Honneur aux anciens ! OM, le quartette suisse des vétérans du free, se retrouve sur scène, toujours aussi “vert”, sauf que Freddy Studer leur a fait un faux-bon hélas sans retour, juste avant la séance prévue. Aussi Urs Leimgruber, Christy Doran et Bobby Burri l’ont-il remplacé par deux batteurs, Gerry Hemingway et Tony Buck. Or, malgré cet évènement douloureux, les musiciens sont en pleine forme, jouant avec un allant et une puissance qu’on n’avait peut-être pas assez apprécié dans leur disque précédent. En effet, la puissance du jeu (oserai-je dire la rage de jouer ?), les trouvailles, les écoutes, les répliques, les recherches, les emballements, le drive parfois affolant nous tiennent en haleine d’un bout à l’autre de leur prestation. Accueillez-là à bras ouverts, vous ne le regretterez pas.

https://www.culturejazz.fr/spip.php?article45999

En quelques années, le pianiste anglais Alexander Hawkins est devenu l’un des fers de lance de la brillante écurie Intakt. Après un magistral album solo, il nous surprend (comme à chaque fois) avec un nouveau disque qu’on ne sait pas par quel bout prendre. Pour arriver à ses fins conduites par une imagination débordante, il s’est entouré d’un groupe singulier comprenant un harpiste, Rhodri Davis, deux personnalités qu’on ne présente plus, la flûtiste Nicole Mitchell et le batteur Hamid Drake, et un ancien partenaire qui fait tourner les tables, Matthew Wright, lui-même combinant le piano (qu’on entend assez peu d’ailleurs) avec les instruments électroniques. Sur le papier, tout cela paraît désordonné. Or, le résultat est là : l’auditeur est sidéré, une fois de plus, par une cascade musicale inouïe, inclassable et bourrée de trouvailles – il avoue avoir bien écouté Sun Ra. Démarrée par un solo, Hawkins propose ensuite le déroulé de sa cueillette dont il fait des assemblages qui nous donnent le vertige. Assurément l’un des musiciens les plus étonnantes qu’on puisse entendre à l’heure actuelle.

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Zurück aus New York

Die Jazzpianistin Irène Schweizer (1941–2024) betrachtete ihr Schaffen bemerkenswert nüchtern. Nicht jeder Furz von ihr müsse dokumentiert werden, meinte die gebürtige Schaffhauserin. Ihrem Verdikt fielen selbst grossartige Aufnahmen zum Opfer, etwa ihr Solokonzert vom 21. 2. 1986 im Volkshaus Zürich, das hier erstmals erscheint. Die Musikerin war gerade von einem halbjährigen Aufenthalt in New York zurück, sprudelte vor Ideen und Energie. In ihrem Set verband sie Free Jazz und südafrikanische Patterns mit Hommagen an Thelonious Monk und Duke Ellington. Quirliger als hier hat man die bedeutendste Schweizer Jazzmusikerin nie erlebt. (pap.)

Irène Schweizer. Hören!

Man möchte nach dem Neu-Deutschen „Public Viewing“ (im Original-Englischen die öffentliche Leichenschau) voller Vorfreude von „Public Listening“ sprechen - wäre dieses schöne Wort nicht vor Jahrhunderten schon geschluckt worden von dem kalten Begriff „Das Konzert“.
Also ziehen wir doch lieber die fünfziger Jahre heran, als Platten rar waren, Jazzfans aber nicht. Sie trafen sich, sie hörten, und sie redeten darüber.

