Here's one meeting of refined minds that doesn't result in complacency.
Drummer Moholo-Moholo, (known formerly by just the single surname) and
pianist Marilyn Crispell have put in countless hours fashioning music
from out of nothing other than the moment. They bring that wealth of
experience to bear here in music which is by turns joyously unpredictable
and provoked into being by the imperative of that moment.
The opening "Improvise, Don't Compromise" reads like a manifesto
commitment, albeit one far less dispensable than the empty promises
of politicians. It's also the sound of two musicians coming together.
Crispell is almost tentative as she nags at a line, momentum developing
as her thoughts coalesce. This is not however to suggest that Moholo-Moholo
is merely an accompanist in this process. His cymbal work in particular
is that of a drummer for whom lightness of touch is now second nature
and the overall result is that of two musicians coming together in service
of the greater force that is their chosen medium of expression.
The track is as such a manifesto promise in itself, and what follows
is trenchant proof of their commitment. On the aptly-titled "Journey"
there's nothing in the way of hyperbole; the sound of improvisation
in its purest form is instead the order of the day and the scarcely
audible vocal interjections of both musicians have an effect similar
to that of drummer John Stevens' similar contributions to various line-ups
of the Spontaneous Music Ensemble. Crispell follows an established precedent
in going under the piano lid in search of additional colors and succeeds
in coaxing out dead, near-percussive sounds. The music takes on a feeling
of foreboding brought on by her subsequent work at the lower end of
the keyboard, Moholo-Moholo adding to the atmosphere in his own way.
"Reflect," at least in its initial passage, is the sound of
the dynamics being stripped right back regardless of the way in which
Moholo-Moholo establishes momentum almost from the off. Crispell responds
to it in a manner that's far from predictable, coming on like an abstract
Lennie Tristano in the way she spins out sometimes seemingly endless
lines only for them to fall victim to silence. Taken on its merits,
the resulting space might almost be an integral part of this music-in-the-making,
the creative processes behind it in thrall to the demands of the moment
as well as the evolving dialog.
Nic Jones, All
About Jazz, USA, Novemer 9, 2008
Kazue
Yokoi, Jazz Tokyo, November, 2008
Bill
Meyer, The Wire, London, November 2008
Es ist noch reduzierter,
doch mindestens so reichhaltig: wie das Duo Piano-Drum in 7 Stücken
von Sekunde 1 an eine sagenhafte Spannung und Dynamik aufbauen und halten
kann, ist absolut faszinierend. Nachdem Moholo 2004 aus dem Londoner
Exil wieder nach Kapstadt gezogen war, gab es einige Wiedertreffen mit
der europäischen Improv-Community, doch das erste Treffen mit Crispell
- hier dokumentiert in einer außerordentlich klaren, frischen
und begeisternden Aufnahme - fand tatsächlich erst 2007 in Baltimore
statt. Pulsierend, völlig frisch und unverkrampft, nicht kopflastig,
keinstenfalls aber kopflos, dafür komplett kongruent in den Kraftlinien
- so lässt sich diese außerordentliche Begegnung auf den
Punkt bringen. Eine definitive Sternstunde der konzentriert entfesselten
freien Musik.
"made my day" by HONKER, Terz, Deutschland, November
2008
Als LOUIS MOHOLO-MOHOLO
2005 nach Cape Town rücksiedelte,
so wie andere mit 65 in Rente gehen, schien es sein
wohl endgültiger Abschied von der Szene zu sein. Aber entgegen
dieser Befürchtung ist der Schlagzeugveteran und mit
ihm der gute Geist der Blue Notes, Brotherhood of Breath, Viva-
La-Black und des Dedication Orchestra auch diesseits des
Äquators so präsent und aktiv wie lange nicht. Heuer etwa
mit Frode Gjerstads Circulasione Totale und einem Programm
in memoriam Johnny Dyani & John Stevens in Moers
und tags zuvor in Stavanger, letztes Jahr mit Gjerstad im Trio
oder einem Quartett mit D. Burrell & W. Parker. Dabei bot sich
in Baltimore die Gelegenheit zu einem jungfräulichen Meeting
mit MARILYN CRISPELL, dokumentiert als Sibanye (We Are
One) (Intakt CD 145). Um etwas derartig Erstmaliges abzuschätzen,
vergleiche ich es unwillkürlich mit Moholos Butterfly
& Bee-Duetten mit dem Gitarristen Roger Smith und dem
Drums-Piano-Klassiker, den er 1987 mit Irene Schweizer einspielte,
genau 20 Jahre nach seiner Ankunft in London 1967
und 20 vor Baltimore 2007. Diese Zahlenspielerei verblasst
jedoch vor dem Zauber der Klänge, vor Moholos Rolls und
Ticklings, flink federnd, ständig animiert treibend, doch nicht
so manisch und insektoid wie im Plinkplonking mit Smith, und
vor Crispells entgegenkommender Imagination, die bei
'Phendula (Reply)‘ sogar eine hymnische Township-Melodie
(er)findet. Damit erweist sie direkt dem Sound Referenz, den
Moholo als einer der 'Scatterlings of Africa‘ aus den Shebeens
von Sophiatown mitgebracht hatte. Was bei ‚Improvise,
Don‘t Compromise‘ nur implizit in ihren quick gehämmerten
Arpeggios mitschwingt, und beim groovenden 'Moment of
Truth‘ exaltiert hin und her springt, wird, nachdem Moholo bei
'Journey‘ die Geister seiner einstigen Weggefährten Mongezi
Feza, Chris McGregor und Dudu Pukwana angerufen hat,
schon auf dieser 'Reise‘ zur Reminiszens an Mannenberg und
African Market Places. Crispell gibt sich dann bei 'Soze
(Never)‘ und 'Reflect‘ wieder quasi'Schweizerisch‘
und das
Titelstück zum Ausklang prägt sie mit einem sich allmählich
hochschraubenden Motiv, dem Moholos noch einmal besonders
fiebriges Drumming den entsprechenden Auftrieb gibt.
Rigobert Dittman, Bad Alchemy, Deutschland, November 2008
Only once in a great while
does a recording come along that influences my thoughts on creativity,
sound and spirituality in music. "SIBANYE" (We Are One), duets
with Louis Moholo-Moholo and Marilyn Crispell, is one of those recordings.
Confronted with the racist oppression of apartheid in South Africa,
Moholo-Moholo immigrated to Europe in 1964 and became a significant
influence on the direction of jazz and creative music in Great Britain
and throughout Europe. Now at the age of 68, he continues to create
music that celebrates the spirit of freedom while "SIBANYE"
also provides a critical argument in his belief that music is the "healing
force of the universe".
Then there is Marilyn Crispell, who in the past year has blossomed into
a new realm, reaching new spiritual levels and creative dimensions that
few ever get to experience. She is an artist best heard and experienced
live, but "SIBANYE" might finally be the recording that reflects
the power, grace and beauty of the music and spirit that is Marilyn
Crispell.
Each composition begins as a journey with both musicians always intensly
engaged, treading slowly and softly with uneven tempos and rhythms,
at times reaching tidal wave proportions of sonorous power and emotion.
And while new duets don't always mesh, in this essential recording,
Moholo-Moholo respectfully creates underlying African feels and textures
while avoiding clichés, allowing Crispell to freely glide vertically
and horizontally through the textured but open space. She has the gift
of selecting the right note, the right color when listening to silence,
painting powerful and dynamic phrases while gracefully interacting with
Moholo-Moholo's rhythmic canvas.
As is the case with most great recordings, this one has an energy and
intensity from the first note to the last and will remain a timeless
testament to the human spirit. It doesn't get much better than this.
Lloyd Peterson, All About Jazz USA and Squids Ear, November
2008
Hans-Jürgen
von Osterhausen, Jazzpodium, Dezember 2008
Erfinden kann man ja eh nix
mehr, alles hat seine Tradition, auch wenn, sagen wir, die Kombi Klavier
und Schlagzeug nicht unbedingt das wirkungsmächtigste Format der
Jazzgeschichte ist.
Auf dem Schweizer Label Intakt ist sie freilich stark vertreten, denn
dort hat die Pianistin Irène Schweizer gleich ein halbes Dutzend
solcher Einspielungen veröffentlicht – unter anderen mit
Louis Moholo, der sich jetzt Louis Moholo-Moholo nennt und mit Marilyn
Crispell am Klavier das Duo-Album „Sibanye (We are One)“
eingespielt hat.
