OM formed in 1972, dispersed in 1982, then resumed from 2006, a pivotal Swiss group immersed in comprovisation, with a stable roster up until the demise of drummer Fredy Studer in 2022. In 2024 they toured, feeling the urge for two new drummers to work behind (and underneath) them, magically gaining the presences of Gerry Hemingway and Tony Buck. Impressive from the get-go, but this pair surely exceeded even the great expectations felt within the remaining OM threesome. This is a robust live recording from that '24 tour, captured at the Südpol Kulturhaus in Switzerland, harnessing OM's bold sonics. Doran pens most of the originals (three out of five of these extended pieces), but doesn't overly dominate on the soloing front. This is left to the upfront Leimgruber and the ever-active sticksmen (skins and metal), forever seeking out sensitive details and clicking together magnificently. It's straight into action with 'Fast Line', as Urs leaps in, rippling with force, shivering sharply, bandmates stalling and driving in rapid succession. It's unusual to hear Buck in more of a speeding situation, compared to his slow-crawling for The Necks, but there's also space for quiet exploration here, less than two minutes into this barnstormer number. OM deliver pre-planned compositions, but containing lagoons of freedom. Towards the end, the drums are working towards dual oblivion, Leimgruber and Doran joining the stippled fray, the former overblowing in style. There are atmospheric alignments for 'Gamelan', poised with careful placement of sound textures, room to unspool the soprano guts, Doran nudging the percussionists towards metallophone zones. Then, 'P-M-F/B' maintains a repetitive, pouncing groove momentum and 'Behind The Eye' climaxes with tough riffing, honking soprano (a rare concept), bending, angular guitar parts, with strafes going into minimalist gesturing. This is a very well-captured live show.

https://www.jazzwise.com/reviews/om-sudpoll

Die Unvereinbarkeit unterschiedlicher musikalischer Konzepte wird in Alexander Hawkins' aktuellem Projekt aufgelöst. Dafür erweiterte der innovative britische Pianist sein Klangspektrum mit raffinierten Synthesizer-Einsätzen. Die orchestrale Wirkung wird durch die rhythmischen Figuren des Drummers Hamid Drake und Matthew Wrights Live Sampling ergänzt. Dazu stoßen, wie in „Resolution Each And Every", die phantasievollen Diskurse der amerikanischen Flötistin Nicole Mitchell und die abstrakten Melodien des Harfenisten Rhodri Davies. Beide komplettieren Alexander Hawkins' musikalische Limits überschreitende Soundarchitektur.

Seit dem Tod ihres Drummers Fredy Studer 2022 arbeitet die Luzerner Band OM mit den zwei Schlagzeugern Gerry Hemingway und Tony Buck. Ihr neues Album «Südpol» gibt den atmosphärisch-dunklen Soundgeweben viel Raum, was Ruhe und Spannung in die Musik bringt. Gekoppelt mit einigen Ecken und Kanten und groovebetonten Passagen, zeigen die fünf Stücke, wie die Band trotz Schicksalsschlägen noch immer überraschen kann.

Und wieder hat James Brandon Lewis ein neues Album vorgelegt. Die immerhin schon zwölfte Veröffentlichung seit 2000 und die fünfte Produktion in gleicher Besetzung: Mit dem kubanischen Pianisten Aruan Ortiz, dem Bassisten Brad Jones und dem Schlagzeuger Chad Taylor.
„Omni“ beinhaltet neun Kompositionen, die alle von Brandon Lewis stammen. Wie schon in der Vergangenheit bläst der Tenorsaxophonist zum Sturm. Aber vieles klingt geordneter, durchdachter, als auf den Vorgängern. Es geht ihm um Selbstreflexion. „Mit zunehmenden Alter habe ich andere Wege gefunden, mich auszudrücken“, sagt er in den Liner Notes des Album, „als noch in meinen 20ern und 30ern.“ Es ist, als würde er eine Phase der Selbstbesinnung durchmachen. Ihm geht es darum, Subjektivität und Objektivität in Einklang zu bringen. Da kommt im Einzelnen Spiritualität zum Ausdruck. Weniger ein leidenschaftliches Entäußern am Instrument, als ein differenziertes Abwägen zwischen kraftvoller Improvisation und gedanklicher Vergegenwärtigung. Es kommt etwas Analytisches ins Spiel, wenn der Sohn eines Baptistenpredigers danach fragt, wer er ist und welche Rolle der Glaube in seinem Leben bzw. seinem Musizieren einnimmt.
Damit scheint er sich noch mehr als bisher John Coltrane zu nähern, dessen Erbe er schon eine Weile inhaltlich am deutlichsten weiterführt. Brandon Lewis bleibt der Fackelträger am Instrument, ein Prediger am Tenorsaxophon, ebenso radikal in der Improvisation, wie klar strukturiert im Aufbau seiner Musik.

