INTAKT RECORDS – CD-REVIEWS

PIERRE FAVRE DRUMS AND DREAMS
Intakt CD 197

 

 

 

Frank von Niederhäusern. Kulturtipp 19, 2012, Schweiz

 

 

Zunächst jagt einem das Werk fast einen Schrecken ein. Drei CDs Schlagzeug solo. Naja. Das Opus magnum eines des besten Schlagzeuger Europas? Die Aufnahmen sind nicht neu, sondern drei wiederveröffentlichte LPs aus den 70ern. Mittlerweile ist der Schweizer Meister 75 Jahre alt und nach wie vor höchst aktiv. Wenn man die drei Tonträger am Stück hört, sind das 120 Minuten formidables Schlagzeugspiel. Das hängt sich schon ein wenig an. Aber Favres Reise durch Welt der perkussiven Klänge ist auch spannend und mitreißend. Vom Jazz kommt er in die Tradition der Schweizer Folklore. Das Ganze ist auch ein Zeugnis des Freiheitsdrangs der Schlagzeuger. Es war einfach nicht mehr genug, nur den Rhythmus zu halten und die Band ordentlich swingen zu lassen. Favre spielt Melodien, Songs, lässt seine Gongs im Raum schweben. Das hat schon richtig Stil und Klasse und ist in seiner Fragilität auch selten zu hören. (haun)
(haun), Freistil, Österreich, September 2012

 

 

Kenny Inaoka, Japan Jazz, October 2012

 


Thomas Fitterling, Jazzpodium, 9-2012

 

1970, kurz vor seinem 33. Geburtstag, spiele PIERRE FAVRE mit Drum Conversation seine erste Solo-Scheibe ein, publiziert beim Münchner Label Calig. Mit Abanaba (Futura Re­cords, Paris) folgte 1972 eine weitere Demonstration seiner Abkehr vom Swing- und Bop-Metronom zum Fluktuieren im globalen Vibe. Im gleichen Jahr spielte Favre im Rahmen der Reihe 'The Art of the Solo' bei den Berliner Jazztagen sein erstes Solokonzert. 1979 erschien dann mit Mountain Wind (Gemini, Zürich) sein dritter Drummonolog, der seine Paiste-Ästhetik so ausgefeilt zeigt, dass er, leichter als Luft und zarter als Vogelgezwitscher, als 'Prinzessinnenflüsterer' einen Heilberuf hätte ausüben können. Drums and Dreams (Intakt CD 197, 3 x CD) faltet diese drei 'Drumgesänge', drei Meilensteine der europäischen Modern Jazz-Evolution, zu einer remasterten Neuauflage. Bert Noglik feiert Favres 'Poetry in Motion' als 'revolutionär'. Ich persönlich halte nichts davon, den Übergang von Krawattenpflicht zu Hemdsärmeln oder einen 'Neugewinn des Nuancierens' mit etwas zu verbinden, das nicht ohne Mauerstürze und rollende Köpfe abgeht. Favre ließ mit seinem differenzierten und fragilen Spiel Räume weiter und durchlässiger erscheinen, für die Phantasie, für Regenbögen, für Luftballons. Nicht nur die frühen 70er hatten dafür ein Faible. Wobei der Favre'sche Klingklang gleich beim ersten 'Dance Number One' noch genug Steinschlag in sich hat, genug polternden Hufschlag und Crash-Power, um seinen Flow moränenhaft zu unterfüttern. Das verschlafen stille 'Swiss Sunday' lädt dazu ein, über Stürme nachzudenken. Nein, der 'Schmetterling' aus Le Locle, der in jenen Jahren zwischen dem eigenen Santana im Trio mit I. Schweizer & P. Kowald und dem Quartett mit E. Parker auch in M. Schoofs European Echoes, M. Waldrons Black Glory und M. Portals Splendid Yzlment gegen jede Verschlafenheit anrumpelte, gehörte zu jenen, die vor verschlossenen Türen nicht Halt machten. Widerstände machten Favres wildwassriges Sprudeln, Kaskadieren und Ricochetieren nur noch dynamischer, wendiger, gestaltwandlerischer, rauschhafter, gamelanesker. Bei 'Kyoto' lässt er die Paiste-Bleche singen wie Geister rund um dem Biwasee, für 'Roro' und 'Abanaba' verdichtet er den Schlaghagel auf die Fläche eines Bierdeckels. Er betreibt nicht Konversation, sondern bombardiert einen mit einer Überfülle schlagkräftiger Argumente oder einer Rhetorik flexibler, buntscheckiger Tropfen, mit zuweilen fast schamanenhaftem Eifer und Nachdruck ('Dimitri (Le Clown)'). Er erwartet keine Antwort, aber ein Lächeln nimmt er gern als Bestätigung. Ende der 70er ist Favres Klangfarbpalette bis ins Feinste ausdifferenziert. Da nicht einmal der Regen mehr so feine Hände hat, verwandelt Favre sein Klimbim in Eiskristalle, Vogelschnäbel, Windspiel und Pelzpfote, um dann doch auch als 'Mountain Wind' wieder mit Geröll talwärts zu poltern oder im Cadillac Eldorado-Cabrio mit wehenden Haaren zu cruisen.
Rigobert Dittmann, Bad Alchemy, Deutchland 75, 2012