Wer annimmt, dass hier das Schlagzeug die Beatführerschaft übernimmt,
der irrt. Auch wenn sie zunächst zart swingen, folgen die Drums
in der Art des Improvisierens eher dem Klavier als umgekehrt.
Crispells voluminöse Cluster und ihre sich zu Klangflächen
verdichtenden Patterns sind kein ruhiges Fahrwasser, mitunter gewinnt
man den Eindruck, dass hier zumindest eine Hand zu viel im Spiel ist:
Wenn das Klavier sich zu ozeanischer Hymnik aufrafft (etwa auf „Journey“),
will man dazu allenfalls Charlie Hadens Bass, aber nicht unbedingt ein
Schlagzeug hören.
Klaus Nüchtern, Falter, Wien, 22.Oktobe 2008
The spirit of discovery
and a sense of joy are palpable on this extraordinary first encounter
between South African drummer Moholo-Moholo and pianist Crispell. They
almost instantly find that they are free to go wherever they please
in one another’s company, and the music quickly grows expansive
and adventurous. Moholo, weaves rhythms freely over a foundation of
stated, or more often, implied South African rhythms, which sound out
from the bass drum like the thumping of his heart. Crispell mines her
recently discovered vein of deep lyricism to heartbreaking effect, paying
attention to the shape and color of her notes and chords, weighing silence
and sound, and breaking into energized flourishes over the keyboard
when tempos pick up. From the start, they sound eager to create and
explore, and thoroughly pleased with their partner’s contributions
to the joint musical enterprise. Moholo conversationally tosses quick
snickety rim shots into the silence between Crispell’s chiming
notes, while Crispell’s 88 tuned drums sound like an extension
of Moholo’s traps. Sometimes they follow parallel paths, looking
up from their work and waving hello to each other with a soft cymbal
splash or brilliant note cluster. The music is buoyant, almost giddy
with the sheer joy of creation. Unexpected confluences and serendipitous
incidents crowd one another as they play. On “Moment of Truth,”
drum and piano sound like extensions of each other and Crispell’s
dissonant chords have rarely sounded so ravishing. “Journey”
begins with Moholo mournfully intoning the names of his dead mates in
the Blue Notes—Mongezi Feza, Dudu Pukwana, Chris McGregor—
as Crispell accompanies with dark, funereal chords. But sorrow gives
way to beauty half way through, as Crispell improvising flowers into
some of the most rapturous music she’s ever recorded and Moholo’s
pulse quickens and floats. On “Soze (Never)” Crispell locks
onto Moholo’s bass drum pattern and they roll and tumble over
it in nearly physical joy. “Phendula (Reply)” melds gospel
and blues to South African beats then stretches and pulls the initial
ideas into ever more abstract patterns. But it’s the sense of
sudden recognition, of baring hidden sadness and sharing common joys,
of genuine surprise and gladness that lifts this performance beyond
the mere mechanics of free improvisation into something majestic and
touchingly human. A tremendous album.
Ed Hazell, pointofdeparture,
USA, December, 2008
These two titans of jazz-based
improv had never played together before last year and their first meeting
results in one of the greatest jazz discs of the year. As one would
expect, this is a completely free improvisation but it’s so chock
full of those circular post-Cecil motifs at which Crispell excels that
you get swept up in the music’s internal logic. Both players have
tremendous rhythmic dexterity but Crispell revels in this opportunity
to lay down some heavy flurries and spontaneous melodies, which remain
just this side of maudlin. Moholo-Moholo sure doesn’t play like
someone in his mid-70s; his overall attack is lighter but this just
brings out the myriad subtleties in his playing while remaining fleet.
He is imbued with such swing that Crispell’s clusters gain major
momentum; the duo setting allows him to really focus on tone as well.
The dark cymbal work of “Improvise, Don’t Compromise”
and the inquisitive, delicate tom work on “Reflect” are
two instances where Moholo shows us something new, even after more than
40 years of recording. But the true triumphs of this record are the
frequent supercharged energy interchanges found in “Moment Of
Truth” and “Phendula,” where the combination of rhythm
and melody is a physically joyous experience.
David Dacks, Destination Out, Dezember 2008
Rolf
Thomas, Jazzthetik, Deutschland, Dezember 2008
Jacques
Denis, Jazzman, France, Dezember 2008
Sobre sus inicios
NOBU STOWE: Por favor, háblanos de tus antecedentes musicales.
He leído que no empezaste a tocar jazz hasta los 28 años.
MARILYN CRISPELL: Bueno, me casé cuando estaba en cuarto año
de conservatorio. Estuve casada seis años. Cuando me casé,
no tocaba música. Y tras separarme conocí a otro hombre
con el que viví durante tres años. Este hombre era pianista
de jazz y tenía una colección de discos increíble.
Su colección estaba centrada en gran medida en el jazz “moderno”.
NOBU STOWE: ¿Por ejemplo?
MARILYN CRISPELL: Cecil Taylor, Ornette Coleman…
NOBU STOWE: Así pues, tenía una mayoría de discos
de jazz de vanguardia y free…
MARILYN CRISPELL: Sí, y era una música que me encantaba…
Podía ver la conexión entre esa música y la que
yo componía, que era “clásica contemporánea”.
Tienen una estética similar. Una noche en que mi compañero
había salido del apartamento, puse A Love Supreme (Impulse),
de John Coltrane. Y sucedió algo. Fue experiencia increíble…
Todo mi mundo cambió esa noche.
NOBU STOWE: ¿Debido a A Love Supreme?
MARILYN CRISPELL: Sí, por la música que escuché
esa noche. Sentí que ése era el propósito de mi
vida, ya sabes: “¡tengo que tocar esa música!”
Así que esa noche me convertí en músico de jazz…
bueno, sólo en mi fuero interno. Encontré a un profesor
en Boston, Charlie Banacos… Daba clases en Berklee, en Boston.
Pero cuando le contacté, ya no era profesor del conservatorio:
daba clases privadas.
NOBU STOWE: ¿Era pianista?
MARILYN CRISPELL: Sí, era pianista y sus estudiantes tenían
que tocar jazz tradicional. Estudié con él dos años,
aunque no estaba interesada en tocar un estilo tradicional.
NOBU STOWE: ¿Tradicional?… ¿Te refieres a pianistas
como Bill Evans?
MARILYN CRISPELL: Me gusta Bill Evans, pero me interesaba más
la vanguardia. Sin embargo, consideraba que era importante aprender
la “tradición”. Es una cuestión de respeto
conocer al menos un poco de su historia…
NOBU STOWE: ¿Te refieres a la historia del jazz?
MARILYN CRISPELL: Sí, la historia, la tradición, algo
así…Así pues, estudié jazz tradicional con
ese profesor durante dos años. Luego conocí a un saxofonista
que también estudiaba entonces en Berklee. Era Charlie Mariano.
NOBU STOWE: ¡Ah!, Charlie Mariano…
MARILYN CRISPELL: Charlie me dijo: “debes ir a Woodstock. Allí
hay una escuela donde tocan el tipo de música en el que estás
interesada”. Se refería a la escuela de Karl Berger.
NOBU STOWE: ¿El Creative Music Studio de Karl Berger?
MARILYN CRISPELL: Sí… Karl tenía un estudio y una
escuela fantásticos. Por desgracia, el Creative Music Studio
ya no existe: cerró en los ochenta por falta de dinero. Pero
ahora están reuniendo los archivos de todos los conciertos que
tuvieron lugar allí.
NOBU STOWE: Así que te mudaste a Woodstock… ¿Y cómo
entraste en contacto con Anthony Braxton? ¿Una vez que te instalaste
en Woodstock?
MARILYN CRISPELL: Bueno, cuando me mudé a Woodstock y empecé
a estudiar en la escuela, Braxton era uno de los profesores y también
vivía allí. Me escuchó tocar en un taller y me
propuso tocar con él.
NOBU STOWE: ¿Esto fue a finales de los setenta?
MARILYN CRISPELL: Creo que fue hacia 1977. En la escuela, cada profesor
traía su propia música y tocaba con varios conjuntos a
lo largo de la semana. Al final de la semana, había un concierto
a cargo del profesor con los estudiantes. Braxton y yo tocamos un concierto
a dúo y, al final de dicho concierto, anunció: “esta
es mi nueva pianista”.