https://kultkomplott.de/Permalink/Artikel/4075/#article_anchor_4075

Gegründet 1972 ging das Quartett OM schon 1982 wieder auseinander - um sich 2006 erneut zu vereinen. Die Electricjazz-Freemusic Band besteht bis heute, auch wenn sich die Besetzung vor einigen Jahren aufgrund des tragischen Ausscheidens Fredy Studers leicht geändert hat. Das hat ihrer Energie und ihrer Kompaktheit jedoch nicht geschadet. Noch immer donnern und toben OM durch die Konzertsäle und die Studios und hinterlassen eine breite Spur, die sich ebenso bei Jimi Hendrix wie auch bei John Coltrane verorten lässt.
Wer nun denkt, dies sei Musik für Nostalgiker, der irrt ganz gewaltig. Denn OM führen nur fort, man könnte auch sagen übersetzen den Gedanken musikalischer Intensität neu, was diese beiden in der Vergangenheit angerissen haben.
Eingespielt im Kulturzentrum Südpol in Luzern verkettet die Band Rock und Jazz, Avantgarde und Neue Musik. Sie lassen Ideen explodieren, provozieren mit pulsierenden Grooves, kalkulieren ein musikalisches Chaos, strukturieren die Wildheit und reagieren kurzfristig und spontan. Ihre Spielhaltung: Pure Neugier, reiner Spaß. So ist OM eine Musikerclique, die sich das Abenteuer des Musizierens auf die Fahne geschrieben hat. Die Band, benannt übrigens nach einer Aufnahme von John Coltrane, findet immer wieder Kontraste und lebt diese lustvoll aus. OM ist sich selbst treu geblieben und es gilt heute noch, was ihr Saxophonist Urs Leimgruber einmal sagte, dass Originalität, Eigenständigkeit und Hartnäckigkeit die typische Eigenschaften ihrer Musik seien. Daran hat sich nichts geändert.

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Tutti gli anni Novara Jazz porta qualche concerto in una chiesa del centro storico della città e spesso anche fuori città, sulla scorta dell’analoga iniziativa londinese denominata Church of Sound. È capitato però che tra gli organizzatori del festival e la diocesi siano sorti piccoli contrasti, riguardanti il fatto che il jazz non sia considerato musica sacra e di conseguenza addirittura inadatto ad una chiesa, a un duomo o ad una basilica. Mi piacerebbe vedere cosa penserebbe un prevosto, di fronte al nuovo disco di James Brandon Lewis, uscito per Intakt Records ed intitolato Omni, che vede la consueta formazione con Aruán Ortiz al piano, Brad Jones al contrabbasso, Chad Taylor alla batteria e ovviamente James Brandon Lewis al sax. Omni è la radice latina di tre attributi fondamentali del Dio cristiano, ovvero «Onnisciente», «Onnipotente» e «Onnipresente»: infatti Brandon Lewis non fa mistero sul fatto che il disco sia un percorso profondamente spirituale e che sia anche la continuazione ideale di Transfiguration del 2024 (ne abbiamo parlato qui).

