnanz, die uns damals vielleicht noch gar nicht bewusst war, die das ungeschulte Ohr noch gar nicht so wahrnehmen konnte. Es ist eine intuitive Sicherheit, mit der die Pianistin den Ton trifft, und nicht nur den. Timing, Feeling, die schön herausgearbeiteten Kontraste von Rhythmik und Melodik beweisen, dass sie bereits eine der herausragendsten Musikerinnen (Männer selbstverständlich eingeschlossen) des europäischen Jazz war. Auch eine begnadete Solistin. Erhellend für Schweizers damalige Befindlichkeit und die mit der Entdeckung der neuen Freiheit im Jazz verbundenen Gefühle ist das im Booklet beigegebene Gespräch mit der Künstlerin.
Meinrad Buholzer. © Neue Luzerner Zeitung. 26. Oktober 2002

Strong Music
Schweizer is one of the most exciting pianists on the free-jazz scene, and the reissue of these two, mostly live, sessions from 1976 and '77 show her roots were initially influenced by Cecil Taylor and the South African expatriate Abdullah Ibrahim. The longer performances from Wilde Señoritas build intuitive, energetic, spontaneous forms, as she excavates motifs from the bottom end of the piano, then cascades upward with flurries and leap-frogging intervals, punctuated by splashy chords and throbbing bass notes. Hexensabbat (or Witches Sabbath) is a program of shorter, concentrated pieces, displaying more conceptual variety--on the title tune she attacks the piano strings with sticks and cymbals; «Rapunzel…Rapunzel …!» consists of florid passagework in search of a romantic theme, with abrupt rhythmic interruptions and ending with a satire of ragtime; and «Choix Mixed» has a claustrophobic feel of ominous motifs in a static environment. Short playing time, but strong music.
By Art Lange, Puls! Magazine, USA, Dez. 02

Si è soliti confrontare la pianista svizzera Irène Schweizer - celebre per le notevoli doti improvvisative che ne hanno fatto una delle migliori interpreti della scena radicale europea a partire dagli anni '60 - a giganti come Cecil Taylor proprio per il suo pianismo eruttivo, che sprigiona materiali densi di energia in incessante movimento. Ma a ben guardare, già negli anni '70, lo stile della Schweizer si distingue in maniera netta da quello del maestro afroamericano per una maggior predisposizione alla comunicabilità e alla grande varietà, che si distinguono nettamente dallo stile tumultuoso di Taylor. Gli orizzonti della pianista svizzera spaziano infatti ad ampio raggio su molta musica contemporanea (da Kagel a Stockhuausen) e nuovo jazz (Paul e Carla Bley, oltre al già citato Taylor).
Messe a fuoco le coordinate è più facile cogliere le stratificazioni pluridimensionali di molte sue improvvisazioni degli anni '70, anni a cui si riferisce questa doppia ristampa. Inizialmente pubblicati da FMP Wilde Señoritas (1977) e Hexensabbat (1978) vengono qui riuniti in un'unica confezione dalla svizzera Intakt. Si tratta delle prime due registrazioni in piano solo della Schweizer (e probabilmente i primi dischi del genere da parte di un'interprete femminile): la prima effettuata al Total Music Meeting di Berlino del 1976, la seconda sempre a Berlino l'anno successivo.
Wilde Señoritas - è evidente l'allusione alla lotta per l'emancipazione femminile a cui la Schweizer ha riferito sempre la propria opera artistica - comprende un doppio set di brani semi-improvvisati, costruiti attorno a dei pattern ben chiari e riconoscibili: Wilde Señoritas, appunto e Saitengebilde, brano che contiene la citazione di un tema di Dudu Pukwana (che assieme ad altri sudafricani come Chris McGregor, Louis Moholo e Dollar Brand contribuisce a quell'influenza stilistica capace di far scaturire dolcezza e calore dai tasti del pianoforte della Schweizer). Quest'ultimo brano ("struttura di corda") ha un incipit costruito sull'esplorazione delle timbriche ricavate direttamente dal telaio del pianoforte percosso con bacchette e altri aggeggi, ma mai rigorosamente preparato - pratica che la Schweizer preferiva accantonare contrariamente a quanto prescriveva John Cage - a favore di una più spontanea esecuzione estemporanea. Nonostante qualche sbavatura o imprecisione esecutiva Wilde Señoritas rimane una grande istantanea sul pianismo improvvisativo degli anni '70.
La seconda raccolta, Hexensabbat, contiene una serie di brani molto più strutturati e dalla durata più concentrata, ma pur sempre orientati al radicalismo. Dopo le prime esperienze la pianista svizzera ha ormai preso le misure sulle possibilità della libera esecuzione e sembra volerne sfruttare le risorse meno immediate. L'inside playing, mai fine a se stesso, è sempre concepito su strutture ritmiche facilmente comprensibili, mentre all'irruenza di stampo "tayloriana" si alterna spesso un calore "mcgregoriano", in un equilibrio che non fa soffrire l'ascoltatore bisognoso di pause di distensione alle spigolosità di certa sperimentazione. In sintesi: due lavori di grande vigore, per chi ama le energie "rinnovabili", visto che dopo venticinque anni conservano inalterato tutto il loro valore artistico. © altremusiche.it / Michele Coralli
Michele Corall, 2003, © altremusiche.it

Deux rééditions indispensables
A quoi bon renier Monk, Taylor, Bley, Jarrett (celui de Facing You), les blues et lÕappel mélodique des uns, les fureurs et débordements des autres? A quoi bon renier ceux qui vous ont construit? En 1976, la pianiste signe son premier enregistrement solo pour FMP. Sans états dÕâme, emportée, elle sÕengage dans un corps à corps intense avec lÕinstrument. Ce qui est admirable ici, cÕest cette soif dÕabsolu, ce besoin dÕexploiter jusquÕau bout lÕidée originelle. LÕobsession et lÕentêtement de la pianiste sont ici magnifiques, exemplaires. Ils nÕadmettent que rarement les vagabondages, les visites en périphéries. Ici on file droit devant, on assume, on ne peut biaiser. On existe ou on chute. On pensera au(x) silence(s) une autre fois. Ailleurs. Et quand surgit vers la quatorzième minutes de Saitengebilde, un chant déchirant offert à Dudu Pukwana, la musique en devient plus poignante encore. Il ne reste plus alors quÕà sÕeffacer et sÕen aller vers cet ailleurs que les Thelonious, Cage, Cecil vous ont si bien préparé. Onze mois plus tard (et toujours pour FMP), nous retrouvons la pianiste en solo (deux pièces en concert, six en studio). On sent ici un durcissement du blues pour sÕen aller fouiner dans sa banlieue. Les discours, toujours aussi dense et poignant, sÕest recentré vers plus de découpages. Bien sûr subsistent ici et là quelques restes de jazz mais celui-ci a voyagé et égratigné la marge: le piano est préparé, le romantisme se teinte dÕinquiétude (Choix Mixed), Satie pointe son ironie (Lavender Valse) . CÕest toujours aussi renversant, toujours aussi saisissant et vital. Deux rééditions indispensables.
Luc Bouquet, Improjazz 91, Janviers 2003

IRÈNE SCHWEIZERS 60. GEBURTSTAG, 2. JUNI 2001

IRÈNE SCHWEIZER. CHICAGO PIANO SOLO. INTAKT CD 065

* * * * (Excellent)
Any new recording by Swiss pianist Irène Schweizer generally marks a significant event, and while she may not enjoy the familiarity witnessed by many of her american peers, this ever-inventive artist has etched out a notable persona of the European modern jazz front. Previous efforts for Intakt featuring duets with drummers (Andrew Cyrille, Han Bennink, Gunter Sommer) or the improvising trio Les Diaboliques - including vocalist Maggie Nicols and bassist Joelle Leandre - specify just a few of her often-adventurous undertakings.
Schweizer's rhythmic inclinations (she periodically performs on the drums) are generally integrated into her palette, whether it is bluesy, 12-bar structures or free-style expressionism. Equipped with a white grand piano at Chicago's Empty Bottle, Schweizer merges conventional fare with slanted themes, massive block chords and swiftly executed hamonic progressions amid a few choice plucks of the piano strings during various sequences. On «Hüben Ohne Drüben,» she counterbalances a simple melody with divergent rhythmic undercurrents, while seldom allowing listeners to become complacent, thanks to her proclivity for shunning the tried and true or anything overtly predictable.
Throughout, Schweizer renovates previously applied methodologies, delves into a micromotif, or tosses in a few choruses that could spur notions of a professional cocktail pianist perfroming at a ritzy hotel. Nonetheless, this outing presents willing listeners with a comprehensive snapshot of her distinct craft.
Glenn Astarita. Down Beat, USA, April 2002. www.downbeat.com

Swiss pianist Irène Schweizer eschewed her Cecil Taylorisms years ago, in favour of a more measured approach to improvisation, but that doesn't mean that she can't still unleash a flurry of notes now and again. She's also an accomplished drummer – her first musical love – and the highlight of her solo concerts is always the way she juxtaposes rhythmic patterns and creates interest from even the simplest melodic statement. Simplicity has come to dominate her playing since the mid-'90s when she acknowledged th pull toward less-cluttered constructions than those that dominated the free music szene of the '70s and '80s.
This 2000 Chicago concert – a long-held dream of promoter-critic John Corbett – finds the 59-year-old Schweizer striking a balance between joyous romps like the opening «So Oder So» and Don Cherry's delightful «Togetherness One (First Movement)» and more ponderous ruminations like «Heilige Johanna.» As always, Monk is a frequent touchstone, and you can hear his wit and love of stride echoed in «Rag.»
Most of all, it's her headlong rushes of enthusiasm and energy that mark her style here. Themomentum she build through the choruses of the closing «Roots» is infectious, and the piece sounds like it could go on forever under the power of her ferocious bassline.
Schweizer recordings are rare things – despite the fact that she co-owns the label – and solo voyages rarer still. Chicago Piano Solo is a welcome opportunity to catch up with one of Europe's finest improvisers.
James Hale, CODA, Canada, Issue 340, July/Aug 2002

Now 60, and too often neglected in discussions of improvised music and jazz piano, Schweizer is a key figure on the European scene. When the time was right she plunged energetically into the ferment of free blowing; subsequently she reconstructed her music on the ground cleared during that iconoclastic phase, and has become a mervellous soloist as well as a responsive group player. The Chicago set ranks with her best solo work. Robustly rhythmic passages or delicate statements from the instrument's interior are executed with almost mechanical precision, yet her sensitivity to dynamic nuance is remarkable. She can emulate the warmth of Abdullah Ibrahim, the angularity of Monk, the fire of Taylor and remain distinctively Schweizer. In Kerouac's phrase, she knows Time.
Her collaboration with alto saxophonist Co Streiff, also a Swiss musician although most widely known for her work with The Vienna Art Orchestra, began in 1986. Initially Schweizer played drums in the duo. On piano she still nurtures rhythms and Streiff, who shares her interest in African music, proves an entirely sympathetic partner. Streiff penned most of the material. Even when playing ballads there's toughness and bite in her playing that matches the pianist's resilience and Schweizer shows her capacity to be a willing and imaginative accompanist as well as a goading, testing partner.
The Wire, London, 3/2002

Swiss pianist Schweizer came to prominence in free jazz circles back in the '70s with an original blend of high-energy improvising, avant-garde classicism and local folk sources. Over the years she's expanded her viewpoint, if not exactly mellowed, adding a few more hues from the jazz tradition to her already large palette (note the Gershwinesque filigree toughened by Monk-influenced rhythm and harmony, for example, in "Rag"). This live recital, recorded last year, shows off her ability to create spontaneous compositions from a wide variety of techniques and styles. Thus a performance like "Heilige Johanna" begins excavating rumbling lines from deep in the bass register, sprouts a sequence of lush resonant chords à la Messiaen and concludes with a vibrant sprint through contrasting rhythmic accents. Her steel-fingered attack favors percussive--sometimes lyrically dry--phrasing, emphasizing stop-and-start momentum, ostinatos and spidery chromatic lines in pieces like "To the Bottle" and "Circle."
Art Lange, Pulse, Tower Records, Dezembere 2001

Recorded in early 2000 at ChicagoÕs Empty Bottle club, this solo performance will prove to be an important waypoint in the discography of Swiss pianist Irène Schweizer. The concert was part of the Empty BottleÕs long-standing Wednesday night jazz series, which has done a noble service in presenting leading improvisers from home and abroad. Her seventeenth for the Intakt label, this recording features eight Schweizer originals (some of which are spontaneous compositions) and Don CherryÕs ÒTogetherness One (First Movement).Ó The music ranges in flavor from strict bebop riffing to the liberated and the melancholy. The progressions of both ÒSo oder soÓ and the Cherry tune are clearly derived from Monk and other early jazz forms, where ÒHeilege JohannaÓ is a free experiment in meter and dissonance, showcasing SchweizerÕs polyrhythmic finger styles. ÒCircleÓ is a crafty seven-minute reconstruction of one small segment from ÒSo oder so.Ó The tempo skips and races, bringing new elements of the melody to light. Elsewhere, the influence of mood comes into play, enriching the music from the aggression in ÒRootsÓ to the playful melody of ÒRag.Ó The most inviting piece in the set is ÒHüben ohne Drüben,Ó which highlights what Schweizer can accomplish with a single chord. Schweizer is a powerful force in creative music, and she never seems to feel the need to reinvent herself. Her compositions have a high level of staying power. On this record, ideas flourish in an equilibrium set by her choice of material, both notated and improvised.
Alan Jones, One Final Note, USA, 2002

* * * * Jazz
I've been kicking myself for missing Swiss free jazz pianist Irène Schweizer's solo performance at the Empty Bottle in early 2000. Now that at least part of it is documented on CD, I'm thinking I should have kicked myself twice as hard. This is one of the most enthralling recitals I've heard in a long time, once that is so alert and alive in its masterly changes in tempo and tones, so ceaselessly rewarding from a melodic an rhythmic perspective and so two-fistedly potent in a percussive sense, there is no base it doesn't cover.