NOBU STOWE: ¿Y así entraste a formar parte de su grupo?
MARILYN CRISPELL: Sí. Me convertí en la pianista de su
Creative Orchestra que se fue de gira a Europa poco después.
Y fue mi primer trabajo profesional con él.
NOBU STOWE: ¿Habías tocado como músico profesional
antes?
MARILYN CRISPELL: La verdad es que no… Algún concierto
y alguna que otra cosa. La gira con la Creative Orchestra fue mi primer
bolo profesional, mi primer viaje a Europa. Yo tenía 30 años.
Cuando entré a formar parte del cuarteto de Braxton, Gerry Hemingway
era el batería. John Lindberg fue el bajista durante un tiempo
y luego Mark Dresser le sustituyó. Y el cuarteto permaneció
junto alrededor de diez años.
NOBU STOWE: ¿Qué aporto a tu música, conceptualmente,
la experiencia de tocar con Anthony Braxton? ¿Qué aprendiste?
MARILYN CRISPELL: Un sentido de la composición, un sentido de
cómo utilizar el espacio y el silencio, de cómo tocar
en un grupo… Cómo escuchar, también el concepto
de que “diferentes cosas pueden suceder a la vez”, aunque
yo ya seguía este concepto antes de conocer a Braxton. Por ejemplo,
cuando dos personas tocan un “solo” a la vez, cada uno escucha
la música del otro pero no depende de lo que hace el otro. Cuando
estudiaba en Peabody (instituto de música de Baltimore), para
ir a clase pasaba por un parque junto al conservatorio. En primavera
y en verano, las ventanas del conservatorio estaban abiertas. Se podía
oír a la gente practicar por separado todo tipo de cosas y yo
me encontraba en medio de todos estos sonidos. Me encantaban esos sonidos
y todas esas cosas que ocurrían a la vez. En cierto modo, para
mí todos esos sonidos estaban conectados entre sí.©
2008 Hirohiko Kamiyama
NOBU STOWE: ¿Como un “collage”?
MARILYN CRISPELL: Sí, como un “collage”: si ves el
conjunto, cada sonido está relacionado. Aunque originalmente
cada sonido no estuviera conectado con los demás, los sonidos
se habían conectado entre sí y creado un “conjunto”.
Pero la violinista en una sala no escuchaba al pianista en otra sala.
Era una violinista que practicaba por su cuenta. Pero cuando un observador
caminaba por el parque y oía todos esos sonidos independientes,
cada sonido pasaba a estar interconectado y creaba una nueva música.
Yo y Braxton compartíamos ese concepto.
NOBU STOWE: También has dicho que aprendiste de Braxton cómo
escuchar a los demás.
MARILYN CRISPELL: Sí, aprendí como escuchar en un conjunto.
NOBU STOWE: Me pregunto cómo el concepto del “collage”
es compatible con el hecho de tocar de forma colectiva en un grupo,
basado en la capacidad o en el concepto de “escucharse entre sí”…
MARILYN CRISPELL: Bueno, mientras ocurre esto del “collage”,
tienes que escuchar a los demás. Es decir, que escuchas lo que
tocan los demás pero, al mismo tiempo, tienes que ser “independiente”.
Por ejemplo, si tocaba algo demasiado parecido a lo que Braxton tocaba,
él me decía: “¡no, no, toca algo distinto!”
NOBU STOWE: ¿Y si tocas demasiado “out”? Me refiero
a algo demasiado “independiente” o “desconectado”
de lo que los demás tocan. Me da la impresión de que para
lograr este concepto del “collage”, los músicos no
pueden estar demasiado alejados de los demás. Es decir que, para
desarrollar el concepto del “collage” en su totalidad, cada
elemento que emite un sonido debe compartir una especie de “territorio
común”. Cada músico en el grupo debe seguir, más
o menos, “la misma página”.
MARILYN CRISPELL: Sí, por ejemplo, a veces Braxton decía:
“ahora voy a tocar un solo de saxo y por detrás de este
solo tu tocas la parte de piano que está escrita”. Así
pues, había dos solos a la vez. Al igual que cuando acompañas,
escuchas dentro de esa situación concreta… Pero al mismo
tiempo, no es como escuchar cuando estás acompañando de
un modo tradicional.
NOBU STOWE: Por lo tanto, es un modo de “escuchar” diferente
a “escuchar mientras acompañas”. Como sabes, también
toco el piano e improviso. Cuando improviso con otros músicos,
a menudo siento frustración porque tengo la impresión
de luchar con otros “solistas”. Me parece bien que todo
el mundo improvise o realice solos de un modo independiente pero, salvo
si se establece una especie de “orden” en la música,
de forma casual o intencionada, las improvisaciones colectivas o independientes
a menudo conducen a un “caos desorganizado” o a notas aleatorias,
lo que para mí es antimusical (opuesto a un “caos organizado”).
Pero estas improvisaciones por separado pueden ser puestas en un contexto
“común” –basado en la acción de “escuchar”–
para lograr un significado musical colectivo… el concepto del
“collage”.
MARILYN CRISPELL: Sí, hay que lograr escuchar lo que están
tocando los demás y tocar tu propia improvisación al mismo
tiempo.
NOBU STOWE: Entiendo. Aunque la improvisación de cada músico
debe ser independiente, las improvisaciones individuales en un conjunto,
y en un momento determinado, deben integrarse en un contexto colectivo.
MARILYN CRISPELL: Sí.
NOBU STOWE: De acuerdo. Me gustaría hacerte otra pregunta: tras
20 años de… ¿Cuándo dejaste de tocar con
Braxton?
MARILYN CRISPELL: Ah…Al principio de los noventa. Pero no me fui.
Braxton decidió que teníamos que hacer algo distinto porque
el cuarteto ya llevaba demasiado tiempo en funcionamiento. Por entonces
el grupo ya había grabado 12 discos. Creo que tenía esa
sensación que ocurre cuando conoces a alguien demasiado bien:
como grupo nos habíamos vuelto demasiado previsibles. Yo no estoy
de acuerdo. Para mí es como en una relación: si convives
con alguien durante diez años, algunas cosas pueden volverse
muy previsibles, pero también sabes lo que el otro va a decir
al despertarse, por ejemplo. En cierto modo compartes cierta capacidad
“telepática”. Considero que llegas a ese punto y
luego puedes ir más allá, cada vez más lejos. Pero
creo que mucha gente no tiene la paciencia de ir lejos. Y a mí,
al igual que los demás miembros del grupo, me defraudó
mucho cuando Braxton nos anunció su decisión y disolvió
el cuarteto. Quedé sumamente defraudada.
NOBU STOWE: Lo que dices me recuerda a Keith Jarrett. Como sabes, Keith
mantiene su trío con Gary Peacock y Jack DeJohnette desde hace
25 años. En la entrevista que le hice, pregunté a Keith
qué haría si le ocurría algo a Gary o Jack. Me
dijo que no sabía lo que haría, porque ese trío
es totalmente único y no podría sustituir a ninguno de
los dos.
MARILYN CRISPELL: Sí, son insustituibles. Sabes que toco con
Paul Motian…
NOBU STOWE: Sí, iba a preguntarte por él…
MARILYN CRISPELL: No creo que pudiera sustituir a Paul en mi trío…
Pero, por supuesto, nadie puede sustituir a Mark Helias o a Gary Peacock.
Son muy diferentes y completamente únicos.
Sobre ECM
NOBU STOWE: Ahora que has mencionado a Paul Motian… En tus primeros
tres discos para ECM, tocaste con Paul. ¿Fue elección
tuya o…?
MARILYN CRISPELL: Sí, fue elección mía. Ya había
tocado con Paul antes de grabar mi primer disco (Nothing Ever Was, Anyway
con Gary Peacock al contrabajo) para ECM. Paul tocó en un disco
mío anterior, Live in Zurich (Leo Records), con Reggie Workman.