 

 

 

Philip Clark, The Wire, Nov 2012

 

Martin Schuster, Concerto, Oktober/November 2012, Österreich

 

Thierry Lepin, Jazz News, France, Nov 2012

 

Christof Thurnherr, Jazz'n'More, November/Dezember 2012, Schweiz

 

Drei CDs nur Schlagzeug solo: Für viele nicht unbedingt die klassische Vorstellung von Musikgenuss. Aber das ist nur der Fall, wenn man a) Pierre Favre nicht kennt; b) bisher aus mehr oder minder triftigen Gründen Schlagzeug hauptsächlich mit rhythmisch effektvollem Draufhauen verbindet; und c) sich noch überhaupt nicht mit den großen Melodikern in der Geschichte der Jazztrommeln beschäftigt hat. Hier hat man in einem Fall eine wunderbare Gelegenheit, Versäumtes nachzuholen. Eine Arbeit, die sehr viel Hör-Vergnügen bereitet.
"Drums an Dreams" heißt diese Neu-Zusammenstellung dreier Langspielplatten, die der 1937 in der Schweiz geborene Jazzschlagzeuger Pierre Favre von 1970 bis 1978 aufgenommen hat. Und es ist eine jener Wiederveröffentlichungen, für die die Musikwelt dankbar sein kann. Sie anzuhören, ist wie eine Entdeckungsreise: in eine Zeit, in der Musiker sich aufmachten, Möglichkeiten abseits aller überlieferten Regeln zu erkunden. Frei wollte der Jazz damals sein – frei von allen Vorgaben, aber auch frei von Klischees, von bewährten Mustern, mit denen Musik sich dienstbar und benutzbar machte. Ein Schlagzeug ganz alleine, suchend, tastend, fantasierend, ohne Verpflichtung zu treibendem Beat und rollenden Rhythmen, als Instrument, das mit gänzlich unerwarteten Klängen zu den Hörern spricht und auf Resonanz bei weltoffenen Köpfen vertraut: Das war das Vorhaben, mit dem sich einer wie Pierre Favre dem Publikum live und in Aufnahmen präsentierte. Der Trommler-Traum von einer Musik ohne Ketten. "Drum conversation", "Abanaba" und "Mountain dream" hießen die Original-Alben aus den Siebzigern, wobei der Titel des ersten auf das große Schlagzeuger-Vorbild Max Roach zurückgeht, der 1953 ein Solo so nannte. Pierre Favre reihte sich ein in die Tradition eines Schlagzeug-Solospiels, das die Kommunikation mit einem Gegenüber sucht. Also keine hehre Artistik, sondern ein Spiel für das (und mit dem) Publikum.
Da wuchtet er nun und klackt und klopft und ploppt und tröpfelt, rattert und raunt, zischt und gischtet, klongt und gongt, grummelt, grollt und donnert, und all das zärtlich und formbewusst wie selten einer sonst: Und es fesselt und fasziniert. Oft ganz leise und in ruhiger Bewegung präsentiert sich dieses Schlag- und Percussion-Instrumentarium. Es erzählt Geschichten aus tönenden Ereignissen und eröffnet dabei eine Vielfalt der Rhythmen und der Klänge. Dass Free-Jazz-Pianisten das Klavier zuweilen als Schlagzeug mit 88 Tasten auffassten, ist genau das umgekehrte Prinzip von Pierre Favres Spiel auf den Trommeln, Becken und anderem geschlagenen Klangwerkzeug. Das Schlagzeug ist bei ihm ein großes Melodie- und Harmonie-Instrument. Seine Musik vollführt Bewegungen, an deren Ende stets ein organisches Ganzes Form annimmt: Linien, ja sogar Skulpturen aus Klängen sind seine Stücke. Zu verfolgen, wie diese Bildhauer-Arbeit eines sich frei bewegenden Schlagzeug-Künstlers Gestalt wird, ist vom ersten bis zum letzten Track dieser drei CDs aufregend. Und ein Hörgenuss – da ein großer Musiker hier nie laut wird, klangvoll aber sehr wohl. Verblüffend aktuell wirken diese Aufnahmen noch dazu: Sie klingen frisch, sind die nicht alternde Kunst eines Forschenden, der Klänge hier stets neu erspürt hat statt sie abzuspulen.
Roland Spiegel, Sendung "Leporello", Bayerischer Rundfunk (BR-Klassik), 31. Oktober 2012, Deutschland