“‘Omni’ riprende esattamente da dove ‘Transfiguration’ si era interrotta” spiega infatti il compositore e prosegue precisando di come ci sia “Un livello di introspezione che mi fa porre domande su chi sono. Spogliare gli strati può essere doloroso, ma voglio farlo, voglio commentare la mia spiritualità“. Non ci sarebbe bisogno di aggiungere altro, a parte qualche nota tecnica magari ricordando che, con questa formazione, Lewis ha elaborato il concetto di Musica Sistematica Molecolare, che ruota attorno a scale di 6 o 7 note, ma che poi, con il già citato Transfiguration, Lewis inizia a usare un sistema a 12 toni, (oltre alle scale a sei e sette note). Ciò allude e omaggia uno dei capiscuola della musica moderna come Arnold Schoenberg, ma non è certo la citazione colta il cuore della musica di Lewis, ciò che conta è solo la sua ricerca che esplora costantemente lo spirito e lo spirituale. Val la pena di ricordare che James Brandon Lewis è figlio di un pastore battista e che la ricerca musicale è per lui un mezzo e non un fine, e che il fine è la ricerca delle forze spirituali, che agiscono nell’essere umano. Eh sì, esiste nel jazz, come in tante altre forme musicali, questo insopprimibile desiderio di “andare oltre”, di usare la materia musicale per farci giungere, dopo aver attraversato oceani in tempesta, qualche baia sicura, qualche landa di pace se non proprio di beatitudine. Ci sono ancora artisti che non hanno abdicato a “l’art pour l’art” ce ne sono nella musica e nelle altre arti e, frequentando il jazz da un bel po’ di anni, devo riconoscere di averne incontrati (per fortuna) parecchi.

Omni incomincia col brano che dà il titolo all’album e si apre col suono armonioso e profondo, pacato e meditativo del sax di Brandon Lewis, un brano breve ed intenso seguito dalla vitalità di The Sermon, affidato per metà ancora al sax di Lewis e per metà allo straordinario pianoforte di Aruán Ortiz. I brani si susseguono, ma questo è un lavoro che va letto certamente nella sua interezza, come dice nella nota di copertina Kevin Le Gendre, un sermone senza parole. La ricerca della spiritualità però, non è un sentiero a fondovalle immerso nella pace, ma un percorso irto di inciampi, di contraddizioni, di riflessioni, anche di retromarce. È un’aspirazione che per essere saziata, ammesso che sia possibile riuscirci, richiede impegno e dedizione, anche sconcerto, dubbio e sofferenza e esige la presenza di un sacro fuoco.

Come quello contenuto in Fire in my bones, uno spirito raccontato altrettanto bene in Tesfity, quasi un blues o nel tormentato Call to workship, o ancor di più in Line Upon Line, una sorta di “whooping”, in cui la “salmodia” della Black Church, quasi completamente free, sembra arringare l’ascoltatore-fedele, ed anticipa la vitalità deflagrante di Spirit of the living God. I brani in cui l’immaterialità dello spirito sembra essersi pacificato nella nostra anima secondo un immaginario musicale, sono proprio i tre pezzi che definiscono le attribuzioni di Dio: dopo Omnipotent in apertura, ecco a metà album Omniscient (sax e contrabbasso di Chad Taylor) e, alla fine dell’album Omnipresent col suo crescendo dolcemente mosso e quasi ascetico.

No, non siamo decisamente nel territorio della musica fine a se stessa: l’elemento fortemente religioso, sebbene apparentemente mitigato da intense sonorità jazz, non è un elemento trascurabile o surrettizio, anzi queste composizioni sono profondamente religiose e, tornando all’argomentazione iniziale di queste note, potrebbero e, in un certo senso dovrebbero, essere eseguite anche in luoghi deputati al culto. Occorre però essere molto duttili ed anticonformisti (termine ormai caduto purtroppo in disuso), per comprendere che la spiritualità abbisogna di nuove forme di trasmissione del suo complesso contenuto. Un disco coerente con tutto il percorso musicale di James Brandon Lewis, musicisti che non hanno derogato ad una...

In Geiselhaft am Südpol

Die Ohren gespitzt: Das Meditationsmantra von OM funktioniert auch auf dem neuen Album

Dieses laute, aber immer auch lautmalerische, geheimnisvoll treibende und ziemlich flippige Rockjazz-Zeug, das sich in den frühen Siebzigern frech von den großen angloamerikanischen Vorbildern abhob und in der allgemeinen Aufbruchstimmung quasi direkt vor der Haustür so überzeugend den Weg wies – wer hat’s erfunden? Die Jungs von OM natürlich, der Band aus Luzern in der Zentralschweiz. Mehr noch als Jimi Hendrix beteten sie damals John Coltrane an, doch von Beginn weg war auch viel Eigensinn im Spiel. Und angewandte helvetische Präzisionsmechanik als gemeinsame Kernkompetenz.