Can it be that The Pinguin Guide of Jazz on CD declared that Schweizer is «not a natural unaccompanied performer»? She is never not in her element, whether creating a hamonic whirlwind with her independent hands, hammering down McCoy Tyner-like bass patterns to spring her dancing high notes, or reaching inside the instrument to coax atmospheric effects from the strings. The only reason that «Chicago Piano Solo» doesn't have me rekicking myself is that, thanks to the superb engineering by local with Malachi Ritscher, she sounds better coming through the headphones than she would have in the club. For maximum appreciation, just make sure you picture her at the immaculate wihte piano the Bottle provided her with that night.
Lloyd Sachs, Chicago Sun-Times, Sunday, july 29, 2001 (* poor, * * * *essential)

One of the most important piano improvisers of her time
3 * stars (excellent)
Another strong effort from Irène Schweizer, this time recorded in solo at the famed Empty Bottle} night club in Chicago, where the pianist performs a live set of eight originals and one tune by Don Cherry (ÒTogetherness One / First Movement).Ó By this stage in her career, the pianist is able to stamp her muscular, rhythmic style on a range of influences. You can hear touches of stride, swing. and bop, and world jazz, all superimposed by SchweizerÕs free-style post-modern interpretations. Whether she performs inside the body of the instrument, as on ÒStringfever,Ó or simply plies a percussive repetitiveness, as on ÒSo oder so,Ó there are original, enlightening delights throughout. Monk is an influence, too, and you can hear SchweizerÕs cautious choices of oddball hand-picked notes as she negotiates ÒCircle.Ó Continuing a trend in the 1990s toward greater accessibility, these pieces nonetheless also incorporate some of her most adventurous strategies, with focused leaps, chordal thrusts, and dazzling virtuosity. There are reflective moments, too, as on the highly varied ÒCircleÓ and the somewhat introspective ÒHüben ohne Drüben.Ó An important contribution to her already impressive discography, this recording should help to further cement Irène SchweizerÕs reputation as one of the most important piano improvisers of her time.
Steven A. Loewy. All Music Guide, USA. www.allmusic.com

Mit der Veröffentlichung des Konzerts vom Februar 2000 in dem Indie-Rock-Club «Empty Bottle» in Chicago macht Irène Schweizers Label intakt ihr ein schönes Geschenk zum 60. Geburtstag. Dass das eigentliche Geburtstagskonzert am 10. Juni in Zürich stattfand, sei nur nebenbei erwähnt. Das Chicago-Konzert, von der amerikanischen Öffentlichkeit hochgelobt, gab Irène Schweizer Gelegenheit, 40 Jahre musikalischer Entwicklung und Erfahrung ganz auf sich gestellt zu präsentieren: Ihre Verehrung für Thelonius Monk («Rag»), gleich danach die Grenzgänge zur Neuen Musik («To the bottle»), Erinnerungen an Don Cherry («togetherness one»), ihre Verankerung in der südafrikanischen musikalischen Welt des Asbdullah Ibrahim («Roots» und «So oder so» als zwei Beispiele), klangmalende Bilder wie «Hüben oder Drüben», wo man eine hohe unüberwindliche Klangwand in ihrer Entstehung erlebt, einen kämpferische feministische Position mit «Heilige Johanna for B.B.» (Brigitte Bardot?) oder ein Austoben im Inneren des Flügels («Stringfever»), einem nach der Beschreibung des Down-Beat-Kritikers Tom Corbett weissen «Liberace»-Gerät. Atemlos, voller Kraft und grosser Sicherheit und Perfektion ist ihr Spiel. Immer wieder die Tempi kaum spürbar und nicht überraschend verändernd («Circle»), ineinander greifende, einfach scheinende Rhythmen und harmonische Strukturen entwickelnd mit dem für sie typischen harten und glasklaren Anschlag, von ihr selbst einmal mit dem Anschlag auf einer elektrischen Schreibmaschine verglichen: Irène Schweizer nutzt alle Gelegenheiten des Konzerts, um sich als europäische Meisterin der freien Improvisation zu zeigen. Die Freunde dieser Musik sollten Dank und Glückwunsch zum 60. mit dem Erwerb dieser herausragenden Aufnahme verbinden, vor allem dann wenn man nicht die Gelegenheit hatte, sie bei ihrem Geburtstagskonzert in Zürich oder beim Uncool Festival in Le Prese « Lago di Posciavo « zu erleben.
Hans-Jürgen von Osterhausen, Jazz Podium 10/2001

Der Alleingang am Piano hat für die Schaffhausenerin IRÈNE SCHWEIZER eine lange Tradition, von ihren frühen Klassikern "Hexensabbat" (78) und "Wilde Senoritas" (79) über "Piano Solo" (90) bis "Many and One Direction" (96). Neu nun ist ihr am 16. Februar 2000 im Empty Bottle live mitgeschnittenes Chicago Piano Solo (Intakt 065), das jetzt rechtzeitig zu ihrem 60. Geburtstag erschienen ist. Erneut kostete sie die Gelegenheit, ihr Können zu zeigen und ihre Vorlieben anklingen zu lassen, voll aus. Zu denen gehören der Boogie Woogie und Bartok, d.h. afroamerikanische und alteuropäische Perkussivität (sie spielt selbst Schlagzeug und Drummer sind ihre bevorzugten Duopartner), gehören Monk und Blackwell, die für den Vorrang von Poesie vor Virtuosität stehen, Don Cherry, dessen 'Togetherness One (First Movement)' sie in Chicago anstimmt, und gehört natürlich auch Cecil Taylor, ihr antipodischer Soulbrother - schliesslich ist sie das Gegenteil einer irrwischenden Diva, die aber genau weiss, was sie Taylors Zehn-Finger-Groove verdankt. Das "Chicago Piano solo" führt ein vollständiges Spektrum der Schweizer'schen (Solo)-Ästhetik vor und besticht durch den ebenso markanten wie quicken Dezisionismus, in dem keine Taste unnötig angeschlagen wird, weil hinter jeder resoluten Tonfolge, die sie jederzeit auch mit Tayloresker Stakkatotechnik rasen lassen kann, eine souveräne Entschiedenheit steht.
Bad Alchemy, Würzburg, Deutschland, 38/2001



Irène Schweizers neues Album "Chicago Piano Solo" ist im Empty Bottle aufgenommen worden, dem Indie-Rockschuppen, in dem Ken Vandermark und John Corbett seit nunmehr fünf Jahren jeden Mittwochabend Programm machen. Corbett beschreibt das Konzert in seinen Liner Notes als magischen Moment, und tatsächlich ist Schweizers Solo-Auftritt - wie Brötzmanns aktuelle Einspielung - Essenz. Die Essenz pianistischer Arbeit, die gleichermaþen durch bestimmte europäische, amerikanische und afrikanische Musiktraditionen geprägt erscheint. Monk, Taylor, Abdullah Ibrahim und die Schlagzeuger der Schweizer: Favre, Moholo, Bennink, Sommer und Cyrille klingen in den rhythmischen Figuren mit an und die Architekturen, in denen sich diese Figuren mit präzisen Melodien verknüpfen, sind wie Geschichtsstunden der Improvisierten Musik, Oberabteilung: Jazz. Schweizer macht Musik, die Musik sein will und sich ellingtonesk in der Welt behauptet, grosse Musik.
© Jazz thing - Markus Müller

Zu den schönsten Geschenken im Zusammenhang mit dem runden Geburtstag der grossen Piano-Improvisatorin zählen neben der feierlichen Festveranstaltung im Zürcher Schauspielhaus, Höhepunkt des Gratulationsreigens, ihre Auftritte beim 12. Schaffhauser Jazzfestival, beim UNCOOL Festival of International Contemporary Music in Le Prese/Poschiavo, vor allem aber auch die Herausgabe der wunderbaren Soloaufnahmen, die letztes Jahr live im Chicagoer Indie-Rock-Club «Empty Bottle» entstanden. Ein passenderes und nachhaltigeres Geschenk hätten Patrik Landolt und Rosmarie Meier von den Zürcher Intakt Records der einzigartigen Pianistin nicht machen können. Es ist ein spannendes Phänomen, dass man mit jeder neuen Veröffentlichung den Eindruck bekommt, sie sei noch stärker, intensiver, gestalterisch dichter, als vorangegangene Aufnahmen. Was bei den Chicago Tapes jedoch besonders überrascht: Die in der jüngsten Vergangenheit vermeintlich aufscheinende Tendenz, vermehrt wieder zu mehr Melodiosität und harmonisch herkömmlicheren Strukturen zurückzukehren, sie ist hier klar gebrochen. Die kreative Piano-Performerin geht vielmehr weiter auf ihrem faszinierenden Weg, Themen, Motive und harmonische Strukturen nicht nur anzuspielen und zu variieren, sondern sie mit der ihr eigenen Impulsivität und ideensprühenden Spontaneität zu fragmentieren, zu abstrahieren und mit ungeheurer rhythmischer «attacca» ins freie Feld zu katapultieren. Weiter dann spannend, wie sicher, auf welchen mehr oder weniger verschlungenen Pfaden auch immer, sie jeweils die Rückkehr zu den Ausgangspunkten gestaltet. Und dann die alles durchdringende rhythmische Kraft und Expressivität...! Die Schweizer habe «das europäische Instrument afrikanisiert», liest man im Geburtstagstext der Hamburger «Zeit» - wie treffend! Dass einem bestimmte Figuren, Akkordgänge und Patterns zuweilen bekannt vorkommen, hat natürlich damit zu tun, dass die Pianistin sich selber bleibt, sich nicht verleugnet, ihr ganz eigenes Spielspektrum hat und dazu « und das ist gut so « auch steht. Cecil Taylor, Thelonious Monk oder Oscar Peterson, um nur diese drei zu nennen, haben auch ihren ganz eigenen, sofort erkennbaren Stil. (5 noten)
Johannes Anders © Jazz'n'More, Nr. 3/2001

Richard Butz, WochenZeitung, WoZ, 9. Mai 2001

Irène Schweizers neue Soloausflüge
Poetische Improvisationen

Die Pianistin Irène Schweizer hat 1958 in ihrer GeburtsstadtSchaffhausen begonnen, Jazz zu spielen; Boogie-Woogie, Blues,Ragtime. Bereits in den sechziger Jahren trat sie im legendären Zürcher Jazzcafé Africana in Hardbop-Formationen auf. Mitte der siebziger Jahre fand sie den Weg in die freie Musik und nahm in der Folge regelmässig für das Berliner FMP-Label auf. Die Musikerin hat die musikalische Frauenbewegung stark mitgeprägt, etwa zusammen mit der Feminist Improvising Group, der European Women Improvising Group und Les Diaboliques. Seit langem pflegt sie, die selber als Schlagzeugerin auftritt, das Zusammenspiel mit Drummern, so mit Pierre Favre, Han Bennink, Louis Moholo, Günter Sommer oder Andrew Cyrille. Ein künstlerischer Höhepunkt sind dieAufnahmen mit dem London Jazz Composers Orchestra aus dem Jahre1992, für die Leader Barry Guy «Theoria» komponierte. Auffallend ist, dass die Pianistin über Jahrzehnte hinweg mit den gleichen PartnerInnen, so in jüngerer Zeit auch mit Co Streiff und OmriZiegele am Saxofon, zusammenarbeitet. Parallel zu diesen Aktivitäten tritt und nimmt die Pianistin regelmässig solo auf. Ihre ersten Soloalben liegen über ein Vierteljahrhundert zurück. Seit siev om Zürcher Intakt-Label mustergültig betreut wird, sind zwei weitere Soloproduktionen, eines davon ein Doppelalbum, erschienen.Jetzt legt Intakt zum 60. Geburtstag von Irène Schweizer ein weiteres Soloalbum vor: «Chicago Piano Solo» ist im Februar 2000 in Chicago live aufgenommen worden und enthält neun Stücke.

