Is “éclats” here fragments suddenly ejected from a breaking body, sharp and sudden sounds, or simply something that commands admiration? Probably a bit of all at once.

What you hear is a wide spectrum, touching on all forms of jazz, from the more grounded to the more exploratory, yet in a way that seems to reconcile everything and make sense of the whole burst of pieces. And in the end, what remains is exactly that, an éclat of jazz and an éclat of admiration.

https://bestofjazz.org/jazz-march-2026/

Diese Aufnahmen klingen, und das ist absolut respektvoll und wertschätzend gemeint, nach Alltagsmusik. „Fables Of Time“ entfacht einen melancholischen Hauch, der durch Gassen und Ruinen streift, der durch verlassene Parks und über bevölkerte Plätze weht. Ein Atem voll unvergleichlichem Leben, gespielt auf Instrumenten, wie man sie in dieser Zusammenstellung nur selten findet. Gemeinsam stehen sie für einen Sound, der Vergangenes und Gegenwärtiges miteinander verbindet, der Schmerz, Freude, Spontanität mal kräftig evozierend, mal federleicht zum Ausdruck bringt.
Luciano Biondini (Akkordeon), Michel Godard (Tuba, Serpent, E-Bass) und Lucas Niggli (Drums, Percussion) haben schon einige Aufnahmen miteinander eingespielt und waren gemeinschaftlich schon etliche Male erfolgreich auf Tour. Dabei begeisterten sie ausnahmslos mit einer zeitlosen Klang-Melange, die das Mittelalter, Neue Musik und zeitgenössische Improvisation funkelnd miteinander verbindet. Das Trio ist in der einmaligen Lage, schwungvolle Volkstänze neben kompositorische Vorgaben von Claudio Monteverdi zu platzieren, melancholische Pop-Hymnen von Radiohaed mit den Tonfolgen von Carla Bley oder Steve Swallow zu verknüpfen. Zudem sind ihre eigenen kompositorischen Möglichkeiten beachtlich und ihre Improvisationskunst vor jedem Zweifel erhaben. Rauschende Hymnik steht neben instrumentaler Virtuosität, schlacksige Melodienlinien wechseln hin zu lyrischen Intermezzi. Alles in allem atemberaubend – schön.

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Alexis Marcelo
Solo Piano
Intakt CD/DL
Alexis Marcelo's first solo piano album opens with a series of seven stabbed glow in the dark chords. The first two ring with the drama of a show tune, but by the fourth we've already veered into something else. Close voicings and syncopated anticipations lead sideways and out through to a demented stride vamp that forms the song's bedrock. From there Marcelo splices Monkish melodies with blues, spidery runs and a hard-driving walking bass in the left hand. This first composition signals something of the historical condensation of jazz and Afro-diasporic musics that this record contains.
Alexis Marcelo – a first-generation American born to a Panamanian mother and a Dominican father – came of age in the Bronx and Queens as hiphop was coalescing, so he first heard jazz via samples. While the choice to play solo piano lends the record an organic coherence, under the surface something of hiphop's cut-up approach comes through. Fragments of piano montunos sit next to meditative atonality. Lightly churchified balladry is followed by "A Saca Camote", a song by the Afro-Peruvian composer and folklorist Caitro Soto. This is music stitched together across diasporic time and space with a distinctly Latin flavour.
Aside from the debt to Monk – confirmed by the album's closing track "Eronel" – another touchstone may be Mal Waldron. Marcelo's blue vamps and cycles have a similar hypnotism to them. He switches from meditative to jaunty to dissonant and back within a matter of bars. After years collaborating with a broad swathe of New York's heterodox improvisors, this album is an elegant distillation of Marcelo's distinctive sensibilities. Let's hope that more leader dates and solos are to follow.

Mit Fables of Time (Intakt CD 449) präsentiert Intakt ein Trio, das in Zürich bereits mit „What Is There What Is Not“ (2011) und „Mavì“ (2013) seine Durftmarken gesetzt hat. Brauchen LUCIANO BIONDINI: Accordion, MICHEL GODARD: Tuba, Serpent, E-Bass und LUCAS NIGGLI: Drums, Percussion noch eine Vorstellung? Ich denke nicht. Neben Eigenkreationen wie 'I cercatori dell'invisibile', 'Bella madre d'amor', 'Fables of Time' und 'The Golden Jar' von Godard und 'Tempi passati' und 'L'aureola ritrovata' von Biondini spielen sie 'Knives Out' von Radiohead, mit 'Vi ricorda, o boschi ombrosi' ein Godard-Arrangement von Monteverdi als goldener Emminenz dieser Fabeln, 'Lawns' von Carla Bley und 'Dopo il tormento' von Steve Swallow. Und zeigen sich so als Teil einer größeren Gemeinschaft, die durch Respekt, Dank, Bewunderung verbunden ist. Dass sie mit den Vorlagen spielerisch umgehen, versteht sich von selbst. Der erste Eindruck: Verspon­nene, tagträumerische Melodieseligkeit in goldenem Käfig, Niggli nur ein metallischer Hauch, ein atmosphärisches Grummeln, zu Biondinis 'singendem' Fingerspiel tupft Godard ganz sanft den Bass. Der zweite: Sich selber rasant beschwingende Nostalgie, wie 007 als Lebemann im Ruhestand. Und gleich nochmal, Mamma mia, zartbitter verträumt, mit summenden Lippen, zärtlichen Zungen. Radiohead verzaubern sie, wie nur ein Akkordeon zaubern kann, Niggli dabei mit rockigen Wirbeln zu wieder sanftem Bass. Das Titelstück ist eine fabelhafte Tuba-Show, die das Akkordeon animiert zu seligem Unisono. Ob gefühlsinnig oder steinerweichend als ochsenzungiger Orpheus, die drei sind unwiderstehlich in ihrem mitreißenden Drang und verführerischen Sog. Godard klingt immer, als wüsste er nicht, dass seine Schönheit in ein plumpes Biest verhext wurde. In 'Lawns' sind Wehmut und Seligkeit ununterscheidbar. Und hallen in 'Dopo il tormento', wie es da nach dem ominösen Niggli-Intro traurigkeitsgenüsslich walzt, nicht das nichts­ahnende benedico il mio tormento, / dopo 'l duol vie più contento von Orfeo und das von einer grausamen Schönen entflammte 'Si dolce è’l tormento' wider? [BA 132 rbd]