 



David Cristol, Jazz Magazine, Jazzman, Paris, Novembre 2012

 

Bjarne Soltoft, Jazznytt, Nr. 5 / 2012, Norway

 

Ken Vos, Jazzism, December 2012, Nederlande

 

Partially in reaction to vocifeous American players like Sanders, by the 1970s European innovators developed a spacious and subdued take on improvisation. This can be sampled via the solo work of Swiss percussionist Pierre Favre, a model of taste and restraint on Drums and Dreams Intakt CD 197 is. Overall it's 1972's Abanaba which is the defining masterwork, with 1970's Drum Conversation and 1978's Mountain Wind, the build up and elaboration of maturity. Favre has such command of the sonorous properties of his expanded kit that he can use approximations of tones from unusual sources such as guiro, conches, unlathed cymbals, thunder sheets plus a regular kit without bombast or showiness. A track such as Kyoto is a fascinating duet between kettle drum and tuned gongs, expanded by Theremin-like resonations; while "Gerunonius" is an essay in abrasion, as textures created by sawing with a bow on drum rims are integrated with shakes, pops and pulls. "Roro" fastens on triple sticking at supersonic speeds, producing ringing tones from log drums, cymbals and gongs, while the final track demonstrates how aggression can be paced as bell trees ping and snares sizzle. CD1 establishes a framework for juxtapositions, with silences integrated with kinetic paradiddles and ruffs. Sounding at times like multiple players, Favre's distinctive sounds are likely to arise by twisting mallets on aluminum bars as from blunt whacks on oversized gongs. By 1978, his rhythmic palate had expanded so, that he could replicate the sound of a telephone bell ring, Chinese temple bell with equal facility and without any loss in power.
Ken Waxman, Jazzword, Canada, Dezember 2012
Ken Waxman, The Whole Note, Canada, December 2012

 

Chris Joris, Jazzmozaïek, Belgium, December 2012

 

 

 