Hüben oder Drüben mit Innigkeit 1996 spielt Irène Schweizer in der alten Kirche Boswil live ihre Instant-Komposition «Hüben wie Drüben» ein; hüpfend, perlend,witzig, ironisch-stolpernd, beherrscht und fast motorisch durchgezogen, bis hin zum langsam verebbenden Schluss. Diese Interpretation erscheint 1996 auf der Piano-Solo-CD «Many and One Direction», entstanden in Erinnerung an die im Jahre 1963 verstorbene Schweizer Malerin Sonja Sekula. Vier Jahre später, im Februar 2000, sitzt die Pianistin an einem etwas weniger guten, aber tauglichen Instrument im Chicagoer Club «Empty Bottle» und interpretiert ein Stück mit dem leicht abweichenden Titel «Hüben ohne Drüben». Es ist jetzt auf dem neuesten Soloalbum als siebtes Stück zu hören. Ein Vergleich dieser zwei Stücke ist aufschlussreich. Bei der Chicagoer Version geht die Pianistin ganz anders vor. Sie tippt das melodische Ausgangsmaterial lediglich an, es folgt eine längere suchende Phase,in der die Pianistin zu zögern scheint (obwohl sie natürlich immer weiss, was sie will). Anstatt das Stück verebben zu lassen, gestaltet sie es konsequent bis zum letzten Ton durch. Neu Ð und dies vor allem Ð ist diese Version voller Poesie. Der zur Worthülse geratene Begriff Innigkeit erhält hier seine ursprüngliche Bedeutung zurück.

In einem Interview mit dem Musikkritiker Ulrich Stock(«Jazzethtik» Nr. 5/01) erklärt Irène Schweizer, dass ihr Technik zunehmend weniger wichtig sei und sie an ihre Stelle die Poesie setze. Als Beispiele für Poesie im Jazz nennt sie Pianisten wieThelonious Monk oder Misha Mengelberg sowie Trompeter Don Cherry und den erdigen Drummer Ed Blackwell. Den 1995 verstorbenen Don Cherry, der oft ganz einfache Themen zu beseelten Kabinettstücken verarbeitete, ehrt sie auf dem neuen Album mit dem vierten Titel «Togetherness One (First Movement)» auf eindrückliche Weise. Gleich anschliessend greift sie auf «Stringfever» in die Saiten. Sie trommelt mit Fingern auf Saiten und Holzrahmen, lässt Glöckchenerklingen, spielt gleichzeitig auf Tasten und zupft oder streicht Saiten, sie schnalzt und ruft, trommelt einen schnellen Rhythmus.Dies alles ist ganz im Stile der zeitgenössischen Musik von Cage, Kagel und Stockhausen, die Irène Schweizer als wichtige Einflüssebezeichnet. Nur vergisst sie Ð anders als die meisten E-MusikerInnen Ð dabei den Rhythmus nicht.

Hommage an Südafrikas Jazz
Der Rhythmus ist für Irène Schweizer ein tragendes Element der Musik. Dies gibt sie im anschliessenden «Circle» kräftig und unmissverständlich zu verstehen, worauf das ausführlich beschriebene «Hüben ohne Drüben» folgt. Der kurze, verspielte «Rag»(Stück 8) verweist auf zweierlei: zum einen auf Thelonious Monk, den die Pianistin verehrt und dessen vertrackte Eigenwilligkeit oft in ihrem Spiel aufscheint, und auf die Jazztradition, der sie sich bei aller Experimentierfreudigkeit verpflichtet fühlt. «Roots», das amSchluss des Albums steht, ist ähnlich wie die Albumeinleitung «So oder so» eine Hommage an den südafrikanischen Jazz. Er hat Irène Schweizer schon in den sechziger Jahren in London und Zürichinspiriert. Doch nicht die säuselnden und verblasenen pianistischen Spielereien eines Abdullah Ibrahim (Dollar Brand) von heute sind hier gemeint. Vielmehr erinnert sich die Pianistin an den einst innovativen Jazz von Dollar Brand und Makaya Ntshoko, an treibende Rhythmen und zündende Improvisationen, an Kwela- undTownship-Jazz und an die später ins Exil gegangenen Blue Notes rundum den Pianisten Chris McGregor. Hier spricht sie mit Hochachtung vom Bassisten Johnny Dyani und Drummer Louis Moholo, mit dem sie oft zusammengespielt und auch ein ausgezeichnetes Duo-Album aufgenommen hat.
Auf «So oder so» folgt als zweites Stück eine Ehrung an den Aufnahmeort: «To the Bottle» ist ein impressionistisches, fast schon verspieltes, in seiner Grundhaltungruhiges Stück mit romantischer Stimmung. Dunkel und brodelnd dagegen beginnt das dritte Stück, «Heilige Johanna». IrèneSchweizer lässt den Rhythmus treiben, löst ihn auf und geht über in überquellende Tonkaskaden, die vorgegebenen Strukturenzerhämmernd. Sie führt schliesslich, als wäre es genug der Derwischtänze, die Musik vorerst in ruhigere Bahnen, um gegen Schluss noch einmal mit wirbelnden und rasenden Läufen, die in wahre Klanggewitter ausbrechen, das Feuer anzufachen. Das Ende kommt fast abrupt, ohne eine eigentliche Auflösung.
Ob all den Referenznamen, die bisher gefallen sind, muss klar unddeutlich gesagt sein, dass es die ZuhörerInnen für keinen Moment mit Kopien oder gar Abkupferungen zu tun haben. Sie hören stets Irène Schweizer und damit eine Musikerin, die sich nie auf Noten abstützt,die vielmehr ständig am Flügel sitzend komponiert, sich nicht mit Wiederholungen ausruht und die immer ein klares Konzept hat. «Bottle»-Programm-Mitverantwortlicher, Jazzkritiker und Liner-Notes-Verfasser John Corbett zitiert in diesem Zusammenhang die Improvisations-Definition des Grossmeisters Duke Ellington: «Improvisieren heisst eigentlich, hier eine Idee aufzugreifen und sie da mit einer anderen Idee zu verbinden, hier den Rhythmus zu wechseln und dort zu pausieren; jeder musikalischen Phrase muss ein Gedanke, ein Konzept vorausgehen, sonst macht sie keinen Sinn.» Genau solche Musik macht die Schweizer Pianokünstlerin auf «Chicago Piano Solo»; ein würdiges und stimmiges Geburtstagsgeschenk.
Dass sie diese grossartigen Soloausflüge zuerst gar nicht veröffentlichen wollte, sich jetzt aber freut, zeugt von ihrer Bescheidenheit. Irène Schweizer gehört nicht zu jenen zahlreichen MusikerInnen, die jede gespielte Note gleich auf CD verewigt sehen wollen. Sie macht jetzt bereits seit rund 42 Jahren aktiv Musik und ist mit 60 immer noch das, was sie bisherausgezeichnet hat: eine Urmusikantin, dabei eine selbstkritischeZweiflerin und Sucherin. Irène Schweizer weiss aber auch, was sie kann Ð sehr, sehr viel.

Geburtstagskonzerte
Irène Schweizers sechzigster Geburtstag wird an drei Anlässen gefeiert. Mit einem Solokonzert eröffnet die Pianistin am Mittwoch, dem 16. Mai, das Schaffhauser Jazzfestival (12.30 Uhr, Museum zu Allerheiligen). Das Schaffhauser Jazzfestival gibt Irène Schweizer eine Carte Blanche für den Donnerstagabend, den 17. Mai. Irène Schweizer lädt den holländischen Schlagzeuger Han Bennink ein für ein Duokonzert. Als zweiter Programmpunkt wird auf Wunsch von Irène Schweizer das Filmporträt über Thelonious Monk, «Straight No Chaser», gezeigt. Am Uncool-Festival in Le Prese tritt Schweizer in drei Formationen auf: mit Les Diaboliques (mit Maggie Nicols und Joëlle Léandre), im Trio mit Pierre Favre und Rüdiger Carl und im Duo mit dem New Yorker Schlagzeuger Andrew Cyrille (24.Ð26. Mai). Am Zürcher Birthday-Concert, am Sonntag, dem 10. Juni, 20 Uhr, im Schauspielhaus (Pfauen) spielt Irène Schweizer im Duo mit Pierre Favre. Gratulationsworte halten die Schriftstellerin Laure Wyss und Josef Estermann. Das Zürcher Birthday-Concert ist eine Koproduktion von Fabrikjazz (Rote Fabrik) und Schauspielhaus.

Nick Liebmann, Neue Zürcher Zeitung, 3. Mai 2001

Keine Frühpensionierung geplant
Irène Schweizers Blick zurück - und nach vorn

Die international bekannte Jazzpianistin Irène Schweizer wird am 2. Juni sechzig Jahre alt. Aus diesem Anlass besuchten wir die Schaffhauserin in ihrer Wohnung im Zürcher Stadtkreis 4, wo sie schon seit 23 Jahren lebt und arbeitet.

Für Irène Schweizer ist der sechzigste Geburtstag kein dramatischer Lebenseinschnitt. Vielmehr ist ihr der Rummel um ihre Person, sind ihr die vielen Interviews und die zahlreichen Geburtstagsanlässe eher unheimlich und anstrengend. Ihre Konzerttätigkeit, ob allein oder mit vertrauten Musikerinnen und Musikern, möchte und muss sie so lange weiterverfolgen wie möglich; an eine Frühpensionierung, sagt sie mit einem Lächeln, denke sie nicht.
Ihr Weg von Ragtime und Dixieland über Souljazz, Cool und Hardbop bis zum radikalen Free Jazz erfolgte graduell, organisch. Den Anstoss zur Befreiung gaben Musiker wie Paul und Carla Bley und Bill Evans, bei dem Irène Schweizer damals, Anfang der sechziger Jahre, erste Zeichen der harmonischen und rhythmischen Auflösung entdeckte. «Wir hatten damals ein Trio, mit dem Schlagzeuger Mani Neumeier und dem Bassisten Uli Trepte. Ich erinnere mich noch genau an eine Probe, an der Mani plötzlich den Beat nicht mehr gespielt hat. Wir schauten uns an und fragten uns: Was haben wir denn jetzt gerade gespielt?», erinnert sich die Pianistin. Free Jazz war damals in Europa noch gar kein Begriff, man experimentierte und wollte neues Terrain erkunden.