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2025 war ein gutes Jahr für die Leaderin des SYLVIE COURVOISIER TRIOs. Sie erhielt den Schweizer Grand Prix Musik und bestach auf Intakt mit „Angel Falls“ im Duo mit Wadada Leo Smith. Und schon im Februar tourte sie mit Drew Gress: Bass und Kenny Wollesen: Drums & Wollesonics durch die Lande, wobei ihnen im Jazzclub Unterfahrt in München, beim JOE Festival in Essen und beim Festival Sons d’hiver in Ivry-sur-Seine in Paris zu guter Stoff gelang, um das nicht als Éclats – Live in Europe (Intakt CD 452) zu veröffent­lichen. Mit taufrischen Versionen von 'Just Twisted', 'Requiem D'un Songe', 'Free Hoops' und 'Lulu's Dance' von „Free Hoops“, 'Éclats For Ornette', 'Imprint Double (For Antoine Courvoisier)' und 'South Side Rules (For John Abercrombie)' von „D'Agala“, dazu das wie mir scheint neue 'Big Steps Towards Si­lence' und zuletzt 'Downward Dog', ein Cour­voisier-Favorit, den sie schon auf „Crop Cir­cles“, „Birdies For Lulu“ und „Crop Circles“ dargeboten hat. So what? Ein seit zwölf Jah­ren vereintes Piano-Trio, das sich seine Ver­sion des totgenudelten Formats als exzep­tionell schönredet? Drei virtuose alte Hasen, die sich mit ihrem same old, same old für feinsinniger und dynamischer als andere halten, insbesondere wenn Beifall ihnen Erb­sen ans Fenster hagelt? Allerdings muss man schon eingefleischte Aversionen mit­bringen, um bei Gressens stramm federn­dem Fingerspiel, Wollesens Gamssprüngen oder Gepardspurts über Metall und Fell und Courvoisiers launigem Tatzen und Wühlen auf den Tasten und ihren Jumps von einem Ende ans andere oder gar ins Innenklavier nicht die Augenbrauen oder die Mundwinkel hochzuziehen. Der Wechsel von abruptem Zugriff, tobendem Hämmern und krawalli­gem Einschlag zu hauchzartem Tickeln, von flotter Pace und unbändiger Rasanz zu sub­tilem Thrill, von quirliger Finesse zu grobem Gepolter, von crashiger Verdichtung zu be­wussten Luftlöchern – verblüffend. Ostinates oder träumerisches Kreiseln, Gnomus-Tritt, klirrendes Kristall, Roadrunnersprints und andere Comic-Kariolen, tuckernde Motorik, Präzisionsarbeit mit Hammer und Eispickel, Poesie von Fingerspitzen, plonkig, perlig – erstaunlich. Dann sogar zartbitterer Bogen­strich, die Stöckchen flickern, die Becken flirren, die Melodie findet sich zwischen Schatten und funkelndem Licht, verliert sich vertröpfelnd ins Leise, stellt sich koboldig und drehwurmig wieder ein. Sie hoopsen, wuseln, klappern, knarren kurios umeinander. Sie lassen Lulu als ungreifbaren Erdgeist aus der Büchse der Pandora erscheinen. Und trippeln zuletzt als x-pfotiger Hundepulk um ein Drumsolo rum aus dem Bild. [BA 132 rbd]

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Recorded shortly before his 80th birthday,
échappée is a double-album set from veteran German
pianist Joachim Kühn that is varied and impressive.
Over the course of the collection’s 13 tracks,
Kühn allows equal bandwidth for uptempo, if not
frantically berserk pieces, along with more placid,
ruminative performances. After a few cursory
chordal ideas, “Höre und Sehe” quickly transforms
into a swirl of syncopated flurries, bass notes jabbed
into place as pivots; the catch-and-release quality
of “Indiscret” boasts dissonant chromaticism offset
by unpredictable rests. Kühn redirects the energy
for “Dominic”, a slower, abstract waltz-feel that
boasts darker-shaded chords with glassy arpeggios
trickling up and down the performance. “Renata”
is sheer romanticism, an elegiac mood that is offset
by the pianist’s expansive chords and icy, high-end
tonalities. The 13-minute showcase, “My Long Life
with Brother Rolf”, is as varied and unpredictable
as the musical relationship between Joachim and his
late, clarinet-playing brother and longtime musical
collaborator.

Für das Guimarães Jazz Festival 2023 hat der Kontrabassmeister MICHAEL FORMANEK Thumbscrew, sein Trio mit Mary Halvorson an Guitar und Tomas Fujiwara an Drums, in ein Septett vergrößert mit Alexander Hawkins an einer Hammond B3 Organ als Hauptakzent. Und mit einem mit Altosax, Tenorsax und Trompete bestückten Bläserdreizack aus John O’Gallagher, Chet Doxas aus Montreal (erprobt im Drome Trio) und João Almeida als portugiesischem Akzent. New Digs (Intakt CD 451) entstand 2025 ebenfalls in Portugal. Die Bläser geben in geschmeidigem Vorwärts den Ton von 'New Old World' an, dann fächert sich das in kribbelige Gitarre, beschleunigtes Pizzicato, sprudeliges Gebläse, in stürmische Saxerei, Hammondsound, Grummelbass, Trommeldrive, in unkoordiniertes Mosern. Danach drückt Hawkins grummelige Cluster, der Duktus entschleunigt, auch wenn die Bläser aufbegehren, doch erstmal lässt Formanek die Finger singen, Halvorson und Fujiwara müssen sich bremsen, bis wieder die Hammond grummelt. Sie gibt auch dem melodischen und welligen Gesaxe bei 'It Was' ihren dröhnenden Touch, mehr als das Pizzicato. Dann plonken und gluckern Formanek und Hawkins gemeinsam zu getickeltem Tempo und flottem Unisono-Gebläse, Halvorson lässt die Finger sausen, Doxas sticht mit Klarinette aus dem animierten Drive hervor. Mit dem Swing von 'aka the Stinger' und cooler Old-School-Gitarre evozieren sie Johnny "Hammond" Smith. 'Gone Home_Interlude for Susan Alcorn' ist ein Memento für die 2025 verstorbene Pedal-Steel-Gitarristin, mit erst nur gefühlvollem Pizzicato, bevor Hammondklingklang die andern als zarten Chor heran­führt, die Trompete ihre Trauerrede anstimmt und die Gitarre in Wallung gerät. 'Braxes' folgt als Ausbund melodischer Bläserlinien, gebündelt oder als strömendes Delta. 'Quinze' – 15? – bringt dann wieder wabernde Orgel und ein launig getüpfeltes Motiv, das die Bläser aufgreifen als Sprungbrett für tenoristische und trompetistische Tiraden, eine von Hawkins getippte und eine von Halvorson prächtig gefurchte und gejaulte, bis Fujiwara hin zur Reprise klopft. 'Nigh Total' eifert zuletzt mit orgeligen Tropfen und sinnierendem Hammondsound zu klapprigem und plonkigem Bass und kurz aufrauschenden Becken. Immer weniger gehen die Neue und die Alte Welt so schön Hand in Hand. [BA 132 rbd]

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Continuing to solidify her reputation as a double-threat composer and improviser, alto saxophonist Angelika Niescier shines once again with Chicago Tapes, a superlative effort which sees her uniting with a number of the leading figures in the Windy City scene. The results are consistently riveting, showcasing these musicians in myriad ways and generating infectious synergy throughout.