So wie am Dienstag, 18. August 2026 18 Uhr im Breitingersaal, im Kulturhaus Helferei zu Zürich.
„Die Freund*innen von Irène Schweizer und Intakt Records laden ein zu einer öffentlichen Hörsession der CD“.
An diesem Tag erscheint das erste Album posthum von Irène Schweizer (1941-2024), „Prelude to a Kiss and more“, live mitgeschnitten am 1. Februar 1986 im Volkshaus Zürich.
„Statt eines festgelegten Eintrittspreises bitten wir per Kollekte um einen Unkostenbeitrag. Die CD liegt zum Verkauf auf“.
Man möchte aus dem Nachbarland den Hut ziehen gen Süden und rufen:
„Eine schöne Form des Erinnerns!“

https://www.jazzcity.de/index.php/live

Nach zwei Studio- (2018, 2020) und einem Live-Album (2021) ist dies das vierte des slowenisch-schwedisch-deutschen Trios.
Ein Wink des Pianisten Alexander Hawkins aus seinen liner notes zum zweiten („somit“) hilft, die right-into-your-face-Ästhetik dieser Art Post FreeJazz besser zu verstehen.
Hawkins fühlte sich dort an die Formen von "Musica Ricerata“ von György Ligeti (1923-2006) erinnert.
Viel direkter noch als auf dem Live-Album bezieht sich Kaja Draksler hier nun darauf: in der Eröffnungsattacke „Yogen“ donnert sie das Sekundintervall aus "Musica Ricerata II“ in tiefer Lage und verstreut es zudem in zwei höheren Pianospuren.
Petter Eldh gibt den anchor man mit einem stumpfen 4/4-Baß-ostinato; der Groove wird durchsiebt von Lillinger in einer offbeat-Orgie metrischer Mehrdeutigkeiten.
Im übernächsten track („Granular Navigation“) mag man sogar einen waschechten uptempo swing erkennen, in „Mariatorget 87“ und in „Mera Punkt“ Themen wie in fiktiven Jazz-Balladen, und „När Världens Hopp Förtvinat Stod“ ist die Bearbeitung eines schwedischen Kirchenliedes von 1589.

Will sagen: mehr noch als auf den früheren Alben offeriert dieses vierte dejavu-Erlebnisse in Gestalt konventioneller Formen.
Nur, sie werden allesamt manipuliert, konterkariert, in Frage gestellt, dass es eine helle Freude ist.
Das Alt-Schwedische zum Beispiel löst sich auf, ohne den Charakter einer Kantilene zu verlieren, in McCoy Tyner-artigen Trillerketten.
Aus dem clubbigen „Mera Punkt“ bleibt ein leicht verstimmtes Klavier mit Wiederholungen übrig, deren Töne wie auf einer falsch abgetasteten Vinyl-Platte ruckeln.
Der uptempo swing von „Granular Navigation“ bleibt selbstverständlich nicht erhalten, erst liegen Cluster-Akkorde obenauf, dann wechselt er ständig die Gestalt in kurztaktigen Groove-Wechseln, umwieselt von Lillingers snare.
Überhaupt die snare drum von Christian Lillinger!
(Ästhetisch) - wir wissen nicht ob auch seitens der Herstellung - eine absolute Einzelanfertigung (um mal wieder Volker Kriegel zitieren zu können).
In den 80ern hatte niemand einen Klang auf diesem zentralen Teil des drumset wie Steve Jordan (Achtung, Achtung, dies ist ein Vergleich und keine Gleichsetzung), er war dermassen ikonisch - wie 40 Jahre später der des Drummers aus dem Spreewald. Mit anderer Spieltechnik, mit noch anderererer Ästhetik (um ja nicht missverstanden zu werden).
Lillingers snare klingt so obergeil, dass er sich in „EKV“ mittels ultralanger Hallfahne eine maximale Abweichung davon gestattet. Hörer mit guten Erinnerungen an TripHop werden hier leicht andocken können.
Kaja Draksler bedient hier nicht (und in anderen Stücken ebenfalls nicht) das „piano“, wie es auf dem back cover so reinlich geschrieben steht. Sie setzt klangliche, auch mikro-tonale Verfremdungen ein (über die man gerne aus den liner notes etwas erfahren hätte).
Lillingers Rausschmeisser „Vrt“ (slowenisch für Garten) bringt die Repetitions-Ästhetik dieses Trios noch einmal in Fahrt: ein Spieluhr-Thema in einem irrsinnigen Tempo, das nach einem geradezu „hochmütigen“ Thema, wiederum umgarnt von Trillern, einfach den Deckel fallen lässt.
Mit anderen Worten: „Kompress“ ist das zugänglichste Album dieses Wirbelwindes im Trio-Format.