Kaputtspielmusik
Wenn Irène Schweizer Aufnahmen von damals hört - Aufnahmen übrigens, die nächstens wieder aufgelegt werden -, dann hört sie Elemente in ihrem Spiel, die sie immer noch verwendet. «Es war schon vieles da vom Spielmaterial, auf das ich heute in meinen Improvisationen zugreife - wobei ich dieses Material heute ganz anders einsetze.»
Damals war Irène Schweizer eine Improvisatorin mit Wut und ungezähmter Energie, heute wirkt ihr Spiel viel sanfter. Diese Entwicklung hält die Pianistin nicht nur für ein Zeitphänomen, sondern spricht auch von einer persönlichen Entwicklung. «Ich habe heute einfach keine Lust mehr, mit den Fäusten auf ein Klavier einzuschlagen; es macht mir keinen Spass mehr, einen Cluster an den anderen zu reihen und immer meine pianistische Technik unter Beweis zu stellen.» Irène Schweizer ist ruhiger und reifer geworden, gelassener, weniger impulsiv und aufbrausend.
Die «Kaputtspielmusik» von damals passe allerdings auch nicht mehr zu unserer Zeit. Damals, in den siebziger Jahren, reflektierte man so über die politischen Ereignisse, glaubte an Revolution, an das Aufheben aller Gesetzmässigkeiten. Man wollte auf Rhythmus und Harmonie verzichten und damit die Welt verändern. Die Anhänger der radikalen deutschen Schule empfanden Dreiklänge als Verrat - Irène Schweizer, die immer wieder ihren Jazz-Background betont, hat sich allerdings schon damals nicht an solche Vorschriften gehalten.
Worüber regt sich Irène Schweizer heute auf? «Über die Beliebigkeit, die Gleichgültigkeit und die Gesichtslosigkeit in Kultur und Politik! Früher war Jazzmusiker eine Berufung. Heute kann jeder, und sei er noch so unmusikalisch, eine Jazzschule besuchen - genauso wie andere eine Schreinerlehre absolvieren oder Grafiker werden können.» Irène Schweizer bleibt eine aufmerksame Beobachterin solcher Entwicklungen, möchte aber nicht mehr mit der Musik gegen Missstände kämpfen. Die Wut und auch ihr Engagement für die Sache der Frau innerhalb und ausserhalb der Musik sind in den Hintergrund getreten - obwohl sie der Meinung ist, es gebe immer noch viel zu wenig Frauen in der Musik. Von Resignation will sie allerdings nichts hören.
Der Jazz-Stadt Zürich erteilt Irène Schweizer heute schlechte Noten. «Das Moods ist kein Jazzklub, sondern ein Musikklub. Die lokale Szene hat Mühe, Auftrittsmöglichkeiten zu finden. Es müsste in Zürich wieder einen Jazzklub geben, wo eine Band zwei oder drei Tage lang auftreten kann. Heute sind in Zürich alles One-Night-Stands». Als Mitinitiantin hat die Pianistin, die schon früher in Zürich Jazzkonzerte mitveranstaltet hat, vor ein paar Jahren die Organisation OHR ins Leben gerufen. «Da kann sich die lokale Szene wenigstens jeden Mittwoch - zum Beispiel im Café Casablanca - präsentieren. Und da gibt es auch immer wieder Neues zu entdecken.»

Jazz-Nostalgie
Mit einem gewissen Wehmut denkt Irène Schweizer an die goldenen Zeiten des Jazz in Zürich, die sie zwischen Ende der sechziger und Ende der siebziger Jahre sieht. «Modern Jazz Zürich im Restaurant Hinterer Sternen beim Bellevue, die Konzerte im Poly Foyer, der Anfang des Bazillus - damals war Aufbruchstimmung in unserer Stadt.»
Irène Schweizer übt selten. Wenn sie übt, dann mit den Partnern, mit denen sie festgelegte Tunes spielt, oder ganz allein an ihrem Flügel Stücke des grossen Thelonious Monk. Dabei entdeckt sie immer wieder neue Wendungen und Phrasen, auf die sie in ihren Konzerten zurückgreifen kann. Ihre Stücke notiert sie grundsätzlich nicht; sie hat alle Themen in ihrem Kopf. Die Titel sind dabei völlig unwichtig und nicht programmatisch zu verstehen. Unerfüllte Träume? «Einer meiner Träume wird leider unerfüllt bleiben. Ich wollte schon immer mit dem Schlagzeuger Billy Higgins im Duo musizieren - leider ist er vor wenigen Wochen verstorben. Aber ein paar Wunschpartner hätte ich da schon noch: den Saxophonisten Steve Lacy, den Perkussionisten Milford Graves und den Posaunisten Rosewell Rudd zum Beispiel.»
Aktuelle CD: Irène Schweizer: Chicago Piano Solo (Intakt/ RecRec). Das Zürcher Birthday-Concert findet am Sonntag, 10. Juni, um 20 Uhr am Schauspielhaus Zürich im Pfauen statt. Irène Schweizer wird im Duo mit ihrem langjährigen Schlagzeugpartner Pierre Favre musizieren, Laure Wyss und Stadtpräsident Josef Estermann werden Gratulationsworte an die Jubilarin richten.

Mainrad Buholzer, Neue Luzerner Zeitung, 2.Mai2001

Die Jazzpianistin Irène Schweizer wird sechzig
«Das Improvisationsrisiko törnt an»

Irène Schweizer hat einen grossen Teil der Jazzgeschichte verarbeitet. Nun ist sie selbst Teil der Jazzgeschichte. Zu ihrem 60. Geburtstag am 2. Juni ein Interview mit der Pianistin.

Irène Schweizer, zurzeit wird noch ein anderer 60. Geburtstag gefeiert, jener Bob Dylans. Haben Sie eine Beziehung zu ihm?

Irène Schweizer: Ja, sehr. Ich habe in den Sechzigerjahren alle seine Platten gekauft. Seine Texte haben mich fasziniert, aber auch seine Musik. Ich fands einfach gut. Wie auch Frank Zappa. Die Beatles und die Rolling Stones habe ich weniger gehört. Aber Dylan war für mich auch musikalisch wichtig.

Gibt es da auch einen Bezug zum Jazz?

Schweizer: Ja, vor allem durch den Blues. Gerade auch seine Band, The Band, war eine fantastische Gruppe. Die spielte sehr jazzig, sehr schwarz. Auch der Free Jazz kam ja zur gleichen Zeit auf? Schweizer: Klar, mit Archie Shepp, Ornette Coleman, mit dieser Oktoberrevolution in New York, bei der Paul Bley dabei war, John Tchicai, Cecil Taylor. Das war eine sehr wichtige Zeit. Ich glaube sowieso, dass es seit den Sechzigerjahren nie mehr gleichzeitig so viel gute und verschiedene Musik gab. Die sind einfach unschlagbar. Auch in der Popmusik, die damals von England kam, dann Janis Joplin, Aretha Franklin, die Soul-Music mit Otis Redding, Wilson Pickett, Stevie Wonder und so weiter. Das war eine richtige Flut und alles sehr gut. Heute muss man ja lange warten, bis wieder etwas kommt, das einen überhaupt interessiert.

Was bedeutet Ihnen Free Jazz im Rückblick?

Schweizer: Ich habe den Free Jazz in seiner Hochblüte erlebt, in den Sechziger- und Siebzigerjahren. Ich möchte ihn nicht missen. Ich habe sehr viel gelernt und sehr viel Kraft geschöpft in dieser Zeit. Die war sehr wichtig für mich. Heute finden viele den klassischen Free Jazz antiquiert. Fragt sich nur, ob Gruppen, die postmodernes Zeug spielen oder Standards aus den Fünfzigerjahren, nicht auch antiquiert tönen. Etwas eigentlich Neues gibt es ja seit zehn Jahren nicht mehr. Ich war auch nie eine radikale Free-Musikerin. Reines Powerplay, nur energetisch, das habe ich nie gemacht. Ich habe meinen Background mit den jazzigen Elementen, mit denen ich aufgewachsen bin. Das hört man heute immer noch.

Aber man spielt ja heute, dank dem Free Jazz, auch die traditionellen Elemente ganz anders?

Schweizer: Klar, ganz genau. Es war sehr wichtig, dass es eine Periode gab, in der man alles über Bord warf, die ganze Harmonik, die Rhythmik. Man machte sauberen Tisch. Jetzt kann man es wieder hervorholen und anders umgehen damit.

W as ist für Sie das Wesentliche des Jazz?

Schweizer: Es gibt Verschiedenes, aber für mich ist es das Rhythmische. Und der Swing; das tönt vielleicht blöd, man wird dann immer den Jazzpuristen zugeordnet. Aber diese bestimmte Art von Swing und Puls, die gibt es in keiner anderen Musik.

Improvisieren, das ist immer auch Risiko?

Schweizer: Ja, das reine Improvisieren ist immer ein Risiko. Mit Han Bennink zum Beispiel. Wir vertrauen einander, machen nichts ab, gehen zusammen auf die Bühne, einer fängt an, aber wir wissen weiter nichts. Da müssen beide natürlich in der richtigen Stimmung sein, dann läuft es gut. Es kann aber auch sein, dass einer mal nicht so auf dem Damm ist, nicht so viel Ideen und Punch hat. Dass es ganz in die Hosen gehen würde, glaube ich zwar nicht, dafür haben wir beide zu viel Erfahrung.

Ist dieses Risiko eine Belastung für Sie?

Schweizer: Nein, aber eine Art Anspannung. Keine Belastung, im Gegenteil, es törnt mich an. Wenn da eine Gruppe einfach ein Programm einübt und das dann spielt im Konzert Ð sie wissen genau, wie sie anfangen und so weiter Ð, das langweilt mich tödlich. Ich brauche das Risiko als Kick; obwohl ich zwischendurch auch wieder feste Stücke spiele. Mit Pierre Favre zum Beispiel, wir gehören zur gleichen Generation, haben den gleichen Background, kennen die Geschichte des Jazz. Da kann ich irgendetwas antönen und er weiss Bescheid. So macht es Spass, Musik zu spielen. Dann wird das wirklich ein Dialog auf gleicher Ebene.

Üben Sie viel?

Schweizer: Es kommt drauf an, mit wem. Es gibt Leute, mit denen ich sehr viel übe, mit andern wenig. Aber allein am Klavier übe ich eher wenig. Mir ist auch die Technik immer weniger wichtig. Mir ist anderes, das man nicht üben kann, wichtiger geworden. Man kann nicht Ideen üben oder das Geschichtenerzählen.

Und zu viel Technik verhindert das Geschichtenerzählen?

Schweizer: Ja.

Was macht das Schlagzeug?

Schweizer: Das wird etwas vernachlässigt, leider. Ich habe zu wenig Möglichkeiten, es zu spielen.

Ist das Schlagzeug für Sie eher eine Ausweitung des Klaviers, oder schafft es eher Distanz zum Klavier?

Schweizer: Eher Distanz als Ausweitung. Ich habe ja praktisch gleichzeitig begonnen mit dem Klavier und dem Schlagzeug, habe eigentlich immer parallel gespielt. Man sagt mir ja auch, dass ich das Klavier sehr perkussiv spiele. Das stimmt schon, das ist mir auch wichtig. Man hört die Verwandtschaft mit dem Schlagzeug.

Ende der Achtzigerjahre haben Sie mal den Wunsch geäussert, sechs Duo-CDs zu machen. Dieses Ziel haben Sie fast erreicht.

Schweizer: Ja, eine ist noch offen. Ich habe letztes Jahr mit Paul Lovens gespielt. Das könnte die sechste Duo- CD sein. Aber entschieden ist noch nichts.

Ihre neuste Solo-CD ist eine Aufnahme aus einem Klub in Chicago. Sie waren offenbar zuerst nicht begeistert von der Idee dieser CD?

Schweizer: Das war ein Konzert in einem Klub. Ich habe es nicht für eine CD gespielt. Aber das wurde aufgenommen, und ich kam mit der Aufnahme zurück in die Schweiz. Ich gab es Intakt zum Hören, wollte aber nicht eine CD machen. Dort fand man es toll. Ich war zuerst gar nicht begeistert. Aber sie wollten auch etwas zu meinem 60. Geburtstag machen, meinten, es sei eigentlich wieder Zeit für eine Solo-CD, die Letzte liegt ja auch schon wieder fünf Jahre zurück. Und da fragte sich, wie treibt man so schnell eine Solo-CD auf. Wir habens dann auch ein bisschen gekürzt und umgestellt. Jetzt finde ich es okay.