Niescier thrives in small-combo configurations, as she demonstrated convincingly on earlier outings like Beyond Dragons (Intakt, 2023) with cellist Tomeka Reid and drummer Savannah Harris or NYC Five (Intakt, 2016), a marvelous quintet effort with pianist Florian Weber, trumpeter Ralph Alessi, bassist Chris Tordini and drummer Tyshawn Sorey. Here she creates two basic groupings with her top-shelf Chicago partners. One comprises saxophonist Dave Rempis, vibraphonist Jason Adasiewicz and drummer Mike Reed alongside Niescier, while the other sees flutist Nicole Mitchell and bassist Luke Stewart teaming with Niescier and Reed. Regardless of the particulars, however, all five of Niescier's associates have the creativity and expert chops required to serve her crafty purposes on the album's nine well-constructed tracks.

It becomes clear from the opening cut, the feisty and spirited "Rejoice, Disrupt, Resist," that Niescier has a terrific ally in Rempis, whose tempestuous cries are equaled by Niescier's own furious energy. The two of them diverge and converge gloriously as Adasiewicz adroitly complements the conversation, with Reed keeping the maniacal groove going. This foursome gets a number of memorable moments on the record, sometimes with less volcanic results. "Ext. 17" sees Adasiewicz and Reed providing color rather than firepower underneath Niescier and Rempis' expansive exchanges, while "Fluxed" has a dusky quality that illuminates the tender side of both saxophonists, with a bluesy undercurrent to Rempis' playing that is especially compelling.

The other principal unit on the album has Mitchell front-and-center, as on the vivacious bounce of "SAMO (bsqt)," in which Stewart and Reed lock in to support the flutist's emphatic shrieks and exclamations, with Niescier matching her intensity from start to finish. Mitchell's well-utilized electronic effects add a spacey feel to the last portion of the track, as they do on "E Randoph Street," the album's superb closer. And although at three minutes in length it seems too brief, "Poranek" features some absolutely ferocious mutual improvisation between Mitchell and Niescier, their rapport just as evident as that between Niescier and Rempis.

Either of these groups could have made an outstanding record on its own. The fact that Niescier has assembled both of them for this release, integrating them with a unity of vision and purpose while allowing their distinctive strengths to emerge so clearly, is a remarkable accomplishment, and proof that Niescier is at the top of her game.

https://www.allaboutjazz.com/chicago-tapes-angelika-niescier-intakt-records__7081

10 Angelika Niescier - “Rejoice, Disrupt, Resist”
German alto saxophonist Angelika Niescier enjoys collaborating with Americans. A few years ago, she had a New York-based group with bassist Christopher Tordini and drummer Tyshawn Sorey; they made three albums. Now she’s turned her attention to Chicago. This album features flutist Nicole Mitchell, alto and tenor saxophonist Dave Rempis, vibraphonist Jason Adasiewicz, bassist Luke Stewart, and drummer Mike Reed. The music they make together has a hard-charging energy, particularly thanks to Reed, whose drumming is parade-ground precise, with Stewart beside him delivering bass lines of a Charles Mingus-esque intensity. “Rejoice, Disrupt, Resist” opens the album with a quick shimmy of vibes before the rhythm section leaps into action, and when the horns come in, wavering like a mirage, the music falls into place with a very Chicago feel; it reminds me of something Fred Anderson and Ken Vandermark might have played together back in the ’90s. (From Chicago Tapes, out now via Intakt.)

https://stereogum.com/2489746/the-closest-miles-davis-ever-came-to-playing-free-jazz/columns/ugly-beauty

A la suite de Beyond Dragons qui avait laissé une forte impression tant sur disque que sur scène (seulement entourée de Tomeka Reid et Savannah Harris), la saxophoniste Angelika Niescier continue de s’acoquiner avec la scène américaine, quittant cette fois New York pour Chicago. Entourée d’un groupe de belle tenue, elle assouvit son besoin de mettre en place des formes personnelles, toujours interprétées avec un sentiment d’urgence.

S’appuyant notamment sur une paire rythmique efficace voire épaisse - Luke Stewart, aussi prolixe dans ses propositions que sûr de son jeu dans sa façon d’installer un centre de gravité bas, et Mike Reed, toujours capable d’inventivité dans la construction de rythmes inattendus -, c’est le pupitre des soufflants qui donne au sextet son originalité autant que sa puissance de feu. Niescier et Dave Rempis, qui se partagent les saxophones, inondent littéralement l’espace sonore de souffleries torrentielles, et la flûte entêtante de Nicole Mitchell vient non pas adoucir, mais transformer l’ensemble en un trio aussi tonique que piquant en embrassant l’entièreté du spectre sonore, du grave aux aigus. L’ensemble serait cependant toujours efficace mais à coup sûr certainement trop tranchant sans la présence du vibraphoniste Jason Adasiewicz qui glisse des nappes étranges, parfois incertaines, qui apportent du liant et une instabilité fructueuse.

Toutefois, même si le sextet s’engage dans des improvisations libertaires qui empruntent au vocabulaire du free jazz, il n’en respecte pas moins des compositions savamment construites mais où les contours de la forme s’effacent dans des embrasements sonores qui rendent le tout éminemment spontané. Niescier nous conduit dans des structures maîtrisées qui ajoutent à l’efficacité du propos et lui permettent de ne jamais s’égarer. À la puissance de frappe qui invite aux débordements s’ajoute l’efficacité d’une précision sans faille qui touche sa cible et fait de ce disque une réussite.

https://www.citizenjazz.com/Angelika-Niescier.html

Contrairement à Ortiz, Alexis Marcelo est une découverte pour moi. Né d’un père dominicain et d’une mère panaméenne, il est élevé dans le Bronx et dans Queens. Enfant, il entend la salsa et le merengue, se rend dans les églises évangélistes fréquentées par les fidèle latinos – il sera plus tard directeur musical d’une église – étudie la musique classique à la Harlem School of the Art, etc. Les années 80 et 90 sont des périodes de formation et de découvertes tous azimuts : le jazz (avec Yusef Lateef), la rencontre de l’un des trois créateurs des Last Poets, Abiodum Oyewole, le rap avec GZA… soit de multiples et profondes racines qu’il conjugue avec les explorations contemporaines. tentant de rassembler tous ces acquis sur son clavier. Pianiste du genre « costaud », il démontre un jeu charpenté, clair, assuré, et sait aussi s’épancher vers la rhapsodie et terminer le disque avec un stride de Monk ! D’où un résultat musical varié voire dispersé tout au long des dix pièces qui constituent ce premier disque sur Intakt, recommandé par James Brandon Lewis et soutenu par d’autres musiciens de renom. On peut leur faire confiance. Écoutez.

https://www.culturejazz.fr/spip.php?article4517

Ce n’est pas la première fois – et pas la dernière espérons-nous – que la pianiste suisse Sylvie Courvoisier croise le fer avec le vétéran de l’AACM Wadada Leo Smith. Mais c’est leur premier duo sur Intakt. En fait il ne s’agit pas d’un duel, bien au contraire, car ces deux fabuleux musiciens donnent l’impression de s’émerveiller l’un à côté de l’autre des possibilités qui les conduisent à tisser ensemble une telle tapisserie musicale. Allez voir ce qu’écrit Yves Dorison, il vous fera sentir mieux que moi l’absolue beauté de leur musique. (Cf.Culturejazz, L’Appeal des Nouveautés, 01/11/2025). Mais comme j’y souscris totalement, je ne vais pas me priver de m’extasier à mon tour devant leur œuvre commune.

