Tom Rainey (1957) is een slagwerker die altijd de hele muziek speelt en niet zo'n beetje ook. Zijn reactievermogen en zijn overzicht zijn indrukwekkend. Hij is tot in elke vezel van de muziek aanwezig zonder zich ook maar een moment typisch slagwerker-vertoon op de voorgrond te moeten dringen. Rainey maakt(e) deel uit van seminale groepen rond saxofonist Tim Berne en pianist Craig Taborn.

De top notch musici van zijn Obbligato-onderneming komen uit deze groepen c.q. uit zijn eigen trio: trompettist Ralph Alessi, saxofoniste Ingrid Laubrock, bassist Drew Gress en pianist Kris Davis. Obbligato had twee duidelijke uitgangspunten: er zouden door Rainey uitgekozen standards gespeeld worden zonder dat daarbij – volgens de standard-formule in de jazz – gesoleerd wordt.

Daardoor zijn als uitgangspunt alle instrumenten inclusief het slagwerk gelijk. ‘Obligato’ zijn in de (klassieke) muziek vrijere begeleidingsfiguren in het algemeen en in het bijzonder bj de zang. Voor deze ‘obbligato’ zou je kunnen zeggen dat iedere instrumentalist de begeleider van ‘de andere(n)’ is. Dat is zonder meer een uitdaging en een vruchtbaar alternatief tot de grote hoeveelheid herhalingsoefeningen waarmee we gebombardeerd worden. Raineys aanpak opent een heleboel nieuwe mogelijkheden maar draagt ook risico’s van mislukken in zich.

Standards spelen is vanouds een kernactiviteit in de jazz als Afro-Amerikaanse muziek waar veel ontwikkelingen uit voortgekomen zijn. En wat een standard is enigziens duidelijk. Het is een song/korte compositie met appeal die (daarom) vaak in allerlei variaties gespeeld wordt, een evergreen dus. Voor Noord-America zijn dat met name stukken van de grote muziektheater-componisten als Gershwin, Rogers, Kern, Porter etc. maar het kunnen ook jazz-componisten als Monk, Davis, Waldron etc. zijn. Rainey koos vooral standards die tijdens de bloei van de bop-periode in de jazz, in de eerste helft van de jaren 50, gespeeld werden (zie tracklisting).

In de jazz-praktijk dient de standard vaak als uitgangspunt (en vehikel) voor exploraties, expansies transformaties en eveneens voor het creëren van nieuwe stukken (die ook weer standards kunnen worden). Over het algemeen zijn standards dus niet alleen songs/stukken met onverslijtbaar appeal maar ook met rijke muzikale mogelijkheden. Dat betekent ook dat op de ene of de andere kant gericht gewerkt kan worden. Of op allebeide kanten wat een nog grotere opgave is en soms waargemaakt wordt. Een standard kan zo vertolkt worden dat de (individuele) zeggingskracht van de song/het stuk geïntensifieerd wordt. Een standard kan ook zo vertolkt worden dat (de kwaliteit van) het samenspel op zich, de vindingrijkheid en durf van expansies op de voorgrond staat. Echter alles tonen wat muzikaal mogelijk is in sophisticated interaction hoeft niet per se spannende en/of expressief pakkende muziek op te leveren, muziek die de luisteraar onder verwachtingsvolle spanning brengt en raakt.

Er is dus sprake van een spanning en verschuivingen in waarneming en appreciatie. In beide gevallen vormt de ‘oorspronkelijke’ vorm van de standard een belangrijke context en word de appreciatie voor een aanzienlijk deel mede daardoor bepaalt. In bepaalde gevallen kan de vertolking echter van dien aard zijn dat ze op zich staand overtuigend is. Zoals in het volgende geval (Miles Davis, Tommy Flanagan, Sonny Rollins, Art Taylor, Paul Chambers).

In dit geval bracht Davis op het einde een hele kleine maar doorslaggevende verandering op de melodie van het origineel van Dave Brubeck aan.

Voor Noord-Amerikaans publiek vallen veel standard-vertolkingen op luisterervaring uit eerste hand omdat veel standards als een soort urban folk deel uitmaken van het collectief geheugen. Dat is voor Europese luisteraars uiteraard ietsjes anders. Zelfs voor diegenen die met standards in oude Hollywood films zijn opgegroeid.

Terug naar Raineys Obboligato. In sommige gevallen levert de aanpak fascinerende versies op zoals in het geval van de Brubeck-klassieker In Your Own Sweet Way en Reflections, een vroege Monk. Ook Ellingtons Prelude To A Kiss heeft iets van een eigen, nieuwe schoonheid door de manier waarop uit het brokkelige verloop naar het eind toe de volle innemende melodie te voorschijn komt. Long Ago and Far Away van Jerome Kern bevat heel sterk en mooi drumwerk van Rainey in het gekozen obligato-kader. Ook de opener Just In Time heeft met zijn edgy boppish gejaagdheid iets aparts.