Irène SCHWEIZER Eine führende Free-Jazz-Pianistin
Die Pianistin Irène Schweizer feiert am 2. Juni ihren 60. Geburtstag. Sie ist in Schaffhausen aufgewachsen, begann mit zwölf Jahren zu spielen. In den Sechzigerjahren zog sie nach Zürich und bildete mit Mani Neumeier und Uli Trepte ihr erstes Trio. Prägend war für sie die Begegnung mit dem südafrikanischen Pianisten Dollar Brand (heute Abdullah Ibrahim) und mit dem Free Jazz; beide Einflüsse sind heute noch hörbar in ihrem Spiel. Schweizer gehörte bald zu den wichtigsten Vertretern des Free Jazz Ð und später des Feminismus Ð in der Schweiz. Unverwechselbar ist, wie sie die Tradition des Jazz unangestrengt, aber sehr eigenwillig in ihr Spiel einfliessen lässt. Ihre neuste CD ist eine Solo-Live-Aufnahme aus Chicago (Chicago Piano Solo, Intakt/RecRec). Im Schauspielhaus Zürich findet am 10. Juni (20 Uhr) ein Birthday-Concert statt. Irène Schweizer spielt mit Pierre Favre; Laure Wyss und Zürichs Stadtpräsident Josef Estermann ehren die Pianistin in Worten.

Sandro Stoll, Schaffhauser Nachrichten, 17. Mai, 2001

Fulminantes Plädoyer für die Neugier

«Ein Fest auch für Irène» soll das Jazzfestival sien. Die Pianistin kerhte das Motto um: Sie sorgte für ein Fest für die Zuhörer:

Irène Schweizer ist mehr als Schaffhausens berühmteste Musikerin. Als Pianistin und Komponistin gehört sie zu den anerkanntesten Musikerinnen des auropäischen Freejazz und der frei improvisierten Musik überhaupt. Kein Wunder also, dass das grosse Publikum, das sich gestern über Mittag im Oberlichtsaal des Museums zu Allerheiligen einfand, bunt gemischt war: Politiker waren zu sehen, Kulturschaffende, Gewerbetreibende, Manager, Medienvertreter – darunter manche, die dem Dialekt nach einen weiten Weg hinter sich hatten.

Die Einleitung zu diesem besonderen «Lunchgespräch», das zugleich den Auftackt zum 12. Schaffhauser Jazzfestival darstellte, war wohltuend kurz und kompetent. Patrik Landolt, der wohl profundeste Kenner von Irène Schweizer, übernahm die Aufgabe, ins Werk der Musikerin, die am 2. Juni ihren 60. Geburtstag feiert, einzuführen.

Ringen um Autonomie
Wie alle bedeutende Kunst sei Schweizers Musik «aus dem Ringen um Autonomie entstanden», meinte Landolt, der Irène Schweizer als Journalist und Herausgeber ihrer Platten über 20 Jahre lang begleitet hat. Resultat ihrer kompromisslosen Arbeit sei ein Werk, das «zugleich erinnernd und innovativ» sei, ein Werk auch, das wegen des Interesses der Künstlerin an gesellschaftlichen Veränderungen «seismografische Qualitäten» habe.

Seismografisch nicht besonders begabt musste man in der Folge als Zuhörer sein, um die nach wie vor ungebrochene Energie der Pianistin Irène Schwezer zu entdecken. Kraftvoll konzentriert, dunkel-perkussiv machte sich die Pianistin, die das «europäische Instrument afrikanisiert hat» (Ulrich Stock in der «Zeit»), ans Werk. Elegant variierte sie die Intensität, leicht wechselte sie Rhythmen und Stimmung und hielt dabei doch scheinbar mühelos Zusammenhalt und Spannung ihrer Improvisationen. Drei Stücke bot sie dem Publikum, Material der eben erschienenen CD «Chicago Piano Solo». Zum Schluss ein Blues dann ein langer, warmer Applaus.

Rausgehen, zuhören
Die Reihe war jetzt an Stadtrat Thomas Feurer. Ein Satz, erklärte Feurer in siener Rede, sei ihm während seinen Recherchen über die Künstlerin Irène Schweizer hängen geblieben: «Go out and listen» – Irène Schweizers Aufforderung an junge Musiker, so viel Musik wie möglich zu hören, am besten hautnah, «live», und möglichst überall. «Go out and listen» – der Rat, neugierig zu seinund sich auf Unbekanntes einzulassen – ist auch ein gutes Motto fürs 12. Schaffhauser Jazzfestival, das bis am frühen Sonntagmorgen noch drei weitere Nächte voller Musik und Experimente bietet.

Tom Gsteiger, Bund, 23. Mai, 2001

Die Wonnen der Unabhängigkeit

JAZZ / Eine kraftvolle Poetin des freien Jazz ist Irène Schweizer, die am 2. Juni ihren 60. Geburtstag feiert: Auf ihrem neuen Soloalbum «Chicago Piano Solo» spannt die unerschrockene Pianistin einen weiten Bogen von erdigen Melodiefetzen zu verspielter Abstraktion.

Ihre Bewunderung gilt nicht den gewieften Alleskönnern, die die Geschichte des Jazz vor- und rückwärts buchstabieren können, sondern kauzigen Eigenbrötlern und hellwachen Träumern wie Thelonious Monk, Misha Mengelberg, Don Cherry oder Ed Blackwell. Da kann es nicht verwundern, dass die Pianistin Irène Schweizer, die am 2. Juni ihren 60. Geburtstag feiert, den Jazzschulen mit einer gehörigen Portion Skepsis begegnet: «Heute muss ich schon staunen, wie schnell die Jugen lernen, aber mir fehlt dann halt auch etwas, wenn sie spielen, es ist oftmals oberflächlich.»
Schweizer, die in ihren Anfängen Boogie-Woogie, Blues, Ragtime und Hardbop gespielt hat und in der zweiten Hälfte der Sechzigerjahre zur Pioniergeneration des europäischen Free Jazz stiess, hat sich ihr facettenreiches Vokabular weitgehend autodidaktisch angeeignet. Das war ein langer, machnmal beschwerlicher Weg des Anhörens und Ausprobierens, der sich allerdings gelohnt hat. Was Schweizer spielt, hat Hand und Fuss, trägt auch dort eine persönliche Handschrift, wo sie deutliche Anleihen bei Vorbildern wie Monk oder Dollar Brand macht, und verliert auch dann nichts von seiner lustvollen Dringlichkeit, wenn die Pianistin zu experimentellen Klangerkundungen im Innern des Flügels aufbricht. Schweizer ist keine, die ihr Werk bis in alle Verästelungen hinein analysiert, keine abgehobene Theoretikerin, sondern eine unbekümmerte Pragmatikerin. Das heisst nun nicht, dass sie einfach wild drauflos spielt, wohl aber, dass sie bereit ist, ihren konzisen Gestaltungswillen zu suspendieren, um sich vom Moment mitreissen zu lassen.

Zu zweit und zu dritt
Dies wird besonders deutlich, wenn sie sich als vorurteilsfreie Interaktionistin betätigt. Eine Spezialität von Schweizer sind Duos mit Schlagzeugern (zuweilen setzt sie sich selber gerne ans Schlagzeug, dem sie zwar beseelt, aber auch reichlich amateurhaft zu Leibe rückt). Dem Label Intakt verdanken wir Live-Aufnahmen aus den Jahren 1986 bis 1995, auf denen sie mit Louis Moholo, Günter Sommer, Andrew Cyrille, Pierre Favre und Han Bennink zu hören ist. Auf diesen Alben begeistert Schweizer mit Einfühlungsvermögen, Einfallsreichtum und Kraft - dem Powerplay mit dem enorm physisch trommelnden Moholo zeigt sie sich ebenso gewachsen wie den Traumtänzereien mit dem verspielten Tüftler Sommer.
Eine wichtige Konstante in Schweizers Leben ist ihr feministisches Engagement, sie gehörte zu den Geburtshelferinnen der Feminist Improvising Group und der Europaen Women Improvising Group. Diese internationalen Netzwerke haben wichtige Kontakte ermöglicht. Als künstlerisch besonders ergiebiges Resultat dieser Frauensolidarität darf Schweizers Zusammenarbeit mit der englischen Vokalistin Maggie Nicols und der französischen Kontrabassistin Joëlle Léandere im Trio Les Diaboliques gelten. Das freche und aufmüpfige Schaffen dieser Gruppe ist mit drei Intakt-Alben ebenfalls recht gut dokumentiert.

Anstrengendes Single-Dasein
Abgerundet wird die sorgfältige Pflege, die das unabhängige Label Intakt der Pianistin seit über einem Jahrzehnt angedeihen lässt, durch eine Reihe vorzüglicher Solo-Produktionen. «Piano Solo Vol. 1 und 2» und «Many And One Direction» wurden 1990 bzw. 1996 bei Auftritten in der Alten Kirche Boswil aufgenommen, für kommenden Sommer ist die Re-Edition der legendären Scheiben «Wilde Senoritas» und «Hexensabatt» aus den Siebzigerjahren angekündigt und soeben ist «Chicago Piano Solo» erschienen.
Auf diesem Konzertmitschnitt vom Februar 2000 lässt Schweizer durch ihre zupackende Herangehensweise die nicht über jeden Zweifel erhabene Qualität des Flügels im Nu vergessen. Einmal mehr erweist sich Schweizerin als Meisterin des Selbstgesprächs, sie verfügt über die nötige Konzentration, um im freien Flug der Ideen nicht den roten Faden zu verlieren, aber bleibt gleichzeitig locker genug, um nicht pedantisch zu wirken - ihr gelingt als der Brückenschlag zwischen Konstruktion und Intuition. In ihren atmosphärisch dichten «Instant Compositions» geht sie der Gefahr der Verzettelung aus dem Weg, indem sie sich jeweils auf ein klar eingegrenztes Sortiment ihrer Qualitäten fokussiert. Zusätzlich aufgelockert wird das abwechslungsreiche und kurzweilige Album durch Schweizers Interpretation eines Stücks des 1995 verstorbenen Don Cherry, mit dem sie die Fähigkeit zur eigenständigen Assimilation unterschiedlichster Stile teilt.

Geburtstagsfeierlichkeiten
Über Auffahrt Vom 24. bis 26. Mai tritt Irène Schweizer mit drei verschiedenen Formationen am Uncool Festival in Le Prese am Lago di Poschiavo auf, nämlich im Duo mit Andrew Cyrille, im Trio mit Pierre Favre und Rüdiger Carl und mit Les Diaboliques (mehr Infos unter www.uncool.ch oder Telefon 081 844 05 71). Am 1. Juni wird Schweizer auf Radio DRS 2 mit drei Sendungen gewürdigt. Um 11 Uhr gibts ein Interview mit ihr in der Sendung Reflexe (Wiederholung um 22 Uhr). Am Abend folgen ein Mitschnitt vom diesjährigen Jazzfestival Schaffhausen, wo ein Duo mit Han Bennink auf dem Programm stand (22.30 Uhr) und die Präsentation des Albums «The Storming Of The Winter Palace» (23.30 Uhr). Das offizielle Geburtstagskonzert findet am 10. Juni im Schauspielhaus Zürich statt. Schweizer wird mit ihrem langjährigen Weggefährten Favre konzertieren (Vorverkauf: Telefon 01 265 58 58).

Christian Rentsch, Tages-Anzeiger, 8. Juni 2001

Wilde Señorita spielt Hexensabbat
Am 2. Juni ist Irène Schweizer, die weltweit renommierteste Pianistin der europäischen Free-Szene, 60 geworden. Am Sonntag gibt sie ein Geburtstagskonzert.

Seit vielen Jahren spielt sie Monk. "Aber eigentlich nur für mich allein", korrigiert sie, "erst in den letzten paar Jahren wage ich, Stücke von Monk auch in den Konzerten zu spielen." Überraschend, wenn jemand wie Irène Schweizer das sagt, weltweit eine der besten Pianistinnen zwischen Freejazz und frei improvisierter Musik, doch auch eine, die nicht kokett auf falsche Bescheidenheit macht. Aber Irène Schweizer spielt eben nicht Monk-Stücke, sie hat sich Monk angeeignet, ihn durch eigene Erfahrungen analysiert, nicht bloss die berühmten Melodien, sondern sein Ringen um den Klang.
Das hört man, wenn Irène Schweizer Monk spielt: Dass sie seine Klangsprache kennt, seine Phrasierungen und seine haarsträubenden Melodiekonstruktionen; und zugleich ist sie immer ganz sich selbst, mit ihrer ganzen 40-jährigen Spielerfahrung, dem Freejazz der 70er-Jahre, mit Frauenmusik der 80er- und der frei improvisierten Musik der 90er-Jahre. Irène Schweizer gehört zu den ganz wenigen, die der Musik von Thelonious Monk wirklich eine Facette abgewinnen und hinzufügen.