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Le pianiste cubain Aruán Ortiz, que nous suivons depuis le début de sa carrière, nous propose ici son septième disque en leader (ou co-leader) sur le label suisse Intakt, dont le second en solo. Rappelons aussi qu’il est le pianiste régulier du quartette de James Brandon Lewis, ce qui situe le bonhomme.
Il réalise ici un travail de conscience sur la notion de Négritude, intitulant son premier titre L’Étudiant noir, en rappel de la revue du même titre publiée en 1935 par Aimé Césaire et Léopold Sédar Senghor. Le résultat de sa pensée et de sa recherche se trouve en quelque sorte « mis en musique » sur une dizaine de pièces réfléchies, souvent très lentes, ponctuées de groupes de notes interrompues par des brisures, des silences, des va-et-vient accélérations/ralentissements, quelques incursions d’objets métalliques sur un morceau, et sans jamais perdre de vue la rigueur et la construction. Il en résulte une musique dépouillée de tout effet et de toute complaisance. Un travail difficile mais profond, à la hauteur de la thématique. Aruán Ortiz est un musicien sérieux.

https://www.culturejazz.fr/spip.php?article4517

Der Sound von Chicago
Freut euch, stört, leistet Widerstand: Angelika Niesciers neues Album „Chicago Tapes" ist eine Feier des reflektierten Free Jazz.
Keine andere amerikanische Stadt – mal abgesehen von New York – hat dem Jazz in den letzten Jahrzehnten so viele Impulse versetzt wie Chicago. Mit der Gründung der AACM – der Association for the Advancement of Creative Musicians – in den Sechzigerjahren wurde die Metropole am Michigansee zu einer Hochburg des Free Jazz. Mehrere Generationen exzeptioneller Avantgarde-Musikerinnen und -Musiker bis hinein in die Gegenwart sind von der AACM geprägt, und selbst in angrenzende Bereiche schwappte deren Einfluss hinüber – man denke an den von Chicago ausgehenden Postrock, der mindestens so sehr von Jazz wie von Krautrock und Elektronik getriggert wurde. Chicago habe eine Musikszene, sagte der Jazzgitarrist Jeff Parker kürzlich im Interview, die vollkommen unabhängig floriere. Und doch weit über die Stadt- und Landesgrenzen hinaus blüht: Zwischen der frei improvisierenden Szene Chicagos und Europas gab es schon immer Verbindungen, besonders enge mit Peter Brötzmann. Sein Chicago Tentet, dem Improvisatoren wie Ken Vandermark, Fred Lonberg-Holm, Kent Kessler oder Hamid Drake angehörten, war dafür ein besonderes Beispiel.
Mit der viel gerühmten Kölner Altsaxophonistin Angelika Niescier, geboren 1970 in Stettin und seit 1981 aufgewachsen in Deutschland, setzt sich das transatlantische Zusammenspiel nun in einer neuen Generation fort: Schon 2012 war sie bei einem Festival in Chicago zu Gast, trat mit dem Bassisten Nate McBride und dem Schlagzeuger Frank Rosaly auf, lernte bei der Gelegenheit und beim Bier den Saxophonisten Dave Rempis und den Schlagzeuger Mike Reed kennen. Man kann sich das gut vorstellen: Wer Angelika Niescier jemals live oder abseits der Bühne erlebt hat, weiß um ihre mitreißende Lebendigkeit, ihren überschäumenden Enthusiasmus, ihren unverstellten Charme. Nach einer Begegnung mit ihr hat man den Verdacht, dass sie noch den drögesten Stubenhocker zu den abenteuerlichsten Unternehmungen überreden könnte.
Aber Überredungskunst braucht sie für ihre Projekte kaum: Ihr Ruf als eine der versiertesten und zugleich experimentierfreudigsten Saxophonistinnen der Gegenwart hat sich lange herumgesprochen, ihre musikalischen Partner findet sie an den ersten Adressen in New York und nun eben auch in Chicago. Mit der Cellistin Tomeka Reid und der Schlagzeugerin Savannah Harris entstand 2023 das fulminante Album „Beyond Dragons"; nun folgt eine weitere Kooperation mit der dortigen Szene: „Chicago Tapes" besteht aus neun viel Freiraum zur Improvisation lassenden Kompositionen Niesciers, aufgenommen jeweils mit einem Quartett. Mike Reed sitzt bei beiden an den Drums, Dave Rempis und der Vibraphonist Jason Adasiewicz ergänzen die eine, der Bassist Luke Stewart und die Flötistin Nicole Mitchell die andere Formation, manchmal reduziert zum Trio.
Wie soll man beschreiben, was da in einer Stunde passiert? Vielleicht als eine von diversen Traditionen informierte Feier des Free Jazz, der ja längst in seine aufgeklärte, also hochreflexive Phase übergegangen ist. Das fulminante Eröffnungsstück trägt den programmatischen Titel „Rejoice, Disrupt, Resist", ein hymnisches Manifest, das nicht nur die Metropole Chicago würdigt, sondern auch den Geist des Widerstands atmet, dem zumindest Teile der freien Improvisations-Szene immer schon verpflichtet waren. Unweigerlich muss man an den derzeit höchst aufgeladenen state of the union unter König Trump denken. Der Titel des Openers hält jedenfalls, was er verspricht: In dem herrlich schläfrig beginnenden, wehmütig schmerzvollen Unisono von Niescier und Rempis schlummert eine Erinnerung an Ornette Colemans „Lonely Woman"; es ist ein betörend elegisches Thema, das aber rasch aufgesprengt wird und in exzessive Improvisationskaskaden der beiden Saxophonisten mündet – angetrieben von Reeds drängendem Schlagzeugspiel und den pointierten akkordischen Vibraphonakzenten von Adasiewicz. Wie überhaupt in allen Stücken, während sich das Scheinwerferlicht auf die Solisten richtet, die Rhythmusgruppe eine fundamentale Rolle spielt. Aus dem Groove scheinen sich die irren Läufe, komplexen Duette, die einander umgarnenden, umschlingenden Melodielinien, die lyrischen Motive und wütenden Ausbrüche von Niescier, Rempis und Mitchell herauszuschrauben, aus ihm entwickeln sie ihre Schubkraft. Das hat zuweilen etwas Hardbophaftes, manchmal etwas verspielt Experimentelles. Da hört man Niescier und Rempis sich beim Song „Great Horned Owl" in einen Bienenschwarm verwandeln; bei „E Randolph Street" wird durch Hauchen, Anblasen, Klappern eine geheimnisvoll sphärische Stimmung erzeugt. „Bouncing the Ledge" ist ein hochenergetisches, kontrastreiches Wechselspiel aus fast das ganze Stück grundierenden Triller-Reihungen Mitchells, flüchtigen Arabesken von Niescier, die immer wieder von kleinen Intermezzi Reeds und Stewarts unterbrochen werden. Der Beitrag des Bassisten ...