… En fait, seize, car nous commençons par un très joli album de trois CD "historiques" qui reprennent trois enregistrements en solo de Pierre Favre justement, pionnier de la performance solitaire, entouré d'une panoplie complète de percussions, tambours, gongs, cymbales, petits instruments en tout genre, dont certains mélodiques, sans oublier, au centre, une batterie complète en bonne et due forme. Enregistrés en 1970, 1972 et 1978, ces trois disques firent forte impression à leur époque, en particulier le tout premier, "Drum Conversation". Pierre Favre arrivait à tenir l'auditeur en haleine grâce à sa science des timbres et des couleurs, sa technique exceptionnelle et sa "force de frappe" (dans tous les sens du terme). Aussi étonnant soit-il, il n'y a aucun re-recording dans ces enregistrements. Réécoutant ces disques après 35 ou 40 ans (eh oui !), j'y ai retrouvé la même fraîcheur et la même poésie, car peu de batteurs et de percussionnistes savent faire chanter leurs instruments comme Pierre Favre. On remarquera que d'un disque à l'autre, Favre allonge la durée de ses compositions/improvisations qui sont de plus en plus fouillées… mais jamais ennuyeuses. Un régal. (OUI !)
Jean Buzelin, Culturjazz, France, December 2012

 

 

Klaus Hübner, Neue Rhein Zeitung, Essen, 27. Dezember 2012

 

Manfred Papst, NZZ am Sonntag, 18. November 2013

 

 

Zdeněk Slabý, Kulturni Magazin UNI, 1/2013, Czech Republic (PDF-File)

 

Stefan Pieper, Jazzthetik, Nr. 1+2 / 2013, Deutschland

 

 

Ulrich Steinmetzger, Leipziger Volkszeitung, 5. Jan. 2013

 

 

 

 

Pierre Favre Drums and Dreams Intakt CD 197
Barre Phillips Traces: Fifty Years of Measured Memories Kadima Collective Triptych #5

Until the late 1960s, the solo improviser who wasn’t playing a keyboard was an unusual figure, though there’s an oft-recited history of jazz reed players that conventionally begins with Coleman Hawkins’ recordings of “Hawk’s Variations” and “Picasso,” circa 1945-47, and includes Sonny Rollins, Eric Dolphy and Jimmy Giuffre. Solo pieces became a common feature for several AACM members in the mid- to late- ‘60s, with Anthony Braxton’s two-LP For Alto (1968) becoming a key document in solo improvisation, a work in which compositional experimentation, free improvisation and a focus on sonic exploration conjoined to extend the terrain of the solo improviser. Since then solo performances have become one of the standard presentation modes of improvised music, often involving an array of personal or extended techniques. These two special packages in part commemorate the moment when it became possible to be a solo improviser on any instrument, even those that just a few years before were apt to be relegated to the rhythm section.

Barre Phillips’ Traces: Fifty Years of Measured Memories is part of Kadima Collective’s Triptych series, each release combining a book, a CD and a DVD, and all devoted to the string bass. So far, the series has focused on Mark Dresser, Joëlle Léandre, Tetsu Saitoh and to the Deep Tones for Peace project, an all-bass choir linking Jerusalem and New York that involved all of the preceding and added Rufus Reid, William Parker and several others, including label administrator Jean Claude Jones. Dresser, Léandre and Bertram Turetsky frequently figure on the bass-centric label’s individual releases, as does Phillips.

The book component is a 150-page volume that functions in part as discography but is also a visual celebration of a career spanning more than fifty years. First organized as a display in the French village Phillips calls home, it has gradually become a beautiful book. There are a few photographs of Phillips sprinkled throughout but it’s predominantly a life in album covers, full-color illustrations of all the LPs (usually a full page) and CDs (usually two to a page) that Phillips has appeared on since 1963. Data on the discs only appears at the end of the book, so you get to explore Phillips’ career in the changing terms of album cover art (whether his name appears there or not) – and what a career it’s been, both for range and quality. Phillips quickly made his name in free-jazz circles of the early-sixties (his earliest appearances are with Eric Dolphy [though released long after] and Archie Shepp), and he’s been an essential figure in improvised music ever since, including a legendary collaboration with John Surman and Stu Martin as The Trio. The early years include some particularly striking dates: there’s an appearance with Don Ellis on a presentation by Leonard Bernstein; he’s a member of the Bob James Trio on Explosions – yes, that Bob James – a singular and brilliant journey into free jazz and pre-recorded electronic tapes; there’s even a record with the Peter Nero Trio – yes, that Peter Nero. One of the most telling things about Phillips’ art is the frequency of his appearances with other significant bassists, including duets with Dave Holland, Peter Kowald, Joelle Leandre, and Barry Guy, as well as his presence as bassist in the latter’s London Jazz Composer’s Orchestra.