Am Anfang war Dixieland
Als Jazzmusikerin wird man nicht geboren, schon gar nicht im Schaffhausen jener Jahre. Dixieland war noch das Beste, was Irène Schweizer im Saal des Restaurants "Landhaus", das ihre Eltern führten, zu hören bekam. Als Autodidaktin begann sie Klavier zu spielen, imitierte die Boogie-Woogie- und Ragtime-Figuren, die sie aufschnappte.
Die eigenen Klavierstunden schienen keine bleibende Wirkung hinterlassen zu haben, Irène Schweizer blieb eine Autodidaktin. Sie nahm die Mühen auf sich, eine Sache selber zu ergründen, anstatt sie schnell auswendig zu lernen und dann wieder zu vergessen. Auch das hört man: Dass Irène Schweizer zu den Dingen, die sie sich angeeignet hat, ein völlig eigenes, liebevoll kritisches Verhältnis hat, dass der Kampf um die Aneignung seine Spuren hinterlassen hat.
Als Irène Schweizer 1959 mit den Modern Preachers am Amateur Jazz Festival Zürich auftrat, hatte sie sich grad knapp den Hardbop angeeignet, viel anders als bei Junior Mance und Horace Silver klang das nicht. Mit 20 ging die gelernte Sekretärin nach England und landete irgendwann in London, im "Ronnie Scott's Club", dem legendären Jazzclub, wo damals neben den grossen amerikanischen Namen vor allem die englische Modernjazz-Szene zu hören war. Hier lernte sie englische Musiker kennen, gelegentlich spielte sie mit den Saxofonisten Dick Morissey und Joe Harriott.
1962 kehrte sie in die Schweiz zurück, das war gleichsam der Anfang der Eigenständigkeit. Mit dem Bassisten Uli Trepté und dem Schlagzeuger Mani Neumeier, bildete sie ein Trio. Und dann geschah es einfach, gleichsam die Geburt des Schweizer Freejazz: "Während einer Probe merkten wir, dass wir alle drei eigentlich viel lieber frei spielen würden, jenseits der konventionellen Harmonieschemen von Bebop und Hardbop, mit aufgelösten Rhythmen." Aber sicher lag der Ausbruch aus dem Gefängnis der Funktionsharmonik auch in der Luft.
Allerdings: In der Zürcher Jazzszene wurde der Streit zwischen Modern- und Freejazz als eine Art Glaubenskrieg ausgetragen. Das Zentrum des Streits war das legendäre "Africana", die düstere, kleine Jazzhöhle; hier gab es neben viel Schweizer Swing und Mainstream und dem urigen Blues-Pianisten Champion Jack Dupree auch hin und wieder Musiker der neuen englischen Szene zu hören, die Exil-Südafrikaner Chris McGregor, Johnny Dyani und Louis Moholo. Und Dollar Brand, dessen melancholische Sehnsuchts für Irène Schweizer zu einer Art Eintrittspforte zum Freejazz wurde.
Und dann kam, 1966, der definitive Kick: In Stuttgart hörte Irène Schweizer den Pianisten Cecil Taylor, eine der grossen Vaterfiguren des schwarzen Freejazz. Er war schon dort angekommen, wo Irène Schweizer erst hinwollte. "Ich war derart beeindruckt, dass ich ernsthaft darüber nachdachte, mit dem Klavierspielen aufzuhören." Aber dann hat sie es sich doch anders überlegt. "Early Tapes", eine Aufnahme des Irène-Schweizer-Trios aus dem Jahr 1967, zeigt die Pianistin unterwegs nach Anderswo, aber noch nicht ganz angekommen. Eine Musik, die ein bisschen nach Dollar Brand und Chris McGregor, ein bisschen nach Cecil Taylor klingt. Und ein bisschen auch schon nach Irène Schweizer. Aber es wäre gelogen zu behaupten, dass Irène Schweizer damals in Zürich viel mehr als ein paar Dutzend begeisterter Zuhörerinnen und Zuhörer hatte.

Uneigennützig engagiert
Als das "Africana" zuerst verkam, dann seine Pforten schloss, spielte Irène Schweizer hin und wieder in der "Platte 27", einem Club in einem Abbruchhaus an der Plattenstrasse. Zusammen mit Remo Rau initiierte sie die Musikerkooperative Modern Jazz Zürich, welche während Jahren im "Hinteren Sternen" Konzerte organisierte. Das übrigens hat sie bis heute beibehalten, ihr uneigennütziges Engagement für eine lebendige, vielfältige Zürcher Jazzszene: Sie gehörte, was ihr von Seiten des Jazzpublizisten Peter Rüedi den ehrenvollen Titel einer "Mutter Courage der Schweizer Free-Szene" einbrachte, Ende der 70er-Jahre zu den Mitbegründerinnen der Werkstatt für improvisierte Musik (WIM), Anfang der 80er-Jahre zu den Initiantinnen der Fabrikjazz-Gruppe, des taktlos-Festivals, des Zürcher Intakt-Labels, Ende der 90er-Jahre der Konzertreihen im Café "Casablanca" und "Karl dem Grossen". Für Irène Schweizer immer auch eine Gelegenheit, den Kontakt mit jüngeren Schweizer Musikern zu halten, mit ihnen zusammen zu arbeiten und aufzutreten, mit der Saxofonistin Co Streiff etwa, dem Saxofonisten Omri Ziegele, der Sängerin Dorothea Schürch und vielen anderen.
Dennoch blieb die Schweiz für die Schweizer bis Mitte der 70er-Jahre ein hartes Pflaster. Ihre ersten grossen internationalen Erfolge buchte sie in Deutschland, an Joachim Ernst Berendts Berliner Jazztagen 1967, im gleichen Jahr mit einem "Jazz meets India"-Programm an den Donaueschinger Musiktagen, an den "Total Music Meetings" im Berliner "Quartier Latin". Da standen die deutschen Freejazzer wie deutsche Eichen auf der Bühne, die geschwellte Brust notdürftig von roten Hosenträgern zusammengehalten. Und dazwischen Irène Schweizer, kräftemässig und musikalisch den deutschen Eichen durchaus ebenbürtig.
Überhaupt: Mit starken Männern hatte sie, die Feministin, nie ihre Probleme. Während sie Anfang der 80er-Jahre mit der Feminist Improvising Group, mit der Bassistin Joëlle Léandre, der Sängerin Maggie Nicols, der Fagottistin Lindsay Cooper und anderen, den Schritt vom Freejazz zur europäischen frei improvisierten Musik probte, nahm sie eine Reihe von Platten mit starken Männern auf, mit dem deutschen Klarinettisten und Saxofonisten Rüdiger Carl, dem englischen Saxofonisten Evan Parker, dem Bassisten Peter Kowald. Und in den 80er- und 90er-Jahren mit einer langen Reihe grossartiger Duo-Aufnahmen mit verschiedenen Schlagzeugern, dem unberechenbaren Emotionshaufen Louis Moholo, dem Gaukler Günter Sommer, dem Intellektuellen Andrew Cyrille, dem Clown Han Bennink und, immer wieder, mit dem Philosophen unter den Schlagzeugern, mit Pierre Favre.

Unverwechselbar
Neben diesen Duo-Aufnahmen und der umwerfenden Komposition "Theoria" aus dem Jahr 1991, welche der britische Komponist Barry Guy für sie und das London Jazz Composers' Orchestra schrieb, gehören aber vor allem ihre Solo-Einspielungen zum Besten, was es von Irène Schweizer zu hören gibt, von "Wilde Señorita" (1976) und "Hexensabbat" (1977) bis hin zu den "Piano Solos" aus dem Jahr 1991, "Many And One Direction" (1996) und zum eben erschienenen Konzertmitschnitt "Chicago Piano Solo". Da ist alles drin, was ihre unverwechselbare Spielweise ausmacht: diese grossartige Mischung von Kraft und Weichheit, von dichter, hoch energetischer Musik und Klangfarbenspiel, von hoch virtuoser Pianistik und verspielten Aktionen im Innern des Flügels, kristalline Formen, Schnitte, Brüche einerseits und aufbrechende, explosive Clusterbögen. Und immer wieder Anklänge an Thelonious Monk. Irène Schweizer, angekommen auf ihrem Weg nach Anderswo.
Birthday Concert mit Pierre Favre im Zürcher Schauspielhaus, Sonntag 20 Uhr.

Nickl Liebmann, Neue Zürcher Zeitung, 12. Juni 2001

Irène swingt

Birthday Concert von Irène Schweizer

Swing City Zurich nennt sich ein bevorstehendes Festival an der Limmatstadt. Auch wenn die Wahlzürcherin Irène Schweizer mit dem Jazzstil, der sich Swing nennt, kaum etwas am Hut hat, mutiert sie je länger, je mehr zur «Swingerin». An ihrem Geburtstagskonzert hat die sechzigjährige Pianistin wenig freie Musik gespielt, dafür umso mehr vital swingende Stücke von Thelonious Monk, Paul Bley und Jimmy Giuffre interpretiert.

Das grösste Geburtstagsgeschenk für die inzwischen weltbekannte Musikerin aus Schaffhausen dürfte der Publikumsaufmarsch gewesen sein. Das Schauspielhaus war restlos ausverkauft, unter den Anwesenden waren nicht wenige Persönlichkeiten, die man in einschlägigen Zirkeln bisher kaum ausgemacht hat. Stadtpräsident Josef Estermann charakterisierte Irène Schweizer als eine, die ohne Noten Musikgeschichte geschrieben hat. Den im Zusammenhang mit der Jubilarin oft verwendeten Ausdruck «First Lady of Jazz» relativierte er - sie sei nicht die Erste, sondern einzig. Die Schriftstellerin Laure Wyss zollte der Musikerin, die «spielend zum Weltformat erstrahlt» sei, sogar ein noch grösseres Lob: «Ihre Töne bringen mir Worte.» Zürich sei reicher und urbaner, weil Irène Schweizer hier wohne.

Seit dreissig Jahren musiziert Irène Schweizer mit einem anderen Wahlzürcher, dem am gleichen Tag (aber nicht im gleichen Jahr) in Le Locle geborenen Schlagzeuger Pierre Favre. So war der einfühlsame Schlagwerker als Duopartner für das «Zürcher Birthday Concert» geradezu prädestiniert. Während die freien Passagen auf sublimste Weise faszinierten, die gegenseitige Telepathie und die damit verbundene Präzision oft den Atem stocken liessen, spürte man gleichzeitig eine gewisse Entfremdung. Während nämlich die Pianistin immer mehr zum swingenden Time-Spiel zurückfindet und sich längst nicht mehr scheut, über bekannte Jazz-Tunes zu improvisieren, erscheint das metrische Spiel für den Schlagzeuger zu beengend. Favre, der jahrelang als Schlagzeuger traditionelle Big Bands (wie die DRS-Band oder Max Gregers Orchester) antrieb, scheint sich in diesem Idiom nicht mehr wohl zu fühlen. Solche Meinungsverschiedenheiten und unterschiedlichen Entwicklungen tragen zur Faszination einer Musik bei, in der intelligenter Diskurs als Tugend gilt. Hier hat Irène Schweizer Wesentliches geleistet.
Schauspielhaus am Pfauen, 10. Juni.

Blick, 12. Juni 2001

Zürich feierte Irène Schweizer
Zürich - Mit einer rauschenden Party wurde am Sonntag der 60. Geburtstag der grossen Jazzpianistin Irène Schweizer (Bild) gefeiert. «Irène Schweizer hat Musikgeschichte geschrieben», sagte Stadtpräsident Josef Estermann (53) im Zürcher Schauspielhaus. Die eigentliche Geburtstagsrede hielt die Schriftstellerin Laure Wyss (88). Irène Schweizer bedankte sich mit einem einstündigen Duokonzert, zu dem sie den Schweizer Schlagzeuger Pierre Favre (63) geladen hatte

Urs Burderer. Berner Zeitung, 12. Juni 2001

Irène Schweizers Geburtstagskonzert
Freiheit, gemischt mit Kontrolle

In einer Stunde zeigte sie die Summe ihres Schaffens: Mit einem sehr souveränen Auftritt im Zürcher Schauspielhaus feierte Irène Schweizer, die Pionierin des Schweizer Free Jazz, ihren 60. Geburtstag.