In den Liner Notes zum neuen Album »Südpol« erinnert sich Christy Doran, einst aus Irland eingewandert, wie er und Fredy Studer mit 15 bzw. 16 erstmals in der elterlichen Garage zusammen Krach machten. Ein altes Radio diente ihm als Gitarrenverstärker, derweil sein Kumpel auf Kartons und ein an der Wand lehnendes Stück Metall eindrosch. Nur wenige Jahre danach war aus Studer aber bereits eine Art Werksdrummer und Produktentwickler der Firma Paiste im nahen Nottwil geworden, während Doran europaweit als führender Gitarrenflüsterer, wahlweise auch als Gitarrenberserker gelten durfte. In seinem Spiel höre man »Wasserfälle von Hendrix, Wellen von Rypdal und sogar Rinnsale von Van Halen«, hat der Chicagoer Kritiker John Corbett später einmal diagnostiziert. Und man sieht Jimi, Terje und Eddie bis heute zustimmend nicken.

Als Doran und Studer 1972 mit dem Saxophonisten Urs Leimgruber und dem Bassisten Bobby Burri die Band OM ins Leben riefen, waren sie dann endgültig auf dem Gleis, wie man im Land der schon damals pünktlichen Eisenbahnen sagt: Einladung zum Montreux Jazz Festival, Deutschland-Tourneen, man konnte den erstaunlich populären Helden und Headlinern von OM weit herum beim Besserwerden zuhören und zusehen. Nach drei Alben beim damals einflussreichen ECM-Ableger JAPO zerstreuten sie sich, gingen da und dort prominent fremd, drehten eigene Dinger, drifteten wieder zusammen und konnten 2022 schließlich sogar goldene Hochzeit feiern. Doch die Veröffentlichung von »50« erlebte der schwer erkrankte Fredy Studer leider nicht mehr, heute ersetzen ihn Gerry Hemingway oder Tony Buck bzw. wie auf dem gerade erschienenen Album »Südpol« beide gemeinsam.

Wie war das: Rockjazz? Der alte Oberbegriff trifft die Sache längst nicht mehr. Aber auch mit Trance oder Ambient oder Industrial wäre das, was die Band hier anzettelt, nur ungenügend beschrieben – »ElectroAcoustiCore« steht ganz klein auf dem Cover. Wobei das Wenige, was sie dem allumfassenden Nichts überhaupt abringen, kaum je identifizierbare Gestalt annimmt, sogar das sprechende Motiv in »Gamelan« verschwindet rasch wieder in der großen Schwärze. An den Rändern regt sich dann und wann etwas Neues. Leise pochende Morsezeichen von links, von rechts verhaltenes Trommeln, das immer tiefenschärfer wird. Dazu ein Rumoren aus den Apparaten, die Doran und Burri bedienen, um ihre eigentlichen Instrumente unkenntlich zu machen. Nur Leimgruber verfremdet sein Sopransaxophon kaum, wenn er den Schrei der geschundenen Kreatur oder einen wohligen Seufzer ausstößt. Oft genug aber herrscht schlicht und ergreifend: Stille. Gespenstisch? Nicht doch, aber man lauert aufs nächste Geräusch – und ist OM schon wieder in die Falle gegangen. Am besten fügt man sich widerstandslos in diese einstündige südpolare Geiselhaft, spitzt nichts als die Ohren und überlässt sich dem Schicksal.

»Als Musiker und Zuhörer haben die Mitglieder von OM die letzte Hälfte der Jazz-Entwicklung miterlebt«, schreibt Kurt Gottschalk im Booklet und verweist auf das altägyptisch-griechische Bild der Schlange im Kreis, die ihren eigenen Schwanz frisst. Klingt so Musik, die am Ende einer langen Reise bei sich selbst ankommt? Und zwar nicht am, sondern im »Südpol«, denn so heißt einfach nur das Konzertlokal, in dem das Album live eingespielt wurde. Als kompromissloses Statement einer Band, die dem Meditationsmantra, das sie in ihrem Namen mitführt, vielleicht noch nie so nahegekommen ist wie hier. Die aber auch keineswegs den Zauber aus jener 70er-Jahre-Garage vergessen hat, wo das alles begann.

https://www.jungewelt.de/artikel/525189.jazz-in-geiselhaft-am-s%C3%BCdpol.html?sstr=Rockjazz

Éclats - Live In Europe, the fourth recording by Sylvie Courvoisier’s trio with bassist Drew Gress and drummer Kenny Wollesen, documents the outfit at a point where structure and spontaneity have become nearly indistinguishable. The album artfully stitches together excerpts from three dates in early 2025, while maintaining a consistent sonic ambience and the continuity of a single performance. It presents nine Courvoisier compositions, all but one drawn from the group’s previous three outings, including some of the pianist’s most memorable tunes in what could pass as a greatest hits compendium.