https://www.jazzcity.de/index.php/cd-dvd/3358-kaja-draksler-petter-eldh-christian-lillinger-punkt-vrt-plastik-kompress-2

Formed in Lucerne in 1972 by saxophonist Urs Leimgruber, guitarist Christy Doran, bassist Bobby Burri, and drummer Fredy Studer, the original quartet fused the raw voltage of rock with the open architecture of free improvisation, arriving at a sound they eventually dubbed "ElectroAcoustiCore." Studer's death in 2022, weeks ahead of the release of the anniversary album 50 (Intakt), 2022), might reasonably have closed the book. Instead, the three surviving founders did something a lesser band would not have attempted: they hired two drummers instead of one. Gerry Hemingway, longtime anchor of the Anthony Braxton Quartet, and Tony Buck, best known for his work with The Necks, stepped in as a package deal. Südpol, recorded live at the Lucerne venue of the same name in December 2024, is the first full document of this expanded lineup, and it confirms that OM's appetite for reinvention has not dimmed with age; if anything, it has gotten hungrier.

"Fast Line," a nearly ten-minute opener that plunges into churning, overlapping pulses, with Hemingway and Buck circling one another rather than locking into unison, generating a rhythmic density that never curdles into clutter. Leimgruber's attack is scathing enough to supply its own sense of urgency, and the piece shifts gears mid-stream, drifting into ethereal subplots before hauling the hectic opening statement back for the close.

"Gamelan" lives up to its title only obliquely, trading literal mimicry for a metallic, chiming interplay between Doran's treated guitar and his closed- hand picking, a quaint melody that toggles against the twin-percussion onslaught while Leimgruber's soprano threads through the texture like a lit fuse.

The nearly sixteen-minute "A Frog Jumps In / Im Unterholz bei Kyjiv" is the emotional center of the set, moving from skittering near-silence to full- throated collective roars without ever feeling engineered. Yet "Behind the Eye" offers something like exhalation, a comparatively spare meditation that lets Leimgruber's tone sit alone in space for the first time on the record.

The gamble here was always going to be whether two drummers could serve the band rather than just crowd it. Hemingway and Buck do not always resolve that tension—there are stretches where the two of them seem to be having separate conversations, politely ignoring each other across the room—but the unresolved parts are arguably more interesting than a tidy fix would have been. Five decades on, OM still sounds like a band chasing the next unstable idea rather than one content to guard the last.

https://www.allaboutjazz.com/sudpol-om-intakt-records

Nite Bjuti, the visionary
Afro-Caribbean trio featuring vocalist Candice Hoyes,
with bassist Mimi Jones and percussionist Val Jeanty,
blends Haitian drum rhythms, electronics and spoken
word to create a completely original sonic experience.
Their minwi (Intakt), already nominated for the German
Record Critics’ Award Quarterly Critics Choice,
envisions a future rooted in empathy and mutual
care.

« Night Beauty », ici orthographié « Nite Bjuti », est un très vieux conte populaire haïtien qui raconte l’histoire d’une jeune défunte dont le squelette s’est mis à chanter dans « l’au-delà ». Il a inspiré le patronyme de ce trio new-yorkais atypique composé de trois jeunes femmes : Candice Hoyes (textes, chant, incantations, spoken word), Mimi Jones (basses) et Val Jeanty (percussions). En renfort sur ce nouvel album, outre les effets électroniques activés par le trio, on retrouve la jeune trompettiste d’origine espagnole Milena Casado et la flûtiste new-yorkaise Nicole Mitchell.

On le devine, la musique du trio, largement improvisée, rend hommage à la culture caribéenne dont ces trois musiciennes sont les héritières et à laquelle elles empruntent la mise en son et en mots, traduite par des percussions, des basses et des textes caractéristiques.