The recording is a critical document in the history of the string bass as a solo instrument, the first CD reissue of Phillips’ 1968 solo recording, first issued as Journal Violone. That suggestion of daily ritual is one with the music’s concentrated meditation and free play of consciousness. The CD consists of two LP side-long improvisations, each a passage through multiple techniques: plucked chords, lyrical pizzicato lines, thick bowed chords and sudden cello-like flights into the upper register, as well as dense orchestral textures compounded of spizzicato bowing and simultaneous strumming and plucking of the strings. As with the best solo improvisation, there is a kind of virtuoso reverie in action here, instrument and musician, execution and thought becoming indistinguishable.

That sense of depth involvement only expands with the DVD, Temporaneous, a remarkable update from 2011 in which Phillips, at home, alternately plays and talks (during which he sometimes also plays) exploring every niche of the bass’s sonic resources with multiple percussive, bowing and fingering techniques. His spoken reflections on music – from what he describes as his childhood immersion in a soundworld to his thoughts on what musicians communicate – are beautifully expressed, as rich, resonant and varied as the soundworld he draws from his bass. It’s a striking portrait of a great musician.

Pierre Favre’s Drums and Dreams is a more conventional package, a three-CD set of the percussionist’s first three solo LPs, made for several small European labels: it includes Drum Conversation (Calif-Verlag 1970); Abanaba (Futura 1972); and Mountain Wind (Gemini 1978). In the same spirit as Phillips, Pierre Favre set about creating a solo music out of drums and percussion instruments. He clearly had many traditions to draw on, including jazz, the “classical” avant-garde – the early Cage percussion pieces, for instance – and traditions from West Africa, South East Asia, and Japan.

The percussion solo utterly alters the terms of solo improvisation, since many percussion instruments have complex pitches that resist melody and harmony. On the other hand, the development of the trap-drum kit in the late 19th century, along with its continuing principle of expansion and combination, resulted in tremendous potential for rhythmic complexity and sonic variety. In Favre’s drumming, polyrhythmic practices, drum tuning, the ceremonial drumming of Japan and innumerable folk traditions all appear, sometimes in relative isolation and sometimes coming together in long pieces that develop both distinctly and in synchronicity.

There’s a sonic poetry, a kind of absolute clarity in which Favre’s considerable technique and his collection of instruments never get in the way of a kind of will to clarity. It’s already present on Drum Conversation and it develops steadily to Mountain Wind, even as the individual pieces get progressively longer on each CD and the fascination with sonic textures stretches to a Balinese grace. There’s a series of pieces in Abanaba that particularly demonstrates the range of techniques. “Kkatybaby” might be as close to speech phrasing as drumming can get, Favre starting out stating a relatively simple phrase, though with detailed inflections of pressure and pitch. He will then repeat the phrase, shifting instruments, pressing in more notes, making the pattern more complex and allusive, until slowing it down reducing it to an absolute clarity and finality. In contrast, the next track “Kyoto” is concerned absolutely with a kind of ritual of space, isolated sounds of gong and woodblock and wonderfully hollow pitch-eliding, shimmering, almost theremin-like, sounds. The recording emphasizes a sense of space, suggesting that Favre is somehow in touch with instruments spread over a thirty-foot span.