Die Altosaxophonistin ANGELIKA NESCIER als längst eine feste Größe bei Intakt hat ihre transatlantischen Eskapaden in der New Yorker Szene mit Tomeka Reid bereits Richtung Chicago ausgedehnt. Und vertiefte das während ihrer Zeit als Gastprofesorin am Dart­mouth College mit Chicago Tapes (Intakt CD 446) im Verbund mit weiteren festen Größen der Windy City: Nicole Mitchell - Flute, Dave Rempis - Alto & Tenor Saxophone, Jason Adasiewicz - Vibes und Mike Reed: Drums. Mit ihm bildete sie eine Dyade, die sich einer­seits mit Rempis und Adasiewicz, andererseits mit Mitchell und dem von Washington D.C. her profilierten Bassisten Luke Stewart erweiterte. 'Rejoice, Disrupt, Resist' als Auftakt aktualisiert aus gegebenem Anlass im zornig klagenden Alto-Doppel den insistenten und befeuernden Spirit des Now-Jazz, wobei in den Vibes die Zerbrechlichkeit des vermeint­lich Erreichten anklingt. 'Poranek' [poln. Morgen] vermittelt die Botschaft mit rau ange­dunkelten, feuerzungig verquirlten Flötentönen. Im Bassquartett mit Stewart bei 'SAMO (bsqt)' und 'Bouncin' the Ledge' mischt sich vogeliger Alarm knattrig polternd und federnd und mit Tirili mit plonkiger, rubbeliger Eloquenz und schriller Insistenz. 'Ext. 17' über­schüttet mit Saxgesprudel den gläsernen Klingklang. 'Great Horned Owl' lässt einen mit Eulenohren hören, wie Insekten um ein Honigglas - oder eine tote Maus? - summen. 'Fluxed' fasst mit bebendem und summendem Alto den Honig versonnen in Bernstein, und leise rauscht dazu Percussion. 'Perigeo' [Perigäum=Erdnähe] rückt mit Altovibrato, pickendem und harkendem Pizzicato und nachteuliger Flöte den Mond zum Greifen nahe. Und 'E Randolph Street' nimmt mit ins Zentrum von Chicago, als Querspange im Theatre District, mit zickigem Gebläse, dunklem Hauch und jauliger Elektronik. [BA 132 rbd]

German alto saxophonist, composer, and improviser Angelika Niescier emerges on Chicago Tapes with a refreshed, invigorating sound shaped by an expanded ensemble that gathers some of the Midwest’s most adventurous musicians. Long engaged in collaborations with American players—among them Tyshawn Sorey, Gerald Cleaver, Chris Tordini, and Tomeka Reid—Niescier brought her compositions and open-ended sketches to Chicago for an ambitious project that yielded nine fearless originals, each brimming with sharp turns and volatile energy.

The album’s kinetic opener, “Rejoice, Disrupt, Resist”, is a furious, defiant response to the anti-immigration stance of the Trump administration. Here, Niescier joins forces with Dave Rempis on the frontline, both alto saxophonists blowing with tart intensity and restless momentum. The rhythm section is equally compelling and flexible, with vibraphonist Jason Adasiewicz’s finely nested mallet work adding harmonic radiance, all firmly anchored by bassist Luke Stewart and drummer Mike Reed. Niescier and Rempis reconnect on “Great Horned Owl”, a trio piece that sustains a continuous sonic buzz over Adasiewicz’s shimmering colorations, and again on the atmospheric “Fluxed”, where parallel and contrapuntal motion unfolds atop an exquisitely shaped percussive flow.

“Poronek”, an endlessly spiraling trio improvisation, is driven by Niescier alongside flutist Nicole Mitchell, whose ecstatic exchange rides over Reed’s talkative, responsive drumming. Just as dynamic is “SAMO (bsqt)”, a burnished tour de force built from flutter-tongued flute, expansive saxophone lines, patterned ride cymbal and snare propulsion, and vigorous bass plucks. The ensemble moves through a sequence of gripping passages centered on saxophone and drum exploration, with Mitchell adding a gauzy, atmospheric textural layer.

“Bouncin’ The Ledge” follows as a rambunctious, high-energy statement, with saxophone and flute operating in a liminal space between the ghostly and the grounded. A darting saxophone chant is mirrored by Stewart’s bass before the piece erupts into extraordinary commotion. The closing “E Randolph Street”, propelled by a loose yet insistent 4/4 groove, wraps things up while parading a stream of motifs, fluxes, and refluxes.

Firmly rooted in avant-garde and free improvisation traditions, Chicago Tapes highlights Niescier’s affinity for high-voltage contemporary jazz and reveals a deep, genuine rapport with her Chicago collaborators.