« Minwi » constitue leur deuxième œuvre. Il succède à un album éponyme que nous avions repéré, paru il y a trois ans sur le label Whirlwind. Celui-ci a pris son envol lors d’une longue jam qui s’est achevée à minuit, un mot écrit « Minwi » en Créole. En neuf étapes, le trio y souligne sa volonté de nous emmener en dehors des sentiers battus, ceux que l’on emprunte avec la soif de la découverte, sans aprioris. Un bel acte d’empathie et de solidarité!

https://jazzmania.be/nite-bjuti-minwi/

OM formed in 1972, dispersed in 1982, then resumed from 2006, a pivotal Swiss group immersed in comprovisation, with a stable roster up until the demise of drummer Fredy Studer in 2022. In 2024 they toured, feeling the urge for two new drummers to work behind (and underneath) them, magically gaining the presences of Gerry Hemingway and Tony Buck. Impressive from the get-go, but this pair surely exceeded even the great expectations felt within the remaining OM threesome. This is a robust live recording from that '24 tour, captured at the Südpol Kulturhaus in Switzerland, harnessing OM's bold sonics. Doran pens most of the originals (three out of five of these extended pieces), but doesn't overly dominate on the soloing front. This is left to the upfront Leimgruber and the ever-active sticksmen (skins and metal), forever seeking out sensitive details and clicking together magnificently. It's straight into action with 'Fast Line', as Urs leaps in, rippling with force, shivering sharply, bandmates stalling and driving in rapid succession. It's unusual to hear Buck in more of a speeding situation, compared to his slow-crawling for The Necks, but there's also space for quiet exploration here, less than two minutes into this barnstormer number. OM deliver pre-planned compositions, but containing lagoons of freedom. Towards the end, the drums are working towards dual oblivion, Leimgruber and Doran joining the stippled fray, the former overblowing in style. There are atmospheric alignments for 'Gamelan', poised with careful placement of sound textures, room to unspool the soprano guts, Doran nudging the percussionists towards metallophone zones. Then, 'P-M-F/B' maintains a repetitive, pouncing groove momentum and 'Behind The Eye' climaxes with tough riffing, honking soprano (a rare concept), bending, angular guitar parts, with strafes going into minimalist gesturing. This is a very well-captured live show.

https://www.jazzwise.com/reviews/om-sudpoll

Die Unvereinbarkeit unterschiedlicher musikalischer Konzepte wird in Alexander Hawkins' aktuellem Projekt aufgelöst. Dafür erweiterte der innovative britische Pianist sein Klangspektrum mit raffinierten Synthesizer-Einsätzen. Die orchestrale Wirkung wird durch die rhythmischen Figuren des Drummers Hamid Drake und Matthew Wrights Live Sampling ergänzt. Dazu stoßen, wie in „Resolution Each And Every", die phantasievollen Diskurse der amerikanischen Flötistin Nicole Mitchell und die abstrakten Melodien des Harfenisten Rhodri Davies. Beide komplettieren Alexander Hawkins' musikalische Limits überschreitende Soundarchitektur.

New strings of delight

CHRIS SEARLE relishes the genius of pianist Alexander Hawkins, his many ensembles, and his new album

PIANIST Alexander Hawkins’s 11-piece band Willow has been blossoming again at Dalston’s Cafe Oto. In an onslaught of reeds, breath and brass they played a succession of notated pieces that gave ample space for some powerful improvised solos. The eleventet were a dedicated ensemble grounded by Neil Charles’s delving bass, Stephen Davis’s brotherly, rolling drums and the pumping tuba of Olivia Hughes, slight of build but with a rumbling drive, made subtly melodic by a giant mute which hid her head and shoulders.

Xhosa Cole and Alicia Gardener-Trejo held a long flutesong colloquy, Alex Paxton’s trombone roared and growled in a quasi-tailgate uproar and the clarinets of Alex Ward and Tom Challenger palavered like birds in a nest. George Crowley’s tenor saxophone burst out in a long and potent solo, and Charlotte Keeffe’s trumpet suspirations and blistering phrases sparked audience breathlessness.

As for Hawkins, he shifted between conducting and pianism, sometimes sounding like a reincarnation of Winifred Atwell’s 1950s honky-tonk surprise, other times gentle or chiming, or striking the piano’s innards as if they were new strings of delight.