Siempre me había gustado la música de Annette Peacock,
mucho antes de grabar mi primer disco para ECM. El hombre que me introdujo
en el jazz tenía algunos discos de Paul Bley que incluían
composiciones de Annette Peacock. Escuché esos discos y descubrí
la música de Annette. Me gustaban las composiciones de Annette
porque me recordaban la música clásica de vanguardia,
la música con la que ya estaba familiarizada. Pero tenían
algo más. Annette es autodidacta, y esa es una de las razones
que hace que sea tan original y única. Me enteré de que
se había mudado a Woodstock, así que la llamé y
nos hicimos amigas.
NOBU STOWE: Así pues, Annette también vive en Woodstock.
MARILYN CRISPELL: Sí, y un día, se me ocurrió realizar
un disco con composiciones suyas. Pensé hacerlo a piano solo.
Pero luego pregunté a Paul (Motian) si quería participar.
NOBU STOWE: ¿Era una idea para ECM?
MARILYN CRISPELL: No. Todavía no sabía a qué compañía
ofrecérselo. Le conté la idea a Annette y me dijo: “Gary
(Peacock) sería el candidato perfecto para el bajo… Gary
vive a una hora de aquí, puedo preguntárselo.”
NOBU STOWE: ¿Siguen en contacto?
MARILYN CRISPELL: Sólo se hablan de vez en cuando. No están
enemistados ni nada de eso… se siguen llevando bien. El caso es
que pensé que era un proyecto muy bueno para ECM. Yo no había
grabado para ECM, pero tampoco había tenido antes un proyecto
adecuado que proponerles. Pero esta idea parecía apropiada. Así
que envié un fax a Manfred (Eicher). Le dije que tenía
un proyecto con Paul Motian y Gary Peacock para grabar composiciones
de Annette Peacock. “Quería ofrecértelo a ti primero,
por si te podía interesar”. Y cuatro horas más tarde
me dijo que sí. Así empezó todo.
NOBU STOWE: ¿Conocías ya a Manfred?
MARILYN CRISPELL: No.
NOBU STOWE: ¿Cómo se ha reflejado la influencia de Manfred
Eicher en los discos que has grabado para ECM? Tus grabaciones anteriores
eran más vanguardistas que tus discos recientes para ECM. ¿Refleja
este cambio el “enfoque” del productor sobre tu música?
MARILYN CRISPELL: Bueno… Esta es una historia un poco larga. En
1992, viajé a Escandinavia por primera vez y toqué en
un festival en Suecia. En dicho festival pude escuchar a muchos músicos
escandinavos. Allí escuché a Anders Jormin, un fantástico
contrabajista, y también a Barry Guy por primera vez. La música
que tocaron los músicos escandinavos me conmovió. Me afectó
muy profundamente, me transmitió un sentimiento de gran ternura,
maravilloso…
NOBU STOWE: ¿Tocaban una música de raíz más
folclórica?
MARILYN CRISPELL: Sí, a veces parecía música del
folclore escandinavo…
NOBU STOWE: ¿Con el tipo de melodías que toca Jan Garbarek?
MARILYN CRISPELL: Sí. La música escandinava tocó
una fibra muy íntima dentro de mí… Algo que estaba
esperando o que necesitaba ser despertado. Creo que ese fue el comienzo
de la “transformación” de mi música hacia
un aspecto más melódico. Así pues, escuché
esa música y, dos años después, me volvieron a
invitar para tocar con músicos suecos. Elegí a Anders
Jormin y a Raymond Strid. Tocamos un montón de improvisaciones,
pero también algunas composiciones de Anders y mías. Anders
es un compositor maravilloso. A través de Anders y de otros músicos
que conocí allí, descubrí un montón de música
escandinava. Por lo tanto, al igual que A Love Supreme de John Coltrane
me conmovió y me transformó, la música escandinava
me conmovió y transformó cosas dentro de mí. Y
eso ya ocurría antes de ECM. Así que cuando tuve la idea
de tocar las composiciones de Annette, ya iba en esa dirección.
ECM fue una elección natural para esta “nueva” dirección.
No es que cambiase mi música para adaptarme a la música
de ECM, sino más bien que elegí ECM porque mi música
ya había tomado esa dirección, sin abandonar lo que había
hecho antes pero dándole una nueva dimensión.
NOBU STOWE: ¿Cuál fue el papel de Manfred Eicher en este
“cambio”?
MARILYN CRISPELL: Manfred es un productor. Tiene una idea clara de cómo
debe sonar la música. Marca una dirección para la música.
Por ejemplo, cuando la música se volvía demasiado “salvaje”,
a Manfred no le gustaba. Pero, al mismo tiempo, me alentaba a mostrar
todos los aspectos de mi música. Y esto incluye mi lado “salvaje”.
A veces Manfred decía: “no creo que esto funcione”.
Y yo le respondía: “pero es un buen tema, me encantaría
incluirlo”. Y volvía a escucharlo y conseguía encontrar
el lugar adecuado para meterlo en el disco. Cada vez que yo quise incluir
un tema, Manfred siempre lo aceptó. Así que se ha portado
muy bien conmigo. Pero si no le gusta algo, te lo dice a las claras.
NOBU STOWE: ¿Tu actitud hacia ECM es distinta de tu actitud hacia
otros sellos? Digo esto por el concierto que grabaste a dúo con
Louis Moholo, que creo que pronto se publicará en Intakt. Era
en directo, no en estudio, pero tu música era más “free”
que la que has grabado para ECM.
MARILYN CRISPELL: Bueno, diría que en un estudio mi disposición
mental es diferente a la que tengo en directo. Para ECM, he grabado
en estudio. En el estudio tengo la posibilidad de volver a escuchar
la música. Y si no me gusta, puedo cambiar alguna cosa. En directo
es distinto. Alguien dijo una vez que “tocar en directo es como
estar en un circo caminando sobre la cuerda floja sin red”. ¡En
directo, o eres muy bueno o te caes!
NOBU STOWE: Supongo que te refieres a que en directo, para ti debe prevalecer
la espontaneidad sobre la perfección, mientras que en el estudio
buscas la perfección…
MARILYN CRISPELL: Sí. Por supuesto, la espontaneidad también
es muy importante en estudio, pero hay más espacio para la “perfección”.
NOBU STOWE: ¿Te gusta el aspecto visual de los discos de ECM?
MARILYN CRISPELL: Me encanta.
NOBU STOWE: ¿Diste tu opinión a la hora de elegir la portada
de tus discos?
MARILYN CRISPELL: No, no lo hice, pero tampoco pedí hacerlo.
Pero me gustan mucho las portadas de mis discos. Son sombrías,
melancólicas… casan bien con la música.Marilyn Crispell
- Vignettes (ECM 2027)
SobreVignettes (ECM)
NOBU STOWE: Me gustaría hablar de tu nuevo disco Vignettes (ECM).
¿Los temas de este disco están totalmente improvisados
o basados en composiciones?
MARILYN CRISPELL: La mayoría fueron totalmente improvisados.
Dos canciones son composiciones de otros y dos son mías.
NOBU STOWE: ¿Qué temas compusiste?
MARILYN CRISPELL: Compuse “Once” y “Valse Triste”.
Compuse “Valse Triste” en Suiza, siendo “artista residente”
en el Centro Durenmatt de Neuchâtel. La idea era pasar allí
una semana, admirar las obras de arte, los paisajes y realizar un concierto
al final basado en mis impresiones. Compuse este tema para ese concierto.
El otro tema, “Once”, lo compuse hace un año. Tenía
más material compuesto para este disco, pero al final no lo utilicé.
Algunas de las improvisaciones estaban basadas en “temas”
que toqué previamente, en un concierto o mientras practicaba.
Pero no escribí estos temas antes de la grabación.
NOBU STOWE: Así pues, empezaste algunas improvisaciones basadas
en “bocetos” que habías hecho antes.
MARILYN CRISPELL: Sí.
NOBU STOWE: ¿Por qué decidiste titular el disco así
como algunos temas Vignettes?
MARILYN CRISPELL: “Vignettes” [N. del T.: viñetas,
esbozos] son pequeños dibujos. Tenía esta imagen: “caminar
por un vestíbulo, abrir diferentes puertas y mirar las diferentes
imágenes que hay detrás de esas puertas”. Quería
que cada una de esas piezas así como el disco representasen diferentes
imágenes. Pero no decidí llamar a esas piezas o al disco
Vignettes hasta más tarde. No di los títulos a las piezas
improvisadas hasta que las escuché grabadas. Luego surgieron
los nombres para la música.