https://jazztrail.net/blog/angelika-niescier-chicago-tapes-album-review

ALEXIS MARCELO und seine Keys, erprobt in Mike Pride's From Bacteria To Boys und bei Adam Rudolph, hängten sich mir ins Ohr mit Sean Noonan auf „Memorable Sticks“ (2016) und „The Aqua Diva“ (2018) sowie in Pavees Dance bei „Tan Man's Hat“ (2019) – die Coverkunst ist also nicht zufällig von Malcolm Mooney. Nun legt der Sohn panamaischer und dominikanischer Eltern als in der Bronx und in Queens mit Salsa, Merengue, Hiphop und evangelikaler Kirchenmusik sozialisierter African Latino und mittlerweile Leader von Sonic Cosmosis sowie Duopartner von James Brandon Lewis mit Solo Piano (Intakt CD 448) sein Debut als Tastenwizard vor. Hinterfüttert ist das mit Yusef Lateefs Autophysio­psychic-Konzept, das ein tiefes Zuhören und die Schaffung musikalischer Ideen betont, die in Harmonie mit der Umgebung und mit sich selbst wurzeln. Der Dekalog umfasst 'Boogieminish Bop', 'Break Bread', 'Have Mercy', '1010 Wins', 'Chroma', 'Dance Around the Sun', 'Drifting', und 'Amargado' [verbittert], dazwischen 'A Saca Camote' des Afro­peruaners Caitro Soto und zuletzt 'Eronel' von Idrees Sulieman & Thelonious Monk. Ob­wohl alles Avancierte längst nur noch als Same Old **** quirlt, stellt Bill Shoemaker in den Linernotes die innovative Klaviermusik des 21. Jh. nochmal als bodenlos und abgehoben hin, um Marcelo damit zu kontrastieren. Egal, die mit seinem Trio Nananom Xu und den Begriffen 'Älsteste' im westafrikanischen Akan und 'Zukunft' im delawarischen Lenape angedeutete Spannweite ist auf jeden Fall beachtlich. So wie er Boogie und Monk auf launige und virtuose Weise zugleich als Erbstücke aus katzengoldenen Zeiten hämmert und dabei dennoch als neumodischer Trickster groovt. Mit rührendem, mit Frömmigkeit vertrautem Feeling beim Brotbrechen und beim betenden, trillernden Rühren an die Tas­ten. Mit einer Melodie, zu stolz und eigen, um sich als hinterhöfisch (aus America's Backyard) abtun zu lassen. Mit erst umeinandertappenden, dann zielstrebig quicken Tönen. Mit löchriger, sich selber und der Stille lauschender Modernistik. Als springender Drehwurm und Bootstomp um Sonnenflecken. Versonnen und treppab, tänzelnd und arpeggioselig. Dagegen bezaubert 'Amargado' wehmütig und zartbitter perlend mit wie mit Silberhämmerchen gedengeltem Feeling und auf die Spitze getriebenem Pathos, das sich in tanzendem Überschwang ergießt. Grandios! Und auch der Schlusspunkt ist mit dem monkish coolen 'Eronel' ein launiges Tänzchen. [BA 132 rbd]

Otherlands Trio
Star Mountain
INTAKT
When the Borderlands Trio went on hiatus in 2024, two-thirds of its complement was not ready to quit. In short order bassist Stephan Crump and drummer Eric McPherson found a new third person, and Otherlands Trio came into being. Replacing pianist Kris Davis with the tonally adventurous and emotionally authentic alto saxophonist Darius Jones ensures that certain things will not be the same, but one essential quality persists. While all three mem bers are credited with creating the music, and they did so in real time, they do not consider themselves to be a free-improv ensemble, but spontaneous composers. The difference likes in a commitment to cohesion; they may not know what they’re going to play when they start, but each participant will make sure that they have the other two’s backs.
On the opening track of this studio record ing, “Metamorphene,” this shared purpose manifests in a bass-drums groove that contin ually morphs but never quits, which enables Jones to pursue a series of short, cork-**** ing lines wherever they might lead. Jones once more finds freedom in the locked-in quality of the Julius Hemphill-like rhythm that begins “Lateral Line,” but he’s ready to melt his own tone into Crump’s to create a single stream of sound during the track’s second half. Likewise, the saxophonist’s pops and McPherson’s stacca to patterns at the beginning of “Diadromous” sound like the work of one hybrid drum kit.
Star Mountain necessarily sounds different from the three albums that McPherson and Crump made with Davis, but it sustains that project’s creative streak.

2017年にジョン・ゾーン主宰の公演で初共演したクールヴォワジェとスミスは、デュオ、トリオ、ピアノ2台といった編成でライヴを継続し、スミスがクールヴォワジェの2023年発表作『Chimaera』に参加するなど、本作へと至る流れは必然だったと言える。全8曲は録音順の配置になっており、内部演奏やプリペアード仕様を含むピアノと、ロング・トーンに衰えないエネルギーが漲るトランペットによる超世代対話は、想像以上にスムーズ。①を助走とするならば、②はいきなり緊張感が溢れる丁々発止のやり取りで、スリリングな空間を現出する。

https://pjportraitinjazz.com/playlists/20251230_9253/

L'avevamo sentito recentemente dal vivo in vari contesti, dal duo con Don Byron al Pinocchio di Firenze fino al quartetto con James Brandon Lewis al Jazz&Wine of Peace 2025 (dove non a caso era stato il vero protagonista), ma l'occasione in cui ci aveva maggiormente colpiti era stato in solitudine, ancora al Pinocchio Jazz, nel marzo del 2025. Ed eccolo qui, il raffinatissimo pianista cubano Aruán Ortiz di nuovo in solo nella sua ultima registrazione, nella quale esplora e reinterpreta le proprie radici artistiche e umane, riprendendo il discorso intrapreso in un suo precedente lavoro per piano solo —Cub(an)Ism (Intakt, 2017)—e spingendolo più avanti.

Le dieci tracce di questo Créole Renaissance sono infatti ispirate dal movimento della Negritudine, che segnò il risveglio della consapevolezza razziale degli intellettuali di pelle nera di area francofona nella Parigi tra le due guerre. Un movimento che ebbe il suo inizio nel 1935 con la rivista "L'Etudiant noir," che presta il titolo al brano di apertura, e proseguì poi con altre, tra le quali quella che presta il titolo al terzo brano, "Légitime Défense." Che la riflessione pianistica di Ortiz vada in questa direzione è lui stesso a ribardirlo in "From the Distance of my Freedom," durante la quale si accompagna con una narrazione parlata che, pur fatta di concetti che si addensano, è una sorta di manifesto.

Attraverso queste ispirazioni extramusicali quel che il pianista ci offre in questo disco è una musica raffinatissima, nella quale ispirazioni provenienti dal jazz, dalla musica classica novecentesca e dalle avanguardie cubane convergono in un personale percorso di ricerca nel quale meditatività, scomposizione ritmica e lavoro sui registri estremi della tastiera la fanno da padroni, guidando un lavoro fondamentalmente improvvisato. Ciò emerge in tutta la sua elegante suggestione nei due brani che omaggiano le storiche riviste—in quello d'apertura il gioco contrapposto di registro alto e registro grave è magnifico —e che si ripresenta in "Seven Aprils in Paris (and a Sophisticated Lady)," dove lo stile pianistico viene applicato a una sorta di sognante omaggio a Duke Ellington.

La breve, ritmica "Première Miniature" è fondamentalmente un gioco di scivolamento sulla tastiera, con contrappunti sulle note gravi, mentre "The Great Camouflage" esalta il versante meditativo della ricerca di Ortiz, riportandoci più da presso nella musica novecentesca. Di nuovo ritmica la "Deuxième Miniature," la quale esalta invece l'approccio percussivo alla tastiera, che emerge anche nel successivo "We Belong to Those Who Say No to Darkness," il brano più astrattamente di ricerca: frammentario, ricco di pause e con interventi sulle corde, alcune delle quali "preparate."