Hawkins is renowned for his smaller-group formations, whether it is his duo with the late Cape Town drums nonpareil Louis Moholo-Moholo, his partnership with Ethiopian vocalist Sofia Jernberg or his trio with Charles and Davis. Willow shows his skills and orchestrating with a larger ensemble and his ability to create a fusion of collective sonic power with shared solo virtuosity.

His new album, pointedly named No Nation But Imagination in a rabid era of Maga and Reform UK is not only a riposte to the odious Trump and Farage, but a testimony of smaller group unity and cosmopolitan musical brilliance: Hamid Drake’s Louisiana drums, Nicole Mitchell’s Chicago flute, Rhodri Davies’s Welsh harp with the piano, synthesiser and sampling of Hawkins and Matthew Wright.

The night before this recording was made at Fish Factory Studios, Willesden, north-west London, this very same ensemble played a session at Cafe Oto, and truth to tell, it has that venue’s Dalston ambiance running through its soundstream. Deliciously cross-worldly, its sounds are like the paintboxes that used to be made in Oto’s buildings a century ago when it was the Reeves Paints Factory. The power of Drake’s strident drums that signal every phrase of the second track, Resolution Each and Every, is balanced by the Lake Michigan birdsong of Mitchell’s flute. Hawkins pounds his keys through Mirror No Border as if he were another drummer. The counterpoint of Mitchell’s soulful flutesong and Davies’s simmering strings make a blissful duo in Celestial Garden. I had to look up the meaning of “hocket” during the track called Hocket Fierce Peaceful. Perhaps its definition embraces the fundamentals of Hawkins’s music: “A spasmodic or interrupted effect in medieval and contemporary music, produced by dividing a melody between two parts, notes in one part coinciding with rests in the other.”

For perhaps that’s what he and his bandmates do all through the album, how they make their imaginations take fire as inventive musicians have been doing all over the world for centuries. And when the band moves into the track called Joy Beyond Blazing, all five of them create that too, for here is a new music of intrigue and delight, grounded in long, long history with striking and immediate meaning for now-times.

No Nation but Imagination is released by Intakt Records

For further live dates see: alexanderhawkinsmusic.com

https://morningstaronline.co.uk/article/new-strings-delight

Le saxophoniste ténor américain James Brandon Lewis est assurément une des voix majeures du jazz contemporain. Biberonné au post-bop (avec un soupçon de free) et aux grands saxophonistes de ce genre (Coltrane, Ayler, Rollins, lequel n’hésitait pas à dire tout le bien qu’il en pensait), avec des touches de gospel (son père est pasteur) et de blues, il a construit une œuvre originale qui n’hésite pas à aller voir régulièrement vers d’autres horizons (deux splendides albums de punk-jazz avec The Messthetics ou l’hommage à Mahalia Jackson avec son « For Mahalia, With Love »). Le revoici avec son quartet, son projet principal, qui sort un sixième album en six ans. On retrouve toujours à ses côtés les fidèles Aruan Ortiz au piano, Brad Jones à la contrebasse et Chad Taylor à la batterie. Cette stabilité dans le groupe permet une interaction naturelle entre les musiciens, une réactivité instinctive. Pour ce disque, le leader souligne la dimension spirituelle de sa musique avec des titres révélateurs comme « The Sermon » ou « Spirit of the Living God », avec un titre d’album (« Omni ») qui annonce trois compositions, trois attributs divins, que sont « Omnipotent » (un court solo au saxophone qui ouvre l’album), « Omniscient » (un splendide duo sax-contrebasse niché au cœur de l’œuvre) et « Omnipresent » (joué en groupe pour clore l’opus). « Testify », avec sa touche gospel prononcée, est un autre exemple de ce côté mystique. James Brandon Lewis et ses brillants comparses n’hésitent pas à nous emmener également vers des sentiers brûlants, avec une section rythmique d’enfer, avec des compositions-improvisations libertaires (toujours cet équilibre parfaitement maîtrisé entre structure et improvisation) que sont « Fire in My Bones » ou « Line Upon Line ». Voici un nouveau grand disque de James Brandon Lewis. Certains parlent de l’influence d’un John Coltrane et de son « A Love Supreme » ou d’un Archie Shepp pour son côté gospel. On peut y penser, mais, en fait, on est devant une œuvre tellement personnelle, tellement originale que ces comparaisons n’ont pas lieu d’être.