NOBU STOWE: Noto cierta continuidad de “Vignette I” a “Vignette
VII”. ¿Pretendías crear una “suite”
cuando improvisaste esas piezas?
MARILYN CRISPELL: Siempre considero que un disco es como una “suite”.
NOBU STOWE: Pero entonces, ¿por qué has titulado algunas
piezas “Vignettes” y no las otras piezas?
MARILYN CRISPELL: Porque “Vignettes” era más corto,
más abstracto… Son como “colores”. Así
que las agrupé. También traté que sonasen diferentes
de las demás piezas, con diferentes sentimientos.
NOBU STOWE: Las siete “Vignettes” me recuerdan a algunas
piezas de Microcosmos de Bela Bartok…
MARILYN CRISPELL: ¡Eso es bueno! Comprendo a qué te refieres…
NOBU STOWE: Para ECM, grabaste un disco dedicado a composiciones de
Annette Peacock. Para Leo Records, grabaste un disco con composiciones
de John Coltrane. ¿Tienes algún proyecto similar de cara
al futuro, un disco basado en un determinado compositor?
MARILYN CRISPELL: Por ahora no.
NOBU STOWE: Tengo la impresión de que tu música, sobre
todo tus discos para ECM, se ha vuelto cada vez más “tonal”,
a diferencia de tus trabajos más antiguos que tendían
a ser más ‘atonales’… ¿Cuál es
la razón para este cambio?
MARILYN CRISPELL: Simplemente ha ocurrido así… Me apetecía
más tocar con este tipo de “tonalidad”, pero no siempre
es así. Me sigue gustando el aspecto atonal de la música.
Me he dado cuenta de que incluso en temas que no son “líricos”,
me refiero a piezas más rítmicas y abstractas, a menudo
utilizo diferentes tipos de tonalidades.
NOBU STOWE: ¿Te refieres a “politonalidad”?
MARILYN CRISPELL: Sí, en oposición a completamente “atonal”.
Me sigue gustando tocar música completamente atonal, a veces.
Pero, con la edad, me gusta tocar lo que me apetece, en oposición
a “lo que debería tocar”. Cuando era más joven,
en ocasiones quería tocar música más lírica,
pero no lo hacía porque tenía la impresión de que
debía tocar del otro modo y conservar cierta “pureza”.
Y además estaba muy metida en una música con mucha energía.
Pero incluso entonces, de vez en cuando componía música
muy lírica, aunque nunca tocaba esas composiciones.
NOBU STOWE: Una de las cosas que te diferencia de otros músicos
pertenecientes a la “improvisación libre” es que,
en tu música, la “tradición” es un componente
importante.
MARILYN CRISPELL: Sí, creo que es verdad. Cuando empecé
a tocar jazz, intenté deshacerme de la influencia de la música
clásica. Además, mi profesor en Boston me hacía
tocar el piano utilizando un solo dedo, para eliminar la técnica
clásica de digitación fluida. Pero ahora, intento incorporar
todos los aspectos, porque todo ello forma parte de mi vida y refleja
lo que soy. Y la música clásica es un elemento integrante.
Creo que ese elemento “tradicional” es más pronunciado
en mi música ahora.
NOBU STOWE: ¿Cuál es tu compositor favorito?
MARILYN CRISPELL: Bach y Mozart. Me sigue encantando tocar a Bach. Es
mi compositor favorito y también tiene una gran influencia en
mi forma de improvisar. También me gusta todo lo que compuso
Mozart… También me gusta la “música antigua”,
la música barroca.
NOBU STOWE: ¿Tienes algún compositor favorito dentro del
jazz?
MARILYN CRISPELL: Sí… Coltrane, Bill Evans, Abdullah Ibrahim…
Me gustan mucho. Cecil Taylor, por supuesto. Annette Peacock, Anthony
Braxton, Leo Smith… Me gustan las composiciones de Paul Motian.
Me gustan las composiciones de Mark Helias.© 2008 Hirohiko Kamiyama
NOBU STOWE: ¿Y Keith Jarrett?
MARILYN CRISPELL: ¿Keith? Sí.
NOBU STOWE: Lo digo basándome únicamente en mi impresión,
pero algunos de los temas de Vignettes me recuerdan a los de Keith Jarrett…
MARILYN CRISPELL: Bueno, para mí es un cumplido.
NOBU STOWE: Me imagino que se debe a que tanto Keith como tú
estáis muy influidos por Bach, junto con otros compositores clásicos.
Vuestros “voicings” son parecidos.
MARILYN CRISPELL: Estoy de acuerdo, salvo que Keith también incorpora
un toque “góspel”, lo que no hay en mi música.
NOBU STOWE: Sí, y otra diferencia entre Keith y tú, es
que no haces esos “ruidos” cuando tocas… (risas).
MARILYN CRISPELL: Sí (risas). También me encantan músicos
europeos. Anders Jormin, Bobo Stenson, John Taylor, Tomasz Stanko…
Y Joachim Kühn… Me gustan mucho. También me ha influido
mucho la música africana.
NOBU STOWE: ¿Qué tipo de música africana?
MARILYN CRISPELL: De todo tipo: tradicional y contemporánea.
Oh, y también me encanta la música de Ornette Coleman
y la de Sun Ra.
NOBU STOWE: ¿Y Paul Bley?
MARILYN CRISPELL: Me gustan más sus discos antiguos. Le considero
un músico muy original. Desde luego que me ha influido.
NOBU STOWE: Cuando tocaste en el Village Vanguard el año pasado,
tocaste algunas composiciones de Agustí Fernández. ¿Qué
composiciones de Agustí tocaste?
MARILYN CRISPELL: “Please Let Me Sleep”. Me encanta esa
canción. La primera vez que escuché ese tema fue en el
maravilloso disco Aurora (Maya Records) que Agustí grabó
con Barry Guy y ese percusionista español… que se llama…
no recuerdo su nombre.
NOBU STOWE: ¿Ramón López?
MARILYN CRISPELL: ¡Sí, Ramón! Ese disco es maravilloso.
Incluye composiciones de Agustí y tiene un fuerte toque “catalán”.
Me encanta esa composición, “Please Let Me Sleep”.
Lo interesante es que pregunté a Agustí si podía
tocar esa composición. Agustí me dijo que sí y
le pedí que me enviase la partitura. Pero Agustí tardó
mucho, así que la tuve que transcribir. Y finalmente, la partitura
de Agustí llegó y descubrí que lo que yo creía
que eran maravillosas melodías compuestas eran improvisaciones
suyas. La música compuesta por Agustí no son más
que unos pocos acordes. Pero me encanta esa grabación, así
que toco exactamente lo que Agustí improvisó como tema.
NOBU STOWE: ¿Cómo conociste a Agustí?
MARILYN CRISPELL: Hace años, me invitó a ir a Barcelona
y realizamos un concierto a dúo. Más tarde, recomendé
a Agustí para sustituirme en la Barry Guy’s New Orchestra,
un grupo con diez músicos. Pero sigo tocando con Barry en trío
con Paul Lytton.Louis Moholo - Moholo
Duets With Marilyn Crispell - Sibanye (We Are One) (Intakt cd 145)
NOBU STOWE: En “An die Musik” en Baltimore, hiciste un concierto
a dúo con el batería surafricano Louis Moholo (ahora conocido
como Louis Moholo-Moholo). El concierto se grabó y se publica
en noviembre de 2008 por Intakt. ¿Habías tocado con Louis
antes de este concierto? ¿Qué opinas de ese dúo
y del próximo disco? ¿Tienes previsto volver a tocar con
él pronto?
MARILYN CRISPELL: Toqué una vez con Louis, hace mucho tiempo
en Zúrich… Fueron tan sólo uno o dos temas en un
festival dedicado al piano. Me encantó tocar con él en
Baltimore. Aportaba los ritmos y un fuerte sentimiento africano, todo
ello combinado con el "free jazz". Tengo ganas de realizar
alguna gira juntos ahora que el CD va a salir.
NOBU STOWE: ¿Cuáles son tus proyectos en curso, así
como los venideros?