"The Haberdasher" ci riconduce al contrasto timbrico tra toni gravi e acuti, che qui si fa narrazione giocando con le pause e le variazioni di velocità degli arpeggi, mentre il conclusivo "Lo que yo quiero es Chn Chan" torna all'andamento meditativo, nel quale la frammentazione è interstiziale e le pause meno intense, così da conferire alla narrazione maggiore lirismo.

Un disco affascinante e per certi versi spiazzante, un'interpretazione del piano solo decisamente personale e ardita, ma al tempo stesso sempre godibile e a suo modo "classica." E un artista, Aruán Ortiz, che a cinquantadue anni deve essere considerato uno dei maggiori pianisti sulla scena internazionale.

Disco della settimana.

https://www.allaboutjazz.com/creole-renaissance-aruan-ortiz-intakt-records__119933

Otherlands Trio
Star Mountain
INTAKT
When the Borderlands Trio went on hiatus in 2024, two-thirds of its complement was not ready to quit. In short order bassist Stephan Crump and drummer Eric McPherson found a new third person, and Otherlands Trio came into being. Replacing pianist Kris Davis with the tonally adventurous and emotionally authentic alto saxophonist Darius Jones ensures that certain things will not be the same, but one essential quality persists. While all three mem bers are credited with creating the music, and they did so in real time, they do not consider themselves to be a free-improv ensemble, but spontaneous composers. The difference likes in a commitment to cohesion; they may not know what they’re going to play when they start, but each participant will make sure that they have the other two’s backs.
On the opening track of this studio record ing, “Metamorphene,” this shared purpose manifests in a bass-drums groove that contin ually morphs but never quits, which enables Jones to pursue a series of short, cork-**** ing lines wherever they might lead. Jones once more finds freedom in the locked-in quality of the Julius Hemphill-like rhythm that begins “Lateral Line,” but he’s ready to melt his own tone into Crump’s to create a single stream of sound during the track’s second half. Likewise, the saxophonist’s pops and McPherson’s stacca to patterns at the beginning of “Diadromous” sound like the work of one hybrid drum kit.
Star Mountain necessarily sounds different from the three albums that McPherson and Crump made with Davis, but it sustains that project’s creative streak.

While improvised piano-trumpet duets go back to Louis Armstrong’s and Earl Hines’ “Weatherbird” of 1928, balancing the four valves and 88 keys is a delicate challenge. The 21st century iterations here could be linked to abstract paintings. American trumpeter Wadada Leo Smith’s and Swiss pianist Sylvie Courvoisier’s Angel Falls creates a subtle version of abstract expressionists’ splashes of color canvases, whereas Japanese, pianist Satoko Fujii and Natsuki Tamura’s Ki is more like a monochrome painting which demands closer scrutiny to discern musical nuances

Courvoisier and Smith are experienced duo performers. Smith, whose career goes back to the late 1960s, has worked with pianists as different as John Tilbury and Vijay Iyer. Almost three decades younger, Courvoisier’s duet partners include Ned Rothenberg and Mark Feldman, but never a trumpeter until now. The two have been linked in large ensembles as part of Smith’s extensive catalogue though. Interestingly enough among those sessions was a quartet with Fujii and Tamura. Ki is the 10th duo the other two have recorded and while Tamura usually records with Fujii, on her own she has recorded duos with everyone from Otomo Yoshihide to Joe Fonda.

While also maintaining a painterly straight line, Courvoisier and Smith append numerous splashes of improvisational color as their disc evolves with extended techniques such as the pianist twanging the instrument’s inner strings and Smith creating brassy triplets, half valve slurs and protracted flutters. Occasionally as on “Sonic Utterance” light brass pitches and delicate formalist key glissandi are emphasized. But most tracks are rougher and more intense.

The title track for example evolves as additional reverb from string strums meet breezy brass slurps that slowly inflate to full force romanticism before energetically fragmenting into thinning trumpet squeaks and stinging keyboard clips. In contrast the probing aural brush strokes which shade “Line Through Time” extend short wavering brass bites and piano key probes that with gouache-like effects widen the line into full keyboard emphasis and smeared brass notes.

Reflecting and completing the overall design, the open horn brass portamento and thematic key-and-string decorations from Courvoisier on the final “Kairos” reflect similar sketching on the introductory “Olo’Upnea and Lightning”.

If jagged lightning define much of Angel Falls, then Ki is more of a light rain by a married couple. Minimalist in artistry, the simple musical geomatric shapes were drawn by Tamura, who composed seven of the eight tracks. The results aren’t static however. Although overall Fujii’s touch is more serene and reflective than Courvoisier’s and Tamura’s solos are more fully rounded and horizontal than Smith’s, digressions include pointillist textures and half-valve squeaks from the trumpeter as well as dips into pedal point emphasis and jagged key slashes from the pianist.

Experience plus marriage means that tracks like “Kusunoki” include moderated antiphonic connections with every key stroke carefully outlined and portamento echoes combining into trumpet grace notes and restful piano comping. Other such as “Arakashi” and “Icho” reflect the dispassionate lyricism that moves with warm reverberating keyboard pumps and vibrating trumpet grace notes duets closer to delicate brush painting than abstract art’s scattershot washes. Yet even those tunes that emphasize widening keyboard sweeps and low pitch tremors plus wallowing immersive breaths encompass relaxed linear evolution.

Like broad visual art awareness, the individual and distinct ways each duo illustrated its program demands respect and recognition.

https://www.jazzword.com/reviews/sylvie-courvoisier-wadada-leo-smith/

The end of the year and its corresponding flood of obligatory “Best Of” lists is always a helpful time for readers to learn about music they missed, forgot about, or reevaluate records they initially reacted to as “meh.”

These lists are particularly valuable for musicians who don’t receive much press–although with music journalism’s death rattles growing louder every year, most music that deserves coverage goes unnoted–and is especially so for avant garde music.

So now it’s my turn to get in the year-end list game and give some love to avant garde jazz(ish) albums. I make no claim to these being the best and I did not rank them. Aside from the obvious requirement that the album has to kill, there are only three rules for making this list:

1. It must be in the jazz, improvisation, and adjacent universe. Otherwise I’d have a tough time figuring out how to rationalize including Fatboi Sharif’s Goth Girl on the Enterprise, Raven Chacon’s latest noise/electronic collaboration, and post-minimalism from Icelandic composer Hildur Guðnadóttir on the same list as a bunch of weird jazz(ish) records.

2. Except for one or two exceptions, the music has to sound like nothing I’ve quite heard before. If it sounds like Pharoah Sanders could have recorded in 1967 and there’s no new wrinkle to it, it’s not avant garde.

3. No more than one album per artist or per label so that I can spread the love.

Here, in the order that I’ve listened to them the most, are my favorite ten boundary-pushing gems from 2025.