That sense of breadth takes on different significations with each new piece. “Roro” focuses on polyrhythmic tom-tom work and may suggest a village in the Congo or Eddie Blackwell (or Gunter “Baby” Sommer in this complex and on-going love affair of central Europe for central Africa). The sonic focus of “Gerunius” embraces scraped metal, light gong touches and a beautiful metallic resonance that somehow suggest the theatre has become internalized, a kind of mental wonderland in which sounds arise with an hypnotic delicacy. The next piece “YesYes” is doubly affirmative, seeming to insist that the psychic world and the village circle are one – beginning and ending in isolated sounds and hollow metal resonance and embracing polyrhythmic density in the middle of the piece. These sonic and rhythmic adventures arise and conjoin throughout the three discs with a consistent pattern of development on many fronts. The final track on Mountain Wind, “Alexis Cadillac,” is as spare, concentrated and speech-like as drumming might become. It’s significant work, certainly, but more than that, it remains insistently pleasurable listening over forty years after Favre launched his solo improvisation project.
Stuart Broomer, Point of departure, Issue 41 - December 2012

 

Auf YouTube gibt es diesen genialen Clip, wo Louis Armstrong mit der Max Greger Combo auf einer Bambiverleihung "Hello Dolly" gibt, und die deutschen Show-Deppen klatschen natürlich wie immer mit, um ihr Rhythmusverständnis zu zeigen. Im Hintergrund swingt aber ganz lässig und entspannt: der Drummer – Pierre "The Man" Favre. Der Schweizer hat einen langen Weg hinter und hoffentlich noch vor sich. Dass er später zu einem, wenn nicht DEM einflussreichsten europäischen Drummer wurde, der sein Instrument zur begnadeten Soloartistik ohne prätentiöse Virtuosität, dafür aber mit inspirierter präziser Poesie führen konnte, war damals noch nicht abzusehen. Später mischte er mit diversen Koryphäen – you name them! – die Jazzwelt neu auf. Dass Intakt hier längst vergriffene Soloplatten von 1970, 1972 und 1978 im Triple-Pack neu herausbringt, dafür darf man sich bedanken. Ein Muss, das zu hören und zu erfahren. Enough said.
by Honker, www.terz.org, April 2013, Deutschland

 

The Favre materials on (2) are, to nobody's surprise, entirely different. A 3CD whopper collecting Favre's solo albums from the 1970s - Drum Conversation, Abanaba, and Mountain Wind - this valuable release finds the ace Swiss improviser eschewing pulse alto- gether for the most part in favor of explorations of attack, propulsion, timbre, and more. He's got an amazing ability to layer sounds and rhythms, creat- ing waves of such detail ("Dance Number One") that it's hard to believe it's just him alone. The sound is nicely chop-a-block on "Drum Conversation" but I found gong and cymbal pieces like "Swiss Sunday" and "Nameless" even more compelling. Some of the rumble and rattle of "Patience" or "Where Is It?" lets you know this was indeed 1970, but Favre's playing even then was refreshingly free of some of the period's agonisms. And paying attention to the orchestral range of "Madame Boss," with its woodblocks and low toms, lets you know of how considerably Favre would expand his range. The second record, though not too separated chronologically from the first, finds Favre integrating his improvisational approach with more of a conventional pulse feel. He's mostly just flirting with it at this point but it, along with a more precise tuning of the drums, is audibly there to give this one a crisp edge and focus. (Also: I swear the timbre and the ten- tative 5/4 on "Dimitri" is a nod to Roach.) There's some terrific contrast on "Katybaby," chocked with cymbal bells, low toms, and something that sounds like a chir- ruping bird. But Favre always returns to cymbal sizzle on spacious tunes like "Gerunonius" and "Kyoto," or to righteous, riotous polyrhythms on "YesYes" and "Roro" (with its total timbale block-rocking madness). Favre is here really starting to get a feel for how freedom and form can drive each other to greater heights. Six years further on, the brief final record is even more textural in its opening moments, with a forest of metallo- phones and gongs on "Song for a Princess." But, as with the second release, Favre explores the manifold tim- bral contrast through pulse and phrasing, his mallets and sticks sending sounds pinging around like mad inside the frame of each piece. I especially appreci- ated his consistently focused exploration of resonance and decay, along with the propulsive brushwork of "Pierre."The long title track fairly sums up his percussive approach from this period, and unlike other tracks it's got a narrative logic to it as well. Terrific stuff overall.
Jason Bivins, Cadence Magazine, April 2013, USA

 

 

 

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