MARILYN CRISPELL: Tengo previstos un montón de conciertos en
solitario así como giras con Lotte Anker (una saxofonista danesa)
y Raymond Strid, Michele Rabbia (un batería italiano) y Vincent
Courtois (chelista francés), Joëlle Léandre (contrabajista
francesa), John Geggie y Nick Frazer (bajista y batería canadienses,
respectivamente)… También tengo proyectos con Agustí
Fernández y Barry Guy en Barcelona para el año que viene
y con Norman Adams y Jeff Reilly (chelista y clarinetista canadienses,
respectivamente) en Nueva Escocia, también el año próximo.
Tengo una página web (www.marilyncrispell.com) en la que aparecen
la mayoría de los conciertos en la agenda.
NOBU STOWE: Muchas gracias. He podido hacerte todas las preguntas que
había preparado.
MARILYN CRISPELL: Eso está bien… El placer ha sido mío.
Nobu
Stowe, tomajazz.com, Spain, Dezember 2008
Rien, apparemment, ne semblait
pouvoir les réunir. Lui, l’Africain, que ses nombreuses
années d’exil auprès de ses camarades des Blue Notes
et du Brotherhood of Breath pourraient presque faire oublier à
quel point il demeure un partenaire unique pour Irène Schweizer,
Evan Parker, Cecil Taylor ou Peter Brötzmann, et un styliste incontournable
de l’histoire du jazz. Elle, l’Américaine nourrie
(et multi-diplômée) par l’institution classique,
interprète de compositeurs contemporains, instigatrice de merveilleux
trios de jazz avec piano, et consoeur de nombreux « polymusiciens
» tels qu’Anthony Braxton, Barry Guy, Paul Motian, Anders
Jormin ou Reggie Workman. Leur unique rencontre eut lieu lors d’un
concert à Baltimore en 2007, où ce CD fut enregistré,
après une brève balance du son, sans la moindre indication
de ce qui allait se produire — irremplaçable privilège
de l’improvisation libre. Dès les premières secondes
de Improvise, Don’t Compromise, on comprend qu’on est loin
de ce que l’on s’attendait à entendre : Crispell
pose lentement des notes isolées par petites touches pensives
tandis que le batteur procède par frémissements de cymbales
et roulements torsadés. Petit à petit, l’émotion
s’installe dans cet échange retenu en forme de première
prise de contact... Pendant que Moholo-Moholo (qui a mis un trait d’union
à son nom après le décès de sa mère,
selon la coutume sud-africaine) évoque doucement par le verbe
les noms de ses anciens compagnons et psalmodie au début de Journey,
une merveilleuse tension se noue d’où s’échappent
des bouffées de lyrisme néo-coltranien sous les doigts
de la pianiste. Et chaque nouvelle pièce instaure de nouvelles
directions. Comment qualifier en effet cette superbe mélodie
(aux accents si africains) qui jaillit de l’imagination de la
pianiste dans Phendula (Reply) ? Et comment rester insensible à
l’exceptionnelle qualité de frappe du drummer ? Ici, la
grâce surgit du tumulte. Leur musique est universelle, la magie
est totale.
Gérard Rouy, Discque d'émois. Jazzmagazine,
Paris, Décembre 2008
Alfred
Krondraf, Concerto, Österreich, Dezember 2008 / Januar 2009
Nach mehreren ECM-Veröffentlichungen
am Rand des (relativ, aber immerhin) Geschmäcklerischen bewegt
sich Marilyn Crispell hier wieder auf der Höhe ihrer Kunstfertigkeit.
Im ersten Aufeinandertreffen mit dem genialen Trommler Louis Moholo-Moholo,
live aufgenommen im Club „An die Musik“(!) von Baltimore/USA,
zündet sie ein Feuerwerk an Inspiration, Intensität und Interaktion.
Schüttelt den Einfallsreichtum nur so aus dem Ärmel, lotet
die Grenzen der so genannten Tonalität in beiden Extremen aus,
vom Vorschlaghammer bis zur Hinterglasmalerei. Der Südafrikaner
Moholo, neuerdings Moholo-Moholo (eine Fortsetzungsgeschichte?), erdet
die fliegenden Ideen Crispells mit schwerer Substanz oder treibt sie,
je nachdem, noch weiter in die Lüfte. Ein unglaublich stimulierendes
Duo, das Moholo-Moholo stellenweise zu Vokalausbrüchen hinreißen
lässt. In den zahlreichen magischen Momenten wie nicht von dieser
Welt. Outer space. Große Klasse.
Andreas Fellinger; Freistil, Österreich, 2008
In de zomer van 2007 was
een jazzfestival in Baltimore het toneel voor een opmerkelijke primeur.
Drummer Louis Moholo-Moholo en pianiste Marilyn Crispell stonden namelijk
voor het eerst in hun lange carrière samen op een podium. Door
een speling van het lot waren de muzikale wegen van deze jazz- en improvisatiegrootheden
blijkbaar nooit eerder samengekomen. Het concert was een memorabele
gebeurtenis die gelukkig ook werd opgenomen. Onder de titel 'Sibanye'
wordt dit nu op cd uitgebracht zodat iedereen dit geweldige concert
kan herbeleven.
Louis Moholo-Moholo maakte in het Zuid-Afrika van de jaren zestig deel
uit van het freejazz sextet The Blue Notes. Omwille van het apartheidsregime
(dat de raciale mix binnen deze groep maar weinig kon appreciëren)
trok de band naar Europa waar tot in de late jaren zeventig grote successen
werden geboekt. Tijdens die periode was Moholo-Moholo ook actief aan
de zijde van onder andere Peter Brötzmann en Steve Lacy. Al die
ervaringen bundelt hij op 'Sibanye' tot een opgemerkte wereld van klanken
en ritmes die uitblinkt in ongecompliceerdheid. Van moeilijkdoenerij
of klankfetisjisme is hier geen sprake. Moholo-Moholo hoeft niet noodzakelijk
elk hoekje van zijn drumstel te benutten op zoek naar interessante klanken
want met een snaredrum en hi-hat alleen al zou hij een plaat kunnen
vullen. Samen met de boeiende pianiste Marilyn Crispell stooft hij hier
een niet te versmaden muzikaal potje. Crispell speelt op haar eigen
manier in op de tempoloze ritmes en aanhoudende roffels die vanaf het
eerste moment opduiken. Met afgebroken pianoloopjes en een minimum aan
akkoorden lijkt ze vooral te willen volgen in plaats van te leiden.
Soms lijkt ze haar spel moedwillig aan banden te leggen, zoals in 'Moment
of Truth', waarbij ze lang blijft schipperen tussen enkele percussieve
noten. Met de gaandeweg ophitsende drumpartijen mondt het stuk uit in
een gigantische muzikale aardschok. Het duo had op voorhand geen afspraken
gemaakt waardoor de muziek werkelijk alle kanten kon opgaan. In 'Journey'
belandt een aftastende improvisatie plots in rivier van pianolyriek,
iets wat men niet meteen verwacht van taaie tante als Marilyn Crispell.
De tegendraadse en nog steeds verbazend simplistisch klinkende drumpartijen
houden de voeten echter steeds op de grond. Zo valt er in elk van de
zeven tracks op dit album een pak te ontdekken zoals het een improvisatieplaat
betaamt.
Het is een uitstekende zaak dat Louis Moholo-Moholo en Marilyn Crispell
elkaar uiteindelijk gevonden hebben. Of er nog eventuele samenwerkingen
gepland zijn valt nog af te wachten. Met 'Sibanye' is er voorlopig genoeg
om het een hele tijd uit te houden.
Joachim
Ceulemans, Kwadratuur, Belgium, Januar 2009
Sibanye, We Are One, ist die
erste Begegnung zwischen diesen beiden eingefleischten Improvisatoren,
der eine aus Kapstadt, die andere aus Woodstock, New York. Beide sind
sie aus der Freejazz-/Kreative-Musik-Bewegung hervorgegangen. Beide
lassen sie immer wieder die ungeschriebenen Gesetze und Stilisierungen
dieser Bewegung hinter sich und entfalten im freien Spiel lyrische und
traditionelle melodische Elemente in neuer Qualität.
Moholo-Moholo en Crispell finden einander bei Sibanye auf eine wunderbar
entspannte und energiereiche Weise. Ihr Spiel mit der Musik legt Unterströmungen
frei, eröffnet Zugänge und überraschende Panoramen von
grosser Schönheit. Moholo-Moholo ist ein Schlagzeuger, der die
Energie tief aus der Erde aufsteigen lässt. Zu Anfang spielt er
meistens leise flüsternd, fast mechanisch. Es ist wie bei hölzernen
Zahnrädern, die sich drehen: sehr gleichmäßig und zugleich
doch holprig, mit kleinen und grossen sprunghaften Übergängen.