Even in normal circumstances, Courvoisier’s writing teems with catchy hooks, abrupt switchbacks and sudden suspensions. After six years of touring this repertoire following 2020’s Free Hoops, the trio has internalized the material to the point where the charts function more as points of departure than fixed forms. As a consequence the renditions here bear scant resemblance to the original versions, thematic framing aside. Nor are they alternate codifications. Having been lucky enough to witness the threesome several times in recent years, I can attest that they treat the pieces as organic entities, freshly minted on each occasion, kaleidoscopic in reach.

The title cut, one of the pianist’s flagship numbers, which has appeared in multiple guises over the years, furnishes a case in point. Dedicated to Ornette Coleman, it echoes the saxophonist’s vivacity, but views it through a distinctly exploratory lens. After the sprightly head, a lyrical bass and drum interlude settles into a walking groove. Courvoisier exploits this as a backdrop for a jaw-dropping display incorporating metal rubbed across strings, poltergeist taps, jazzy consonance, bluesy motifs, Cecil Taylor-like energy and articulation, and hyperspeed runs which suggest Conlon Nancarrow at his most ambitious. Her ability to meld real-time piano preparations and disparate styles into a cohesive whole brooks no rivals. In one exceptional passage she makes the strings veritably moan, eliciting sympathetic bass slurs from Gress. All of it unfolds in just over six minutes, on almost the shortest track.

At times such adventures generate formidable momentum. Gress exerts a mastery of melody and motion, combining them into an elastic flow, while Wollesen takes care of business without neglecting pitch and timbre. Yet although they tether the trio to the tradition, they remain alert to opportunities to subvert it. Foot-tapping or head nodding are likely to lead to dislocation. Form dissolves in an instant, only to miraculously reassemble Terminator-like and carry on as if nothing has happened. Bass and drums shine through gaps in the luxuriant surrounding foliage, whether cleared purposely or occurring by serendipity is a moot point. False endings and teasing feints, in which incipient solos suddenly vanish, render futile any attempt to distinguish scored interventions from collective improvisation.

Gems stud the program. “Just Twisted” takes on the contours of a drum concerto, Wollesen stretching out alone and later atop a rippling piano figure, amid the emphatic flourishes, slashing boogie-woogie and darting clusters. On the kinetic “Imprint Double” Courvoisier essays a dazzling series of glissandos before slotting back into a stomping beat. Gress introduces “South Side Rules” with a singing arco serenade. “Lulu’s Dance” receives a spare pointillist reading, taking its cue from the clipped high notes interpolated into the rolling theme, and providing a platform for the clacks and clangs of the drummer’s homemade “Wollesonics.”

Few working bands move so comfortably between swing, abstraction and chamber-like detail while sounding this wholly engaged with the moment. Among a slew of strong releases, this stands as one of Courvoisier’s finest.

https://www.pointofdeparture.org/PoD95/PoD95MoreMoments2.html

James Brandon Lewis is on a remarkable run. Deface the Currency (Impulse!, 2026), his second collaborative album with the Messthetics, placed him at the cutting edge of the fiery fusion of punk and jazz. While that record proved he could invoke the power and fury of 60s Detroit band MC5's rock-and-roll testimonial Are You Ready to TESTIFY! (Sanctuary Records, 2007), on Omni, he is invoking a different kind of testimonial, one grounded in his upbringing as the son of a minister. Lewis and his long-running quartet, pianist Aruán Ortiz, bassist Brad Jones, and drummer Chad Taylor expand on Lewis' "Molecular Systematic Music" and construct a sonic temple where they deliver a twelve-tone gospel from the pulpit.

Lewis has carefully structured the album around the three omnis of God. "Omnipotent" opens the album, much as the choir would open the service. This beautiful, minute-long solo piece reminds the congregation to take comfort in the fact that God is all-powerful while also preparing them for the message to come.

"The Sermon" starts quietly, with Ortiz, Jones, and Taylor starting things off before Lewis and his saxophone take the pulpit. However, as the message progresses, it begins to pick up energy, using a similar timing and cadence to that of a minister. Like the prophet Jeremiah, on "Fire in My Bones," Lewis has an uncontrollable fire burning inside him; he must let it out, or else be consumed by the pain it causes when he keeps it in. On this particular song, the band's skillful, almost telepathic interplay conveys this feeling perfectly.