Recorded at the 1981 Jazzfestival Zurich and available now for the first time, Irène’s Hot Four is a summit meeting between four distinguished free jazz heads of state. A lot of European free jazz might get a bad rep, although sometimes deservedly so, for a “grip it and rip it” approach where the band dials up the wailing, bashing, and banging to 11 and keeps it there. Swiss pianist Irene Schweitzer, Dutch drummer Han Bennink, German saxophonist Rüdiger Carl, and South African by way of England bassist Johnny Dyani take a different approach.

Over three long romping tracks and a spirited encore, the quartet creates new scenes and vignettes each with their own story. There might be a duet between Carl and Bennink that quickly moves into a wild manic ride with just the rhythm section. Or Schweitzer, who passed away last year, might play the inside of the piano. Sure there’s some bombast and wild abandon, but there’s playful absurdity, melodicism, and moments of quiet as well. Carl swaps out his saxophone for accordion here and there to change the entire group sound, often leading into good natured parody and farce.

Twisted oom-pah bass and polka? Yes please. Bennink can be the world’s loudest or softest drummer, and there isn’t anything he won’t try to get away with. The voice on the megaphone on “All Inclusive”—that’s his. There is a sense of joy throughout the concert, as the Hot Four never seem to run out of ideas or the technique, energy, and musicianship to pull them off. Every moment is fresh and inspired. To me, this set demonstrates the height of free improvisation—European or otherwise.

RIYL: All-Star games; a ****-hot good time

https://www.passionweiss.com/2025/12/17/the-10-best-avant-garde-albums-of-2025/

ANY jazz listeners have affirmed, that in the long wake of the John Coltrane Quartet, the foursome that has since most touched their brilliance is the English quartet, Mujician. Composed of the Bristolian pianist Keith Tippett, the south London tenor and soprano saxophonist Paul Dunmall, Luton-born seven-string bassist Paul Rogers and the Shropshire drummer, Tony Levin.

Between 1990 and 2005 they waxed six memorable albums on the US Cuneiform label, but now a triple CD has been created by Jazz in Britain, recorded from concerts in Cheltenham (1993), Vienna (2003) and Birmingham (2010). It is a beautiful sonic triptych called Mujician in Concerts, with the four members playing at their unified peak.

Sometimes haunting and hymnal as if coming from ancestral spirits — as in the opening message of Dunmall and Tippett in Cheltenham, othertimes rhapsodic and joyous: “We never spoke about the music beforehand,” declared Dunmall, “we just walked on stage and trusted in the music and each other.”

Rogers is a virtuoso bassist like no other, playing an instrument like no other, and Levin’s sense of time and moment is deeply empathetic, knowing instinctively the musical minds of his quartet-mates. Tippett and Levin are gone, but thanks to devoted and skilled travelling recordists, Andy Isham and Steve Trent, these long and precious musical instants are still with us, throbbing with life and artistry.

Between 1959 and 1970, Washingtonian tenor saxophonist Charlie Rouse (1924-88) was the featured horn of Thelonious Monk’s Quartet, and his husky, quasi-adenoidal tone became the companion sound to Monk’s genius melodies and “brilliant corners.” But he showed another sphere when he recorded Cinnamon Flower in 1977, an album full of sounds of Brazil. The new reissue on Resonance Records includes this release with some overdubbing, plus the tracks in their undubbed, original form.

So we have a Latin feast of Rouse with Brazilian compadres trumpeter Claudio Roditi, pianist Dom Salvador and drummer Portinho, plus the great Michigan-born bassist Ron Carter, late of the Miles Davis Quintet. Rouse is joyous, in another element, on Cinnamon Flower, buoyed up by a relentless rhythmic upsurge and melodic beauty, for example on Desencontro (Disenchantment), and his notes leap up blissfully on Alvorada. It’s a powerful reissue, racked with elation and flair.

The great Mississippi-born trumpeter Wadada Leo Smith is 84 this year, but it hasn’t curtailed his mighty breath. His new album is Angel Falls (Intakt Records), partnered with the Swiss pianist Sylvie Courvoisier, whose pianism he describes as “advancing as if she’s going there to save creation.” In the destructive era of Trump and Musk that is certainly what they are both doing, with power and beauty too. Wadada’s horn talks fire and Courvoisier’s keyboard words make a palaver of freedom. No wonder one track is called Sonic Utterance, for that is what the entire album is.

Finally there is the burning saxophonist of Canterbury, the late Tony Coe. In 1977 his quintet, Axel, recorded the tracks of What Say We Play Today? (Jazz in Britain Records) at the Camden Jazz Festival. It’s taken 48 years, but now it’s there for us.

Pianist Gordon Beck, guitarist Phil Lee, bassist Chris Laurence and drummer Bryan Spring join Coe for a gripping performance, with the final title track reaching 28 minutes. Throughout, sheer musicianship excels, with the luminous, underrated Lee taking on the prominence of a second horn, and Coe playing clarinet, bass clarinet, soprano and tenor saxophones as if he were born to each. The fivesome create their own inventive sound, driven by uniqueness.

https://morningstaronline.co.uk/article/best-2025-jazz-albums

It’s hard to argue with the press release “a mesmerizing solo debut! A contagious exuberance of playing, energetic explosive improvisations, and an openness to jazz tradition and experimentation combine on this album to create an impressive musical statement. “Almost everything he plays affirms his history and culture as a first- generation American, the son of a Panamanian mother and a Dominican father. Growing up in the Bronx and in Queens during hip hop’s first years – the first jazz he heard were samples – hearing salsa and merengue at home, attending Latino evangelical churches, and – yes – studying classical music at the Harlem School of the Arts shaped Marcelo’s identification as an African Latino with an inclusive sensibility. Once artists establish a strong identity, they can draw outside the lines, smudge them, even erase them, without diluting or diminishing that identity. That is what Alexis Marcelo has done with Solo Piano”, writes Bill Shoemaker in the liner notes.
‘Boogieminish Bop’ is a fun opener, a unique take on a tired genre. I particularly liked ‘Amargado’ with its false ending, combining flamboyance with deftness of touch. The rippling notes of the gospel ballad ‘Break Bread’ up and down the length of the keyboard is typical of Marcelo’s approach. All the material is original apart from the dramatic ‘A Saca Comote’ by Caitro Soto, the Peruvian composer on which Marcelo shows tremendous dexterity and a playful ‘Eronel’ by Thelonius Monk. A sustained chord begins ‘Chroma’ with sparse choppy chords to follow, quite unsettling experience at first; the music is as much about the spaces in between as the actual chords and notes. ‘Dance Around the Sun’ is on a kind of loop, an orbital expression of the subject matter perhaps, a clever construction becoming increasingly frenzied, getting too close to the sun perhaps? ‘Drifting’ accommodates some vamping. Alexis Marcelo is not only technically gifted but varied stylistically as well as innovatory in a most impressive display of virtuosity and imagination.