Auch wenn er lauter spielt und verschnellert, strömt die Energie
aus der Tiefe. Es gibt keine overpowernden Momente. Es ist faszinierend,
wie beide Spieler ihre eigene Spur ziehen, ihre eigenen Muster aufbauen,
wie die Musik dabei aufsteigt und dann jedes Mal wieder bei einem mitreissenden
Energieniveau mit hymnisch langen Linien landet. Linien, in denen die
Echos von Kwela oder Isicathamiya wunderbar durchklingen. Umgeben vom
Hauch der Atemzüge und perkussiven Vokalisierungen.
Henning
Bolte, Jazz , Netherlands, 12/2008
Kurt
Gottschalk, Coda Magazine, Canada, November 2008
![](images/145_moholo_Kaby.jpg)
This South African jazz drummer, now 68 and living in his home country
after a nearly 40-year exile in England, is one of those rare people
who make the divisions in jazz between swing and free rhythm seem academic.
On “Sibanye (We Are One),” an album of improvised duets
with the American pianist Marilyn Crispell, recorded live last year
in Baltimore, he builds pressure with quiet control, through patterns
that skip and shuffle and simmer. Compared with a lot of American free-jazz
drummers, he can be a light touch, grooving quietly on a pattern for
a long stretch, or making his climax areas full of pinpoint precision.
It’s definitely made after a certain pattern – if the pianist
Cecil Taylor and the drummer Andrew Cyrille hadn’t collaborated
in the 1960s and ‘70s, this album might not exist – but
these musicians have their own wise and settled characteristics, and
this album has a long-form patience and power.
Ben Ratliff, New York Times, January 4, 2009, on page AR12.
A parte scontati riferimenti
alle vicende elettorali d'oltreoceano, il titolo di questa incisione
rimanda ad una unità d'intenti che si respira a piene mani lungo
le sette tracce dell'album. Sibanye (We Are One) celebra l'incontro
tra due spiriti liberi: quello esuberante, africano, militante, di Louis
Moholo-Moholo e quello intellettualistico, rigoroso, matematico (ah,
quella frequentazione con Braxton) di Marilyn Crispell.
E come a volte capita quando in gioco ci sono due personalità
profonde e accomunate da una visione spirituale della musica avviene
la magia dell'osmosi, dell'intreccio vitale e creativo tra sensibilità
diverse. L'energia primitiva delle percussioni di Moholo-Moholo contagia
l'imperturbabile pianismo della Crispell che a sua volta sembra trasferire
la lucida geometria del suo pensiero al bagaglio ritmico del suo interlocutore.
In Sibanye (We Are One) i ruoli si confondono e si ribaltano, gli strumenti
abbattono la loro ristrettezza fisica per espandersi in suono cosmico,
così che melodia e ritmo assumono contorni sempre mutevoli in
un gioco a nascondino che ad ogni ascolto rivela nuove miniere sonore.
Le percussioni di Moholo-Moholo sono dolci e melodiche come non mai,
pur non perdendo nulla della propria africanità, il pianismo
di Crispell è limpido come una fonte di montagna, ma assume straordinari
connotati percussivi raramente cosi vividi e pregnanti
Vincenzo Roggero,
All About Jazz Italia, February 2009
Put a pin anywhere in the
lengthy discography of pianist Marilyn Crispell and you'll stumble on
a new facet, an unforeseen window into her turbulent, ever-evolving
improvisational discourse. This is because Crispell retains the ability
to surprise herself—as must have been the case during her first-ever
playing encounter with Louis Moholo-Moholo, the iconic drummer and South
African expatriate (now repatriated). The resulting duo session, Sibanye
(We Are One), makes for a vibrant contrast with two recent trio efforts
involving Crispell and a far-flung roster of colleagues. Bassist Barry
Guy, founder of the London Jazz Composers Orchestra, enlists Crispell
and drummer Paul Lytton for Phases of the Night while Ottawa bassist
John Geggie offers Geggie Project, his leader debut, with Crispell and
drummer Nick Fraser.
During his exile in London, Moholo worked in an orbit similar to Crispell's
own, giving the music of Sibanye (We Are One) a certain historical resonance.
Recorded in 2007 at the An Die Musik series in Baltimore, the disc includes
seven collaborative pieces, remarkable for their overall restraint.
Crispell and Moholo are able to brainstorm at a low and enticing volume,
bringing out subtle sonic details without losing intensity. Moholo likes
to nudge the music into tempo, whether it's the tom-tom beats of "Reflect"
and "Moment of Truth" or the march-like gait that peeks momentarily
through "Improvise, Don't Compromise". The set does have its
tempestuous side, bringing to mind Remembrance (FMP), Moholo's 1988
duo with Cecil Taylor, although "Phendula (Reply)" and the
middle-to-end of "Journey" find Crispell in high lyrical mode,
unveiling sunny major-key sonorities. In an odd twist, Moholo vocalizes
at the beginning of "Journey," working Crispell's name into
something like a hypnotic poetry.
David Adler, All
About Jazz New York, USA, March 8 2009
Kevin
Le Gendre, Jazzwise, UK, April 2009
Alain
Drouot, Downbeat, UK, April 2009
Deux improvisateurs majuscules
rassemblés dans un duo piano – batterie au titre en manière
de manifeste : « Nous ne faisons qu’un ».
Le morceau-titre, qui ferme l’album, confirme ce que l’on
pressentait : l’affirmation ne se cantonne pas au domaine musical.
Piano et tambours, Nord et Sud, femme et homme, blanche et noir, complémentaires
et éléments d’un « un ». Platonisme
artistique, si on osait. Sur un tapis de percussions résolument
sud-africaines, une improvisation presque contrapuntique rejoint peu
à peu les harmonies des chants xhosa. La jonction s’opère
dans l’exubérance et la liberté, médite un
instant puis s’arrête net comme si, l’unité
(re)trouvée, tout était dit.
Cette unité, les deux improvisateurs l’atteignent au terme
d’un itinéraire qui commence par un mot d’ordre tranchant
: « Improvise, Don’t Compromise ». Les étapes
sont contrastées :
« Journey », piste 3, est un voyage à part entière
; peut-être celui d’un fleuve, courant de contrées
secrètes en villes agitées jusqu’à un estuaire
ouvert sur l’immensité maritime – encore une unité
retrouvée, celle de l’eau avec l’eau, douce ou salée,
peu importe : nourricière.
Un moment de vérité : « Moment Of Truth »,
extrait d’une improvisation plus longue, un peu comme la rencontre
de deux planètes sur des orbites différentes.
Des réponses : « Soze (Never) », où le piano
percute plus qu’il ne chante et où la batterie semble prête
à parler, et « Phendula (Reply) », avec une Marilyn
Crispell liturgique, la main gauche campant une harmonie ample de chant
populaire et la droite jouant, en sixtes, une mélodie simple
et belle, tandis que Louis Moholo-Moholo se charge des jeux de lumière
et des montées émotionnelles.
Puis un reflet, peut-être aussi une invitation à la réflexion
: « Reflect », où les toms chantent un ostinato sur
lequel la pianiste peint au couteau et brosse des couleurs, joue des
résonances et des matités, étouffe un écho,
laisse durer l’autre…
Sibanye est un album à écouter tous neurones en état
de fonctionnement. Histoire de les affûter un peu plus encore.
Diane Gastellu, www.citizenjazz.com, France, 6 avril 2009
En 2008 Marilyn Crispell
sorprendió con Vignettes. En su primer disco a piano solo en
ECM se dejaba sentir el papel de Manfred Eicher, que hacía que
su música perdiese parte de la inmediatez que ha caracterizado
a la pianista a lo largo de su carrera. Afortunadamente, en su dúo
con el histórico batería sudafricano Louis Moholo-Moholo,
la pianista retorna a sus terrenos habituales, en los que explota el
lado más libre de su música, sin olvidar el lirismo que
caracteriza a sus últimos trabajos.