This intense energy perfectly sets the stage for the next critical part of the liturgy. "Testify" is the sound of the congregation sharing a communal experience, bonding with one another as they stand to speak their unique experiences with the divine aloud. The concept of bonding plays a crucial role in Lewis' "Molecular Systematic Music." Within this musical framework, Lewis believes that musicians can break down music into tones, or "atoms." By bonding these tones into different musical molecules, you begin to form the unique DNA strand of the music being created, just as the individual members (atoms) of the congregation bond together to create the DNA of their own church. Similarly, the quartet can continuously reshape the music by combining the molecules in different ways, giving them the freedom to create something different each time they play.

Immediately following is the second omni, "Omniscient." The all-knowing God is in the church, listening to the testimonials, and the track is fittingly beautiful and serene. It acts as a salve on the fiery hot burn of our sins, a cooling grace for both the weight of our burdens and the heat of the holy fire.

"Line Upon Line" also has a dual meaning in the context of Lewis' molecular system. The band builds the song line by line, one molecule at a time, one line at a time, until the song is complete. In the church, a minister builds the sermon line by line, word by word, as it builds towards its message; this mirrors the way God reveals his truth, one line at a time, slowly, so that we can understand the truth. On this track, Taylor's drumming is less about keeping time and more like a kinetic jackhammer, pounding away as the track is constructed around him. Lewis' sax is urgent; his fiery overblowing raises the stakes and more than matches Taylor's intensity as they build their church, their sermon, their song, their message, one line at a time, until completion.

As the notes of "Spirit of the Living God" hit, the congregation stands and sings to close out the service as they file out of the pews; the third omni, "Omnipresent," begins, a fitting reminder that God is everywhere as they exit the church. In actuality, the physical church is just a building; the real church is the congregation, who carry the message forward. The message is not just in them; it is everywhere. On Omni, the music does not merely carry a message; it is the message.

While Omni is a spiritual jazz album, it is not a free jazz fire-breathing manifesto. Lewis' twelve-tone gospel is deeply reflective and beautiful. When it does burn, it does so with a purpose; it is controlled, passionate, but never fire and brimstone. The quartet deftly navigates between both extremes, with a skillful mastery born from their shared years of playing together. Molecular Systematic Music provides them with a framework, a map, a blueprint. Yet it is within this structure that they find the absolute freedom to create, to bind their notes into an infinite number of sonic combinations.

https://www.allaboutjazz.com/omni-james-brandon-lewis-quartet-intakt-recordss

James Brandon Lewis is now one of the top composers, bandleaders and tenor saxophonists of the world jazz scene, so each new album drop is going to garner load of attention. That certainly applies for his Quartet, which boasts pianist Aruán Ortiz, bassist Brad Jones and drummer Chad Taylor backing Lewis. Well, the James Brandon Lewis Quartet just dropped their latest and it continues the astonishing development of Lewis as an advanced composer. Omni (Intakt Records) is the sixth release by his Quartet, and a new release for the third year in a row.

The rapid-fire succession of new material isn’t diluting the quality; it merely means the music is evolving at a fast pace. What started out as six- or seven- tone system has grown to twelve tones and beyond.

After the short plaintive saxophone salutation of “Omnipotent,” the bands leaps right into the current state of Lewis’ ‘Molecular Systematic Music’ concept. “The Sermon” takes modern jazz to its limits, resembling the urgent, nervous “Riot” by Miles Davis’ second great quintet. But listen to that Jones/Taylor rhythm section and you’ll find a completely different, muscular fragmented approach that just sends the song into a wide orbit. That’s plenty enough to prompt Lewis to rain down a vibrant downpour of notes.

Lewis continues to flirt with avant-gardism, applying accelerando to “Fire In My Bones,” bringing the melody at the bursting point when maximum velocity is reached, then slows down to a lazy pace, the sax sounding almost pre-bop; it’s as if ‘fast’ represents jazz at the frontier and ‘slow’ being jazz back in its tradition.

“Testify” is testifyin’ the blues here, starting out with a wail and settling into a sax procession that simulates a blues shouter, not a saxophone. Ortiz maintains the mood with a barrelhouse piano.