https://jazzmania.be/james-brandon-lewis-quartet-omn/

Il n’est pas nécessaire d’être un fervent religieux pour s’enivrer du Love Supreme du grand Coltrane. De même, le plus grand des mécréants (coucou, vous m’avez reconnu ?) n’est pas obligé de rejeter toute œuvre axée sur la croyance. Ainsi d’OMNI, œuvre intensément spirituelle de James Brandon Lewis, fils de pasteur faut-il le rappeler. Puisons plutôt une nouvelle fois au sein de sa brillante conception du Modecular Systematic Music.

Lewis est à l’heure actuelle le seul saxophoniste de la (presque) jeune génération à pouvoir nous étonner et émouvoir. Et, surtout, son quartet composé du pianiste Aruan Ortiz, du contrebassiste Brad Jones et du batteur Chad Taylor est l’un des plus exaltant-excitant de la jazzosphère.

Le dodécaphonisme d’OMNI n’est en rien un frein au plaisir d’écoute qui est le notre : épure en solo (Ominipotent), dialogues croisés saxophone-piano (Fire in My Bones), Gospel détourné (Testify), saxophone de feu et de braises (Testify à nouveau), suavité du souffle et des mélodies (Oniscient, Omnipresent), autant de diversités et de moments précieux faisant œuvre.

Si Crescent était l’antichambre de Love Supreme, il en est peut-être de même d’OMNI. A suivre…

https://www.jazzin.fr/james-brandon-lewis-omni//

Seit dem Tod ihres Drummers Fredy Studer 2022 arbeitet die Luzerner Band OM mit den zwei Schlagzeugern Gerry Hemingway und Tony Buck. Ihr neues Album «Südpol» gibt den atmosphärisch-dunklen Soundgeweben viel Raum, was Ruhe und Spannung in die Musik bringt. Gekoppelt mit einigen Ecken und Kanten und groovebetonten Passagen, zeigen die fünf Stücke, wie die Band trotz Schicksalsschlägen noch immer überraschen kann.

Il y a quatre ans, nous vous présentions ce combo suisse qui fêtait alors ses… cinquante ans avec un album simplement titré « 50 ». Réunissant Urs Leimgruber (sax soprano), Christy Doran (guitare électrique), Bobby Burri (contrebasse), il s’est trouvé un nouveau batteur/percussionniste en la personne de Gerry Hemingway qui remplace dorénavant Fredy Studer décédé en 2022. Pour ce nouvel album, il s’est également adjoint les services de Tony Buck, qui tient habituellement la batterie et les percussions au sein du trio australien The Necks. Hemingway et Buck avaient en réalité rejoint, en alternance, le groupe pour sa tournée « 50 ». Dans un souci d’éviter toute exclusion, les deux restèrent finalement dans l’aventure. On rappelle qu’OM eut son heure de gloire dans la décade entre 1972 et 1982 où il allia free jazz, rock en opposition et fusion dynamique, puisant à la fois son inspiration chez Hendrix, Ayler et Coltrane, empruntant son nom au disque éponyme de ce dernier. ECM lui consacra une belle rétrospective il y a vingt ans. C’est dire si le temps ne semble pas avoir d’emprise sur eux. Les cinq longues nouvelles compositions de « Südpol » se substituent aux improvisations du passé. Elles se donnent le temps de se déployer, de laisser les instruments donner le meilleur de leurs sonorités respectives. Doran en a écrit trois, Burri une et Leimgruber une également. Sur la plage d’ouverture « Fast Line », on peut entendre Leimgruber crier, réclamant de l’air alors qu’il venait d’être diagnostiqué d’une grave maladie aux poumons. Il s’en dégage comme un impératif qui rajoute à l’urgence de cette musique à la fois brute et délicate.

https://jazzmania.be/om-sudpol/