Es war ein grosser Geburtstag und eine geheime Galanacht des Schweizer Jazz. 600 Leute fanden am Sonntag den Weg ins ausverkaufte Schauspielhaus Zürich, wo die Pianistin Irène Schweizer, die vor einer Woche 60 Jahre alt wurde, im Duo mit dem Schlagzeuger Pierre Favre auftrat. Was Anlässe dieser Art sonst so unsympathisch macht, fehlte: das wirklichkeitsverfremdende Fernsehen, die Ersetzung des Inhalts durch Blabla und die grinsenden Gratiscüpliträger.

Obschon, Reden wurden schon gehalten. Der Zürcher Stadtpräsident Josef Estermann und die Schriftstellerin Laure Wyss lasen ihre Gratulationsworte auf die Meisterin der freien Improvisation ab und erwiesen sich damit nicht als Meister der freien Rede. Doch ihr Lob war aufrichtig. Immer schon habe Irène Schweizer alles selber verstehen wollen, sagte Estermann. Sie habe sich durch- und freigespielt zur improvisierten Musik. Der Titel «First Lady des europäischen Free Jazz» sei unpassend, weil sie nicht die erste sei, sondern die einzige.

Laure Wyss bezeichnete die Pianistin als geheime Förderin ihrer eigenen Produktion: «Ihre Töne bringen mir Worte.» Schweizers Qualitäten seien echtes Handwerk, hohe Konzentration, Unerbittlichkeit. Zürich sei eine reichere, urbanere Stadt, weil die gebürtige Schaffhauserin hier wohne, sich hier anfassen und auch in Gespräche ziehen lasse, etwa über Feminismus. Und dann beschrieb sie die Veränderung der Musikerin: Bescheiden, fast ein bisschen grau wirke sie vor ihrem Auftritt, doch beim Spielen werde aus ihr eine Musikerin, die zu Weltformat erstrahle.

Geburtstagskinder im Duo
Als Schweizer und Favre die Bühne betraten, fing das Publikum (vor allem das weibliche) an zu singen: «Happy Birthday to You.» Worauf die Gemeinte verriet, dass sie Pierre Favre nicht nur deshalb zu diesem Konzert eingeladen habe, weil er seit dreissig Jahren und damit ihr ältester musikalischer Partner sei, sondern auch, weil er am selben Tag Geburtstag habe wie sie.

Und nach so viel rührender Seligkeit geschah, was Laure Wyss vorausgesagt hatte. Zwei, drei kristallklare pianistische Tupfer von ihr, ein Beckensausen von ihm, und schon hatten die beiden im blinden Flug zueinander gefunden. Eindrücklich, wie viel Nähe sie im improvisierten Spiel aushielten, ohne einander eng zu machen. Irène Schweizer hatte die Zügel fest in der Hand. Sie schien genau zu wissen, wo sie hin wollte, nur den Weg dorthin entdeckte sie jeweils neu. Wo die Grenze zwischen frei und komponiert verlief, war kaum je zu sagen, obwohl die Pianistin stets sehr klar und transparent spielte. Das Zögern, Suchen findet bei ihr nicht mehr auf der Bühne statt.

Das Piano als Schlagzeug
Das Duo kam ohne Mikrofon aus. Das geht, wenn einer wie Favre am Schlagzeug sitzt, der so sehr auf den Klang seines Instruments hört. Er gehört auch zu den Wenigen seiner Zunft, die mit einem weit über das Notwendige hinaus bestückten Drumset umzugehen wissen.

Cecil Taylor soll einmal gesagt haben, man könne das Klavier auch als 88-teiliges Schlagzeug spielen. In den Augen Irène Schweizers ist das natürlich eine Untertreibung: Für eine Nummer griff sie, die gelegentlich auch als Schlagzeugerin auftritt, zu einem Paar Schlegel und traktierte für einen irrwitzigen perkussiven Dialog nicht nur die Tasten, sondern auch die Saiten, den Deckel und die Wände des Flügels. In wenig mehr als einer Stunde zog die Pionierin des Free Jazz in der Schweiz eine Summe ihres Schaffens: Nirgends ein Anflug von Exzess oder Experiment. Von den Freiheiten der Form und der Technik ist übriggeblieben, was vor dem abgeklärten Altersurteil noch musikalischen Sinn macht, und das war an diesem Abend eine einzigartige Mischung von sehr viel Freiheit und sehr viel Kontrolle. Kurz: Es war ein grosser, souveräner Auftritt.

REDEN

Patrik Landolt

16. Mai im Museum zu Allerheiligen in Schaffhausen
Vor dem Solo-Konzert von Irène Schweizer aus Anlass des 60. Geburtstags der Pianistin im Rahmen des Jazzfestivals Schaffhausen

Meine Damen und Herren, liebe Irène

Vor genau 24 Jahren - ich wohnte damals in Thalwil und war an der Universität Zürich zum Studium eingeschrieben - organisierte ich als Beitrag zur Belebung des Schlafvorortes Thalwil eine Konzertreihe im Singsaal des Schulhauses mit drei Piano-Solos. Es begann Abdullah Ibrahim/Dollar Brand, dann spielte der amerikanische Pianist Art Lande und als dritte tratt Irène Schweizer auf. Irène Schweizers Solo war ein aussergewöhnliches Konzert, mitreissend und die kleine Fangemeinde im Singsaal war von der Musik von Irène begeistert. - Eine erste Erfahrung mit Irène Schweizer und ihrer Musik: Wer die Pianistin hört, wer sich auf die Musik einlassen kann, geht zusammen mit der Improvisatorin auf Abenteuerfahrten und entdeckt neue Welten.

Über die künstlerischen Qualitäten von Irène Schweizers Musik ist in den letzten Wochen viel geschrieben worden. «Sie hat das europäische Instrument afrikanisiert», schrieb Ulrich Stock in «die Zeit». Ein grosses Lob. Der amerikanische Kritiker John Corbett, der für die Jazzzeitschrift «Downbeat» arbeitet, schwärmte von Irène Schweizers Chicago Solo Konzert vom Februar 2000, das jetzt als CD dokumentiert und somit für eine grössere öffentlichkeit nacherlebbar ist: «Es war eine der besten Pianodarbietungen, die ich je gehört habe». Weitere Beispiele von begeisterten Äusserungen zur Musik von Irène liessen sich duzendweise anfügen. Die Jazzkritik schreibt über Irène Schweizer ausschliesslich positiv. Ich habe über all die Jahre nie eine negative CD-Kritik gelesen.

Seit dem Konzert in Thalwil Ende der siebziger Jahre hat sich zwischen Irène und mir eine bis heute dauernde Zusammenarbeit und Freundschaft entwickelt, deren Resultat Ð unter anderem Ð sich in bald zwanzig CD-Veröffentlichungen von Irène Schweizer auf Intakt Records zeigt. Es ist eine Zusammenarbeit, die auch mein Leben verändert hat. Ð Vom ersten Taktlos-Festival, das wir 1984 in der Roten Fabrik organisierten und an dem Irène Schweizer im Mittelpunkt stand, sendeten wir die Aufnahmen des Radiomitschnittes an mehrere CD-Firmen. Wir blieben aber regelrecht auf den Bändern sitzen. Es fand sich kein Label, das die Musik herausgeben wollte. So entschieden wir - das waren Irène Schweizer, Fredi Bosshard und Rosmarie A. Meier und ich - die Musik selber auf Platte herauszugeben. Irène Schweizers Musik war Mitte der achtziger Jahren in der Schweiz stark unterdokumentiert. Ältere Platten, die beim Berliner Label FMP veröffentlicht wurden, waren im hiesigen Plattenhandel kaum zu finden. Die von uns veröffentlichte Platte «Irène Schweizer live at taktlos» (Intakt LP 001) wurde zu einem Erfolg, der uns ermutigte, weitere Projekte in Angriff zu nehmen. Ich bin also, ohne dass ich mich je bewusst dazu entschieden hätte zum Verleger geworden. Zufall, ein gewisser Ärger über die damalige Verlagslandschaft spielten eine Rolle. Ausschlaggebend aber war und ist bis heute ein Enthusiasmus für diese wunderbare Musik, also ganz wesentlich für Irène Schweizers Musik.

Von dieser ersten Begegnung in Thalwil ist mir in Erinnerung geblieben: Die hohe Qualität der Musik und unsere Begeisterung über die Improvisationen von Irène Schweizer stand im Gegensatz zum geringen Interesse, welches die Thalwiler diesem Konzert entgegenbrachten. Der Saal war nicht voll, und da mich elitäre Zirkel depressiv machen -, drängte sich schon damals die Frage auf, die sich allen CD-Produzenten von kreativer Musik oder Festivalorganisatoren dauernd stellt: was kann und muss im Kulturbetrieb getan werden, damit diese grossartige Musik von mehreren Leuten gehört, anerkannt und geschätzt wird. Die Frage stellt sich für jene um so dringender, die von der gesellschaftspoltischen Einsicht geleitet sind, dass Kultur und insbesondere Musik, wie sie Irène Schweizer spielt, gesellschaftsprägende und zukunftsbestimmende Werte birgt. Eine Improvisationsmusik, die sowohl traditionsbewusst wie offen ist, erinnernd und innovativ - und die über aussergewöhnliche Kommunikationsstärken, Eigensinn und seismografische Fähigkeiten verfügt.

Die Frage nach der Vergrösserung des Publikums und der Verbreiterung der Musik ist bis heute eine der grosse Herausforderungen geblieben. Ich möchte Sie jetzt nicht mit Geschichten aus der unspektakulären Knochenarbeit eines Verlages langweilen, sondern allgmein formulieren: In der Verlagsarbeit werden die Schwierigkeiten von Produktion von heutiger Kunst auf eine krasse Weise deutlich und somit die Produktionsbedingungen aktuellen Kunstschaffens täglich erlebbar. Die Enge des Kulturschaffens entsteht heute nicht mehr in erster Linie durch das Leiden des Künstlers an der Mentalität der Heimat Schweiz, wie dies Paul Nizon in den sechziger Jahren für die hiesige Literatur formuliert hatte. Die Enge heutiger Kulturproduktion besteht darin, eingeklemmt zu sein zwischen den Planierungsabsichten des freien Marktes, sprich: der radikalen Durchkapitalisierung aller Lebensbereiche, des Kulturbetriebs, der TV- und Radio-Redaktionen, der Freizeit Ð und andererseits den Regulierungswünschen des Staates, sprich: der Kulturförderung. Eine Kulturförderung, welche gerade in den letzten Jahren dazu neigte, sich auch immer mehr der Logik des Marktes anzupassen; Ð mit verheerenden Auswirkungen auf die kreative, innovative Musik.

Vielleicht klingt es etwas altmodisch: Ich bin aber überzeugt, jede innovative Bewegung, jede Kunst von Wert ist entstanden, gereift und gross geworden im Ringen um Autonomie und im Prozess der Befreiung. Irène Schweizer hat sich über die letzen dreissig Jahre mit beachtenswerter Hartnäckigkeit frei gespielt. Dass sie über sämtliche Stile des Jazz verfügt - vom Ragtime über Bebop bis zum freien Spiel - diente ihr zur Befreiung vom stilistischen Korsett. Dies gab und gibt ihr erst die Möglichkeit zu einer eigenen, unverkannbaren Sprache. Ihre Sensibilität für die Fragilität künstlerischer Freiheit und ihr Interesse an gesellschaftlichen und politischen Realitäten, prägen den Kosmos ihres künstlerischen Ausdrucks, geben ihrer Musik quasi Bodenhaftung.

Dafür - und selbstverständlich zum sechzigsten Geburtstag - möchte ich herzlich gratulieren. Ganz besonders freut mich, dass diese Musik von Irène Schweizer ein Publikum - wenn auch ein sehr ausgewähltes - findet; ein Publikum, das in den letzten Jahren grösser geworden ist, wie auch der erfreuliche Andrang hier im Museum zeigt. In diesem Sinne freue ich mich, dass Irène dieser Tage in ihrem Geburtsort Schaffhausen, später in Le Prese und dann im Zürcher Schauspielhaus gefeiert wird.

Laure Wyss

10. Juni, Schauspielhaus Zürich
Vor dem Duo-Konzert von Irène Schweizer mit Pierre Favre aus Anlass des 60. Geburtstags der Pianistin. Organisiert von Fabrikjazz und Intakt Records.