The spirituality of John Coltrane is never far from Lewis and he delivers an authoritative sermon in the Church of Trane during the “Call To Worship” that’s bound to chase all the demons away. Jones afterwards offers soothing counterpoints on his turn. “Spirit of the Living God” is another testimonial and here, Taylor’s circular rhythm seems completely at odds with the other three performers who are playing at a much slower place. They created an illusion because the timekeeping is actually on point and over time the synchronicity gradually becomes more evident.

The closing “Omnipresent” is powerful and subdued at once. Lewis extends his notes so they leave large footprints as Taylor orchestrates a quiet turbulence behind him.

James Brandon Lewis continues to push his artistry forward when it appears it’s reached the limit. There’s no limit to what Lewis can conceive and put into action, however, and Omni is yet another major achievement for him and his Quartet.

Omni is available now, via Bandcamp.

https://somethingelsereviews.com/2026/06/26/james-brandon-lewis-quartet-omni-2026-june-26//

I grandi musicisti non hanno paura di cambiare, non hanno timore ad avventurarsi su strade nuove, su territori ancora non esplorati che coinvolgano magari nuove frequentazioni. Questa la prima considerazione dopo la sensazione di leggero spaesamento all’ascolto del nuovo album di Alexander Hawkins, pubblicato, così come i suoi ultimi lavori, dalla storica etichetta svizzera Intakt.

Chiariamo subito che facciamo il tifo per Hawkins da sempre, da quando abbiamo avuto il piacere di conoscerlo e di apprezzarne le grandi doti musicali, al pianoforte come all’organo, le capacità compositive, l’intelligenza nelle pratiche improvvisative e il grande spessore umano. Hawkins ha sempre dimostrato una sensibilità musicale fuori dal comune, una capacità di mettersi al servizio di altri musicisti o di porre le basi per un rapporto paritario, tra liberi ed eguali, quando si tratta di improvvisare o quando li chiama a raccolta per prendere parte a un suo lavoro. L’impressione è infatti che chi ha collaborato con lui nel corso degli anni non sia mai stato trattato solo come semplice esecutore. Lo stesso vale per questo album, che riunisce vari musicisti in una formazione inedita.

Infatti il suono cambia, Hawkins si apre a certe suggestioni africane mai prima così nette, la musica sembra avere un respiro diverso, più rilassato, meno trattenuto, affinché tutti trovino il loro spazio e abbiano il tempo necessario per abitarlo. È una musica profondamente collettiva, guidata da uno spirito libero e radicale, con una personalità talmente forte da non aver paura di farsi da parte, lasciare la scena agli altri e godere di un flusso collettivo sgorgato con apparente spontaneità, senza timori di passare per il setaccio della post-produzione, non più un tabù inconciliabile con spontaneità e libertà.

La bellissima formazione vede Rhodri Davies all’arpa, Hamid Drake alla batteria, Nicole Mitchell al flauto e Matthew Wright (con cui Hawkins aveva reso un turbolento e originale omaggio a Duke Ellington su commissione del Torino Jazz Festival) ai giradischi e ai campionamenti. Infine c’è una perla in chiusura dell’album, una coda inaspettata: Hawkins, Hamid Drake e Nicole Mitchell si divertono a rincorrersi gioiosamente in quello che sembra un piccolo, delizioso omaggio al grande jazz sudafricano.

Non ci sono nazioni. C’è solo l’immaginazione. Che qui, finalmente, prende il potere.

https://www.thenewnoise.it/alexander-hawkins-no-nation-but-imagination//

Myra Melford, le gène de l’improvisation

Riche actualité pour la pianiste et compositrice étatsunienne.

Entre Paris et Mantoue, rencontre lors d’une escale à Toulouse. La pianiste est présente sur quatre disques récents ou à venir : Myra Melford - Splash (Intakt, 2025) ; Myra Melford/Satoko Fujii - かたらひ (Katarahi) (RogueArt, 2026) ; Ben Goldberg/Myra Melford/Danny Lubin-Laden - Trouble Trouble (BAG, 2026) ; Fire and Water Quintet - Sure Grand Out (RogueArt, 2026). C’est l’occasion de faire le point sur son parcours et ses projets.

- Pouvons-nous commencer par votre nouvel album en duo avec Satoko Fujii, « かたらひ (Katarahi) » sur RogueArt ? Vous aviez déjà collaboré sur « Under the Water » sorti en 2009. Comment vous y prenez-vous pour jouer à deux pianos ?