Minder overtuigend is de vertolking van het overbekende You Don’t Know What Love Is van Gene de Paul. Het is een song waarin heftige levenservaring soneert, iets wat Ella Fitzgerald en Nina Simone en hun vertolkingen wel voelbaar maken. Of dat ook voor de versie van Raineys opgaat, moet de aandachtige luisteraar zelf uitmaken.

Opvallend is dat de standards van jazz-componisten op het album sterker eruit komen dan de ‘andere’ standards. Rainey levert een interessante aanzet die na enige intensieve doorwerking ook aan de expressieve kant...

Zwischen Klassik, Jazztradition und Avant-garde gewinnt Kris Davis dem Jazzpiano neue Aspekte ab.

„Vor ein paar Jahren habe ich beschlossen, kein Fender Rhodes mehr rumzuschleppen und mich dafür ganz aufs akustische Piano zu konzentrieren", sagt die Kanadierin Kris Davis, die seit 2001 in New York lebt und heute als eine der vielversprechendsten Pianistinnen der vitalen Brooklyner Szene gilt. Ihr Spiel besticht durch Originalität und Klarheit und besitzt einen unbestechlichen Swing. Im diesjährigen DOWN BEAT-Kritikerpoll konnte Davis den sechsten Platz in der Rising-Star-Kategorie belegen. Man kann also noch einiges von ihr erwarten. Die Mutter eines kleinen Sohns ist außer in ihren eigenen Bands noch in diversen anderen Ensembles aktiv - immer mit hochkarätigen

Namen: Tony Malaby, Eric Revis, Andrew Cyrille oder Tim Berne. Auch in Ingrid Laubrocks Gruppe Anti-House sitzt Davis am Piano. Aktuell sind ein Soloalbum und eine Trioplatte von ihr erschienen, letztes Jahr eine Einspielung ihres Quintetts Capricorn Climber.

Christoph Wagner: Sie haben gerade ein neues Soloalbum veröffentlicht. Was war die Idee dahinter?
Kris Davis: Es handelt sich um meine zweite Soloplatte. Ich habe darauf Stücke entworfen, die vier Komponisten zugedacht sind, mit denen ich mich in letzter Zeit intensiver beschäftigt habe: Luciano Berio, Franz Liszt, György Ligeti und Morton Feldman. Ich habe mich mit verschiedenen ihrer Werke auseinandergesetzt. Für meine eigenen Stücke und Improvisationen nehme ich diese Erfahrungen als Ausgangspunkt.

Christoph Wagner: Was ist Ihr spezielles Interesse an diesen Komponisten?
Kris Davis: An jedem einzelnen von ihnen interessiert mich etwas anderes. In seinen Stücken für Solopiano Sequenza IV oder Leaf arbeitet z. B. Luciano Berio mit dem Sostenuto-Pedal. Das ist das mittlere Pedal am Flügel, das den Ton hält. Dazu experimentiert er mit Akkorden in der linken Hand, die traditionelle Jazzpianisten oft zum Begleiten benutzen. Er verteilt diese Akkorde auf beide Hände und verwendet sie auf sehr originelle Weise, wobei er das Tonhalte-Pedal einsetzt. Das ergibt eine aufregende Textur, wobei mich Texturen auch bei den anderen Komponisten interessieren. Diesen Ansatz habe ich versucht improvisatorisch aufzugreifen. Ein Stück auf dem Soloalbum heißt deshalb „Leaf-Like", ein anderes auf meiner Trio-Einspielung „Berio".

Christoph Wagner: Wie gestalten Sie die Improvisationen in den jeweiligen Stücken?
Kris Davis: Den Ausgangspunkt bildet meistens ein Klang oder eine Textur, die ich dann improvisatorisch weiterspinne. Manchmal habe ich auch eine bestimmte Form im Kopf, die ich in der Improvisation zu entfalten versuche. Meistens weiß ich, in welche Richtung ich gehen will. Es gibt aber auch Improvisationen, wo ich einfach zu spielen beginne. Das Ergebnis ist dann völlig offen.

Christoph Wagner: Sie haben gerade ein Album in der klassischen Jazzpianotrio-Besetzung veröffentlicht.
Kris Davis: Die Kompositionen auf dem Trio-Album wurden von der Jazz Gallery in New York in Auftrag gegeben. Meine erste Trioplatte war wie ein Popalbum konzipiert, mit vielen kurzen Stücken, wobei auch die Improvisationen knapp gehalten waren.
Dieses Mal wollte ich mich nicht irgendwelchen Vorgaben unterwerfen, sondern Stücke ohne jede Beschränkungen entwickeln. Ich komponierte Ausgangssequenzen, dann wollte ich sehen, was improvisatorisch passiert. Deshalb sind die Stücke länger geraten. Die Eröffnungsnummer „Whirly Swirly" wurde sogar eine dreiteilige Suite. Sie beginnt mit einem Schlagzeugsolo. Im weiteren Verlauf begegnen sich zwei extrem unterschiedliche Ideen: eine Sequenz, die eher konventionell angelegt ist und dann in einem rhythmischen Zusammenbruch endet. Es gibt also starke Kontraste: abstrakt versus konkret, langsam versus schnell, ätherisch versus zupackend. Der Hörer macht sehr unterschiedliche Erfahrungen. Das Stück ist durchkomponiert, lässt aber eine Menge Spielraum für Improvisationen.