La combinación con Moholo-Moholo es muy interesante, pero aún
resulta más llamativa si se tiene en cuenta que este concierto
fue la primera vez en que ambos músicos tocaron juntos. Sobre
todo lo demás resalta el magnífico entendimiento que los
dos artistas muestran a lo largo de la hora que dura la grabación.
En las siete composiciones – improvisaciones se muestran distintas
estéticas que se van sucediendo con una gran naturalidad. Así,
a unos momentos caracterizados por la inmediatez y una cierta ejecución
percusiva de la música (“Improvise, Don’t Compromise”),
le siguen otros en los que lo fundamental es el aspecto lírico
(“Moment Of Truth”, “Phendula” o el inicio de
“Sibanye”), o en los que prima el carácter abstracto
y oscuro (“Soze” y “Reflect”). El resultado
es un disco magnífico más que añadir a la discografía
de ambos músicos, con una música que sobrepasa con su
inmediatez y libertad ciertas barreras estilísticas absurdamente
auto impuestas y demasiado habituales en el jazz.
Pachi Tapiz, www.tomajazz.com, Spain, 6 de mayo de 2009
Gérard
Rouy, Jazz Magazine, France, 2009
Andy
Hamilton, Jazz Journal, UK, June 2009
"Sibanye (We Are One)"
pushes the piano duo to a different extreme. It captures one hour of
live Free improvisation in Baltimore in 2007. But here is the kicker:
Marilyn Crispell and Louis Moholo-Moholo had never played together before
(and by the way, if you want to know why the drummer now doubles his
last name, the liner notes by Bill Shoemaker will explain). They purposely
limited their afternoon sound check only to being certain they could
hear one another and that the sight lines between themselves were clear.
No music was played at that point, as the duo aimed to make the performance
the blank slate of their first collaboration. Of course, the slate was
not really blank, as both musicians have heard the other’s work.
But, interestingly, both Crispell and Moholo-Moholo have become more
lyrical and melodic in their approaches of late. So if you, or they,
had only heard their work with Anthony Braxton or Cecil Taylor, this
performance is going to be a surprise. There are seven free improvisations,
then, on "Sibanye (We Are One)" and the raw lyrical beauty
of this performance was a pleasant surprise. Moholo-Moholo has always
been creative behind the kit, without adding a lot of showy percussion
to his setup. He can do something as simple as tape a coin to the edge
of a cymbal to create a shimmering metallic shine to its sound, and
on "Sibanye (We Are One)" he uses his cymbals along with some
hand drumming on the tom-tom to great effect. And Crispell has become
more and more impressionist, using chromatic arpeggios and harmonious
clusters to evoke open-ended music of great beauty. “Journey”
is a high point of their set, beginning with Moholo-Moholo’s soft
chanting until Crispell begins to drum inside the piano and he shifts
to his splashing cymbal work. Crispell then begins with a few low notes
on the piano and, as it gradually evolves into a tenor melody, Moholo-Moholo
shifts to the tom-tom and adds again the distant chant. As the piano
begins finally to sing a full-blown melody line, Moholo-Moholo shifts
to a snare and then the full kit, and we swing to chromatic conclusion,
as if we have arrived at last and the journey is complete. The set as
a whole ends with a crescendo that stops abruptly in dead silence, so
suddenly it is startling; I still don’t quite know what to make
of it. It’s not really a mark on a beautiful recording, but a
startling question mark at the end. Definitely worth hearing.
Phillip McNally, Cadence, USA, July/August/September 2009
Jason
Weiss, Signal to Noise, USA / Canada, Fall 2009
Marilyn Crispell & Louis
Moholo, Zomerconcerten
Zij zijn EEN
Wat een gouden greep om Louis Moholo en Marilyn Crispell bij elkaar
te brengen. Ze speelden nooit eerder samen. Voorafgaand aan het concert
deden ze een soundcheck van een paar minuten, alleen om te controleren
of ze elkaar konden horen. Er werden geen afspraken gemaakt, niet over
de aard noch de duur van een nummer.
Drummer Louis Moholo (Kaapstad, 1940) ontvluchtte het apartheidsregime
in 1964 en had de daarop volgende decennia veel invloed op de Britse
en Europese free jazz scene. Hij maakt muziek waarin de roep om vrijheid
weerklinkt; een balling met een zelfbewuste stijl. Pas vier jaar geleden
keerde hij terug naar zijn geboorteland.
Net als Moholo is pianist Marilyn Crispell (USA, 1947), ook oprichter
van verschillende bands en jazzorkesten en speelt sologigs. Zij werd
klassiek opgeleid, piano en compositie; maar de echte drive ontbrak.
Op een goede dag ontdekte Crispell de jazz. Jazz is voor haar vrijheid,
muziek zonder vaste vorm, zonder dominante structuur. Meestal improviseert
ze, maar vindt improvisatie alleen verdragelijk tegen de achtergrond
van grote muzikale ervaring. Het verleden is de bron, maar beide musici
zijn compromisloos op zoek naar de eigen expressie.
In dit verband hebben zowel Crispell als Moholo een enorme ontwikkeling
doorgemaakt in de afgelopen halve eeuw. Crispell is lyrisch. In kalme,
stilte-rijke passages bereikt zij een indringende intensiteit. Ook Moholo
geeft een superlichte touch aan deze akoestische setting. Dan krijgt
een enkele wegstervende noot, een tot zwijgen gebracht cimbaal een buitengewone
impact. Eerste nummer is de 12 minuten durende track Improvise, DonÕt
comprise. (leg jezelf niet aan banden). Het programma besluit met Sibanye
(wij zijn Z¹Z¹n); woord uit het Xhosa, de taal van Moholo en Nelson
Mandela. Hedendaagse freejazz, met een scala aan emoties en een vaste
grip op de luisteraar. Een onbekende trip, zonder motief, zonder herhaling,
een boeiend samenspel met soms een onverwachte sonore melodie in majeur.
Patricia Werner Leanse, Holland, 2009, www.radiomonalisa.nl
Laurence Svirchev, www.misterioso.org, DECEMBER 3RD, 2011, Canada
Wat een gouden greep om Louis Moholo en Marilyn Crispell bij elkaar te brengen. Ze speelden nooit eerder samen. Voorafgaand aan het concert deden ze een soundcheck van een paar minuten, alleen om te controleren of ze elkaar konden horen. Er werden geen afspraken gemaakt, niet over de aard noch de duur van een nummer.
Drummer Louis Moholo (Kaapstad, 1940) ontvluchtte het apartheidsregime in 1964 en had de daarop volgende decennia veel invloed op de Britse en Europese free jazz scene. Hij maakt muziek waarin de roep om vrijheid weerklinkt; een balling met een zelfbewuste stijl. Pas vier jaar geleden keerde hij terug naar zijn geboorteland.
Net als Moholo is pianist Marilyn Crispell (USA, 1947), ook oprichter van verschillende bands en jazzorkesten en speelt sologigs. Zij werd klassiek opgeleid, piano en compositie; maar de echte drive ontbrak. Op een goede dag ontdekte Crispell de jazz. Jazz is voor haar vrijheid, muziek zonder vaste vorm, zonder dominante structuur. Meestal improviseert ze, maar vindt improvisatie alleen verdragelijk tegen de achtergrond van grote muzikale ervaring. Het verleden is de bron, maar beide musici zijn compromisloos op zoek naar de eigen expressie.
In dit verband hebben zowel Crispell als Moholo een enorme ontwikkeling doorgemaakt in de afgelopen halve eeuw. Crispell is lyrisch. In kalme, stilte-rijke passages bereikt zij een indringende intensiteit. Ook Moholo geeft een superlichte touch aan deze akoestische setting. Dan krijgt een enkele wegstervende noot, een tot zwijgen gebracht cimbaal een buitengewone impact. Eerste nummer is de 12 minuten durende track Improvise, DonÕt comprise. (leg jezelf niet aan banden). Het programma besluit met Sibanye (wij zijn ŽŽn); woord uit het Xhosa, de taal van Moholo en Nelson Mandela. Hedendaagse freejazz, met een scala aan emoties en een vaste grip op de luisteraar. Een onbekende trip, zonder motief, zonder herhaling, een boeiend samenspel met soms een onverwachte sonore melodie in majeur.
Patricia Werner Lease, OPZIJ - juli/augustus 2009, Nederlande
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