Satoko Fujii et moi nous sommes rencontrées en 1994. Je donnais un concert solo dans un petit club de Cambridge, dans le Massachusetts, appelé Club Passim. Après le concert, Paul Bley, qui avait amené Satoko, nous a présentées. A l’époque, elle vivait à Boston et moi à New York. Après mon déménagement à Berkeley, elle est venue dans la baie de San Francisco et nous avons organisé un concert à deux pianos à la Maybeck House en 2007. C’était notre première rencontre musicale, et l’album qui en a résulté est sorti un peu plus tard. Nous avons improvisé, sans discussion préalable. Par la suite, nous avons donné des concerts au Japon, à San Francisco, et commencé à recevoir des invitations pour des concerts en Europe. Nous avons songé qu’au lieu de jouer de manière totalement libre, nous pourrions apporter des compositions, qui ménagent une grande place à l’improvisation mais avec un point d’ancrage commun et un peu de planification, afin qu’il y ait davantage de variété et de contraste dans nos modes de jeu et le déroulement des sets. L’occasion de nous produire au Leibnitz Jazz Festival s’est présentée. Cela devait avoir lieu pendant la pandémie, mais le concert a été reporté et n’a eu lieu qu’à l’automne 2024.

– Le nouvel album est issu de ce concert ?

Oui. Il a été réalisé par l’Österreichischer Rundfunk, la radio autrichienne. Après l’avoir écouté, comme nous étions satisfaites de sa qualité ainsi que de notre prestation, nous avons décidé de le sortir. Nos manières de jouer et de composer sont différentes. Mais quand nous jouons ensemble, et c’est le cas sur ce nouvel album en particulier, il est parfois difficile d’identifier l’une ou l’autre. Nous changeons aussi de piano au milieu du concert, ce qui ajoute à la confusion. J’aime à penser que nous créons un son particulier ensemble, plutôt que d’être deux pianistes distinctes qui doivent nécessairement être identifiables.

– On ne trouve pas beaucoup d’enregistrements live dans votre discographie.

J’aime les enregistrements live, mais n’en ai pas publié beaucoup. Il y a eu Alive in the House of Saints [Hat ART, 1993], puis, 12 from 25 [Firehouse 12, 2018], issu de ma rétrospective de 2015 au Stone. Plusieurs concerts ont été enregistrés et pourraient faire l’objet de publications. Je viens de lancer un label sur Bandcamp, où je commence par rééditer mon catalogue, dont j’ai récupéré les droits, concernant des albums qui ne sont plus disponibles ni commercialisés par les maisons de disques d’origine. À terme, l’idée est de publier aussi des captations live.

– Qu’en est-il du troisième album du Fire and Water Quintet (avec Ingrid Laubrock, Mary Halvorson, Tomeka Reid et Lesley Mok) prévu en septembre sur RogueArt ? S’agira-t-il comme précédemment d’une suite à écouter d’une traite ?

Non. Il s’agit d’un ensemble de morceaux qui fonctionnent bien les uns avec les autres, mais pour lesquels je n’avais pas d’ordre précis en tête, contrairement aux albums précédents. J’aime l’ordre que nous avons choisi pour la séquence, mais il s’agit de compositions autonomes, qui peuvent être écoutées séparément.

- Vous avez formé un nouveau trio avec deux membres du quintet. Ces deux groupes entretiennent-ils des rapports étroits ?

Les procédés d’écriture sont similaires et le trio interprète en partie la même musique. J’ai composé des morceaux pour le trio, et par la suite je les ai développés pour le quintet. Pour des raisons pratiques autant qu’esthétiques, je souhaitais avoir une unité plus restreinte, qui puisse être le prolongement des idées explorées avec le quintet. Inviter Ingrid Laubrock et Lesley Mok m’est apparu comme une évidence. Nous avons déjà donné des concerts et commençons à travailler sur des morceaux pour un enregistrement. Le groupe s’appelle SOX 2, c’est un terme biomédical issu de la thérapie génique générative, l’un de mes centres d’intérêt actuellement, de même que l’idée de régénération en général – la question du changement climatique, dont nous ne nous occupons pas sérieusement à ce jour, en fait évidemment partie.

– Quand avez-vous commencé à intégrer la guitare à vos formations ?

Depuis le groupe Be Bread avec Brandon Ross. J’aime la combinaison du piano et de la guitare. Brand...