Christoph Wagner: Wie intensiv wurde das Triomaterial einstudiert?
Kris Davis: Wir probten viel. Danach ging es auf Tour. Dabei konnten wir die Kompositionen zusammen entwickeln. Nach der Tour ging es ins Studio. Das war ideal, ist aber nicht immer möglich.

Schön unwohl

Christoph Wagner: Das Pianotrio ist eine klassische Jazzbesetzung.
Was macht die Attraktivität aus?
Kris Davis: Das Pianotrio hat mich einerseits immer fasziniert, auf der anderen Seite aber auch eingeschüchtert, weil es mit so viel Tradition behaftet ist. Ich ließ mich darauf ein, um mich selbst herauszufordern, weil es die Besetzung ist, die mir am wenigsten liegt. Aber gerade weil ich mich im Trio am unwohlsten fühle, zieht es mich an, da ich meine eigene Stimme in diesem Format finden möchte. Das geht nicht, indem man kneift, sondern indem man sich damit auseinandersetzt. Das Pianotrio empfinde ich als besonders schwierig, weil das Klavier die einzige Melodiestimme ist. Man ist pausenlos gefordert.

Christoph Wagner: Was sind ihre Einflüsse?
Kr...

Da queste parti, essere restii a trattare album basati sul repertorio degli standard del jazz non è "puzza sotto il naso" quanto una "problematica estetica": dagli anni del bebop in poi, con qualche felice ma sporadica eccezione hard-bop, ed escludendo il Keith Jarrett Trio, è difficile trovare un progetto fondato su evergreens jazz che suoni davvero originale. Sarà che dal cool in avanti, l'originalità passa più per brani che per interpretazioni originali, ma trovare "versioni di standards" rilette in maniera diversa ed alternativa dal consueto o dall'accademia, risulta piuttosto arduo. Ebbene, questo Cd esce dal coro. Merito del leader, il batterista Tom Rainey, che lo ha pensato, e della compagine che lo realizza, con i "veterani" Alessi e Gress e le "emergenti" Laubrock e Davis. Un incontro intergenerazionale che ha già dato ottimi frutti in vari contesti e occasioni sparse, pure a bandleaders invertiti, e che qui nobilita ed esalta tanto i pezzi tratti dal Great American Songbook quanto le composizioni di Brubeck, Monk ed Ellington, ossia In Your Own Sweet Way, Reflections e Prelude to a Kiss. Senza leggere i titoli sulla tracklist, inserite il Cd nel lettore, magari attivate pure la funzione shuffle, sedetevi ed ascoltate. Sarà difficile capire al primo ascolto di che brano si tratti: questo significa rileggere uno standard a modo proprio, la musica rimane fresca e affascinante, senza mai dare la sensazione di "già sentito". Un bel progetto, con pezzi interessanti. Due ver-
sioni, spigolose e arrembanti, di Just in Time, con sax e tromba che dialogano rapidi e guizzanti, e la ritmica che li sostiene e pungola con maestria. Una frastagliata In Your Own Sweet Way, in modalità ballad free-golante post-rollinsiana. Ritmata e colorata con tinte cangianti e a tratti sfumate, Long Ago and Far Away. Cui segue una sofisticata e meditativa Reflections, edulcorata rispetto alle asperità monkiane, con increspature garantite dal disquisire articolato e complice di Alessi e Laubrock, e supporto sconnesso da parte di piano e ritmica. Secret Love ha poi un respiro orchestrale, pur realizzato in combo, e mette subito allegria. La particolarità è che tutte le interpretazioni sono intrigate ed intriganti. Anche quella di Prelude to a Kiss, che si apre con uno scatenato ma sempre razionale solo di batteria, per lasciare spazio poi all'introspettiva melodia ellingtoniana, resa in maniera glaciale e sospesa dal duo sax-tromba, su tappeto sfilacciato e lanuginoso di piano e batteria e ancoraggio ritmico di basso. Yesterdays si sviluppa invece come un dialogo intimo e libero fra i cinque membri dell'ensemble: ognuno mette del suo nell'interpretazione corale e minimalista-free degli altri. Un bell'interplay. Infine If I Should Lose You, languida ed intensa, pur nelle sue consuete increspature timbrico-espressive di gruppo e dei singoli, e You Don't Know What Love Is, altresì malinconica e cogitabonda. Un ascolto "obbligato".