Meine Damen und Herren

Ich bin glücklich, zur Freude dieses Abends ein paar Worte zu sprechen – dies, obschon ich nicht vom gleichen Fach bin wie die gefeierte Musikerin. Die Tatsache jedoch, dass ich mich in einer andern Branche bewege, gibt mir vielleicht die grössere Freiheit, unbefangen meine Bewunderung für Irène Schweizer auszudrücken und meinen ganz persönlichen Dank an sie zu formulieren. Irène hat mich nämlich in meinen eigenen, den oft zögerlichen Schreibunternehmungen ernst genommen, mich angestachelt, vor allem hat sie in mir das Zutrauen in die eigene Produktion gefördert. Ihre Töne bringen mir Wörter. Ich denke, Irène hat keine Ahnung davon, darüber gesprochen haben wir nie, aber für mich ist die heute Gefeierte ein Vorbild, mehr: eine grossartige Kollegin.

Das kam so:

Vor Jahren, auf einer Zeitungsredaktion, berichtete mir ein junger Kollege von einem Konzert, das ihn am Tag zuvor tief beeindruckt hatte und fügte bei: «Du kannst dir nicht vorstellen, wie diese Pianistin aus Schaffhausen sich verändert, wenn sie in die Tasten greift, ihr Spiel macht sie zu einer total andern Person.»

Natürlich interessierte mich das, ich ging hin, ich hörte fasziniert zu, ich schaute, ich sah, wie Irène Schweizer in die Tasten griff, die Saiten ihres Instrumentes zupfte und aufs Holz schlug. Ihr Instrument wurde zum Klangkörper von vorn nach hinten, von oben bis unten. (Fachleute sagen, die Schweizer habe das europäische Instrument afrikanisiert.) Nun, ich merkte bald, dass es sich hier nicht nur um die Äusserungen eines gewaltigen Temperamentes handelt, ergreifender für mich die Veränderung der Musikerin selbst, wie wenn ihr Spiel, ihr Werk auf sie zurückschlüge, sie in eine andere Welt versetzte, eine Welt, der sie in allen Teilen gewachsen ist, die sie souverän beherrscht. Da sass bescheiden, fast ein bisschen grau, eine Musikerin, die, spielend, erstrahlt zum Weltformat. Ich begriff auch, dass eine Begabung, eine Phantasie nur dann zur grossen Wirkung gelangt, wenn sie auf exaktem Handwerk fusst. Nur auf geübtes Handwerk ist Verlass. Ich beobachtete die hohe Konzentration dieser Künstlerin, ihre Unermüdlichkeit, ihre Stetigkeit, auch ihre Treue gegenüber Mitspielenden – und sie ist unerbittlich in der Frage der Qualität. So spielt Irène Schweizer seit 30 Jahren mit dem Meister des Schlagzeugs, Pierre Favre, den wir mit grösstem Vergnügen in einigen Minuten zusammen mit Irène spielen hören.

Eine schier skurrile Erinnerung: Als Geschenk für ein junges Freundespaar, das seine Hochzeitsfeier im Wald am Pfannenstiel oben begehen wollte – ich sollte dort eine Rede halten – liess ich mir als Überraschung Irène Schweizer einfallen. «Ach so», antwortete die Angefragte, «U-Musik, für eine Hochzeit, na ja, mache ich.» Schwieriger, viel komplizierter, der Pianistin den ihr angemessenen Flügel zur richtigen Zeit, bei richtigem Wetter, in die richtige Waldlichtung zu kriegen. Die Überraschung gelang, die Gesellschaft, auf steilem Waldweglein hinunter zu einer Wegkreuzung, wo Irène Schweizer am Flügel spielte. Ein einziger Jogger überquerte das Bild. «Ist sie es wirklich? Ist sie es? Kann man sie anfassen?», wurde gefragt. Später dann kam die Überraschung für mich. Nach der Rede neues Spiel der Pianistin, ich danke ihr, sie meint trocken, war ja wohl leicht, ich improvisierte Deinen Text. «Donnerwetter», sagte ich mir, «diese Künstlerin nimmt Worte ernst».

Eine nächste Situation: Es muss 1996 gewesen sein, in der Roten Fabrik, gegen 3000 Leute, sehr viele Darbietungen gleichzeitig zum 15. Geburtstag der WoZ. Ich sollte, nach einem blendenden Konzert der Irène Schweizer mit Co Streiff, nach einer Pause im gleichen Saal Gedichte lesen, meine späten ersten. Ich ging in die Garderobe, um die Beleuchtung für meine Lesung zu besprechen, Irène sass noch da, sagte, sie bleibe, um mir zuzuhören. Es war leicht, sie zu bitten, auf der Bühne Platz zu nehmen, sich also an den Flügel zu setzen. Ich fing an, sie fiel mir passend in die Lyrik, wir spielten gleichsam zusammen, es wurde eine grosser Erfolg, das heisst, es war mäuschenstill im Saal, hinterher zeigte es sich, dass nicht ein Dutzend, sondern 700 junge Menschen zugehört hatten. So war das.

Ich möchte noch hinzufügen, dass Zürich reicher, urbaner ist, weil seit Jahrzehnten Irène Schweizer hier wohnt, sie geht durch unsere Strassen, wir können sie anfassen, wir können sie sehen, wir können mit ihr reden, auch über Feminismus z. B., wir können sie oft hören. Und heute gratulieren wir ihr zum Geburtstag und rufen ihr jubelnd zu: Herzlichen Dank, ein grosses Merci und Evviva !

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LES DIABOLIQUES. IRÈNE SCHWEIZER, MAGGIE NICOLS, JOELLE LEANDRE.
LIVE AT THE RHINEFALLS. INTAKT CD 059

Traum- bis zauberhaft!
Nicht «Les Diaboliques», sondern die «Himmlischen», kommt einem in den Sinn, wenn man die am 21. Mai 1997 auf dem Jazzfestival Schaffhausen aufgenommene Performance erlebt. Es kann auch nicht Zufall sein, dass Schaffhausen, der Heimatort Irène Schweizers, Aufführungsort war, dem sie mit ihrer Hommage «Rheingefallen», gerecht zu werden versucht.: man kann die Musik besonders gut verstehen, wenn man daran denkt, am Fusse des Rheinfalls, dieses grandiosen Naturerlebnisses, zu stehen. Schon der Einführungstitel «Mercurial drama» vermittelt das Konzept der Drei sehr umfasssend in allen Details mit atemberaubenden Spannungsbögen, sensiblen Empfindungen und Ideen, die den Hörer immmer wieder einbeziehen. Keine Hemmungen haben sie, gelegentlich in vertraute, harmonische Verhältnisse zu verfallen wie am Ende von «Almost straight ahead», ein Titel, bei dem das «Almost» schlicht eine Täuschung ist. Maggie Nicols' atemberaubende Stimme mit «Tongue talking» und vor allem dem darauffolgenden «Diverse moods' wings», im Wechsel von Sprache zu Gesang in der Beschäftigung mit einem heiklen Thema, dem Umgang mit chemischen Substanzen, zu hören, ist mehr als ein Erlebnis. Irène Schweizers rieisger musikalischer Kosmos ist ständig präsent, während Joëlle Léandre oft wie ein Saxophonsatz klingt. Man höre nur den eigentlich gar nicht beschwingten, aber mitreissenden «Valse diaboliques III», mit dem sie ihre Performance beenden: Traum- bis zauberhaft!
Hans-Jürgen von Osterhausen, Jazzpodium, März 200

Une Merveile
«Live At The Rhinefalls» est le troisième albume des Diaboliques, tous sur Intakt (après «Les Diaboliques» CD 033 et «Splitting Image» CD 048). Cet enregistrement (au festival de Schaffhausen en 97) du trio féminin improvisant est peut-être le plus abouti. La chanteuse (ballerine, danseuse à claquettes etc.) Maggie Nicols excelle dans cet art de juxtaposer les techniques vocales, aux limites d'un sprechgesang mutin et rafraîchissant. Pour chaques protagoniste, les réactions aux sollicitations extérieures sont immédiates et stupéfiantes d'à-propos, notamment dans la connivence entre Léandre et Schweizer. A cet égard, l'invention et la variété de climats proposés par la pianiste suisse est un régal (et son solo de 4'22 sur Rheingefallen témoigne de son immense talent). Evidemment, le privilège des groupes réguliers encore en plein désir et en appétence comme celui-là est la profonde et joyeuse complicité de ses membres, qui savent resserrer le timing et l'émotion avec une précision réellement diaboliques. Une merveile.
Gérard Rouy, Jazzmagazine, Paris, Mars 2001

It seems almost anachronistic to have to say it in the first year of the 21st century, but the members of Les Diaboliques are some of the best improvising musicians on the planet -- regardless of race, height, nationality or gender.
However since male chauvinism and its obverse, separatist feminism, still exist, note that the performers on this CD are all women. A veritable European Community of talents, the band consists of Swiss pianist Schweizer who has been playing "outside" for more than 30 years; French bassist Léandre, acknowledged as one of the virtuosos of instrument in both jazz and so-called new music; and Scottish singer (and tap dancer) Nicols, who matches improv vocal gymnastics with an actor/comedian's split-second timing.
Recorded live, the album approximates a Les Diaboliques concert, without the visuals of course. Thus it allows Nichols to launch a free association monologue about mood swings and mind-altering drugs on "Diverse Moods' Wings" or toss snippets of pop songs with sardonic comments on the lyrics into "Vals Diaboliques III."
The longest and more intense free-for-all is "Almost Straight Ahead," which showcases Nicols vocalizing in words, dialogue, nonsense syllables and breathes (plus a wee bit of Gaelic), recreating and politicizing nursery rhymes and other tunes. It also allows you to note how her taps aren't showoffy, but often supply a needed percussion accent. Even Léandre seems to get into the fun. Besides her limitless instrumental prowess, which minutely slips from mighty, string-bending pizzicato to stratospheric arco cries, seemingly in seconds, she adds secondary vocals, which like her playing modulates from lyric operatic-style soprano to the deepest Satchmo tones.
Meanwhile, as she does throughout the whole disc, Schweizer soldiers on in the background, providing not only steady standard scene-setting accompaniment, but often making pointed musical comments on the words and antics of the other two. Luckily she has "Rheingefallen" all to herself, where she unveils a showcase that jumps from almost formal European romanticism to skittish and playful modern jazz pianisms to straight ahead, Monkish-styled stride.
Devils or angels, these three have put some of their best music on this record.
Ken Waxman, Jazz Weekly, Canada, September 2000 http.//www.jazzweekly.com

Les Diaboliques is multi-stylistic free improvisation of the highest calibre. Their basis is free jazz but slips in and out of any number of other genres. The first track alone contains such a wealth of diverse material one wonders where they have left to visit. One need not worry though, as this level of creativity is maintained throughout. Not only is this intelligent and sensitive improvising but it is also infused with a wicked sense of humour and a palpable energy. There are no dominant personalities but rather a tangible empathy and unity of purpose - the product of many years of working together. The experience is further enhanced by the remarkable rapport they have with their audience, captured perfectly by an excellent live recording.
Bruce Coates, Rubberneck, GB, 2001
http://members.madasafish.com/~improv/cdlist8.html

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IRÈNE SCHWEIZER. THE STORMING OF THE WINTER PALACE. INTAKT CD 003

Recorded during a period when Schweizer was still immersed in her intense slash & burn style, she leads a quintet comprised of an all-star roster of free improvisers: vocalist Maggie Nicols, trombonist George Lewis, bassist Joelle Leandre, and percussionist Günter Sommer. The results are near-perfect, with each musician given ample space to solo, and with tremendous, exciting interaction among the players. Three long pieces comprise the session, which was recorded at the International-New-Jazz-Festival-Moers to great fanfare. There are constantly expanding and contracting lines, producing quick changes, while the soloists jab and dart in and out. Schweizer is brilliant, one of the most underrated piano players of the late twentieth century. Her command of the keyboard is complete, and she uses it in its entirety with great taste and bravado. Maggie Nichols is another standout, as her mostly nonsense syllables complement the horns. George Lewis, too, is a wonder on trombone, his rapidly slinking blasts adding color and panache. In fact, there are no moments that lapse. Leandre and Sommer strike a solid chord throughout, with remarkable contributions from each. {4 * stars)
Steven Loewy, All-Music Guide to Jazz, U.S.A, August 2000 http://www.allmusic.com/